La tête d'un homme
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Sinopsis:
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PROGRESO DONACIONES OCTUBRE 2019
miércoles, 13 de febrero de 2013
La tête d'un homme (Julien Duvivier, 1933)
Paper Moon (Peter Bogdanovich, 1973)
Luna de papel
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Sinopsis:
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1973: Oscar: Secundaria (O'Neal). Nominada a Secundaria (Khan), Guión y Sonido.
1973: Globo de Oro: Actriz revelación (O'Neal). 5 nominaciones incluyendo Comedia.
1973: Festival de San Sebastián: Concha de Plata y Premio del jurado.
1973: Premios David di Donatello: Mejor actriz extranjera (Tatum O'Neal)
1973: Globo de Oro: Actriz revelación (O'Neal). 5 nominaciones incluyendo Comedia.
1973: Festival de San Sebastián: Concha de Plata y Premio del jurado.
1973: Premios David di Donatello: Mejor actriz extranjera (Tatum O'Neal)
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Saboteur (Alfred Hitchcock, 1942)
Sabotaje
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Sinopsis:
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Quinto film americano de
Hitchcock y 28º de su filmografía. Escrito por Peter Viertel, Jean
Harrison y Dorothy Parker, se basa en un argumento del propio Hitchcock.
Se rueda, en B/N, en exteriores de California (Alabama Hills y Red Rock
Canyon State Park), Nevada y NYC y en los platós de Universal Studios.
Producido por Frank Lloyd, se estrena en "première" el 22-IV-1942
(Washington).
La acción comienza en LA y termina en NYC, cruza el territorio de EEUU de Oeste a Este y recorre unas 3.000 millas. Tiene lugar en 1941/42, en tiempos de la IIGM.
El film es un thriller de suspense con componentes de aventura, guerra y romance. El productor D.O. Selznick vende los derechos de producción a Frank Lloyd, que le asigna un presupuesto modesto, propio de tiempos de guerra. Hithcock renuncia a los protagonistas previstos (Gary Cooper y Barbara Stanwyck), que sustituye por otros de menor relieve. La ubicación temporal del estreno explica las referencias patrióticas de la obra, explícitas, pero breves y acotadas. Es el primer film de Hitchcock con un reparto integramente americano. El argumento, del propio Hitchcock, recuerda al del "39 escalones" (1935) y, en ocasiones, ha sido cansiderado como un borrador de "Con la muerte en los talones" (1959). Los hechos enfrentan al protagonista con una cadena ininterrumpida de riesgos y amenazas, que proceden de fuentes diferentes y simultáneas. Añade un ritmo rápido, una inesperada sucesión de casualidades e imprevistos y la emergencia gradual de una trama criminal de complejas complicidades. El enfrentamiento entre Barry y sus perseguidores da lugar a escenas angustiosas de intertidumbre y riesgo. El realizador consigue crear un clima de suspense intenso, ininterrumpido y creciente, que retiene la atención del espectador. Son escenas destacables el tiroteo en el interior de una sala de cine durante una proyección, la caravana de un extraño circo, la conversación con el hombre ciego, la pelea en la antorcha de la Estatua de La Libertad. El plano del "S.S. Normandie", volcado sobre un lado en aguas del puerto de NY, fue filmado aprovechado una oportunidad no prevista. La nave había sufrido un extraño incendio, probablemente provocado. El realizador muestra sus preferencias por la trasposición de identidades (falso sospechoso), la mujer rubia, independiente y desenvuelta, las sorpresas, las casualidades, las imágenes vertiginosas, las novedades técnicas (nevera eléctrica), etc.
La música, de Frank Skinner ("Obsesión", Sirk, 1954), aporta melodias de baile, acción, suspense y románticas, que definen y subrayan las incidencias de la acción. Hace uso frecuente de los aires melódicos de moda en el momento. La fotografía, de Joseph A. Valentine ("La soga", 1948), mueve la cámara con diligencia, la sitúa con precisión en puntos clave, busca perspectivas amplias y se recrea en la grandeza de los rascacielos neoyorquinos, imponentes obras hidráulicas (presa) y las imágenes simbólicas de la Estatua de La Libertad. (Miquel, FilmAffinity)
La acción comienza en LA y termina en NYC, cruza el territorio de EEUU de Oeste a Este y recorre unas 3.000 millas. Tiene lugar en 1941/42, en tiempos de la IIGM.
El film es un thriller de suspense con componentes de aventura, guerra y romance. El productor D.O. Selznick vende los derechos de producción a Frank Lloyd, que le asigna un presupuesto modesto, propio de tiempos de guerra. Hithcock renuncia a los protagonistas previstos (Gary Cooper y Barbara Stanwyck), que sustituye por otros de menor relieve. La ubicación temporal del estreno explica las referencias patrióticas de la obra, explícitas, pero breves y acotadas. Es el primer film de Hitchcock con un reparto integramente americano. El argumento, del propio Hitchcock, recuerda al del "39 escalones" (1935) y, en ocasiones, ha sido cansiderado como un borrador de "Con la muerte en los talones" (1959). Los hechos enfrentan al protagonista con una cadena ininterrumpida de riesgos y amenazas, que proceden de fuentes diferentes y simultáneas. Añade un ritmo rápido, una inesperada sucesión de casualidades e imprevistos y la emergencia gradual de una trama criminal de complejas complicidades. El enfrentamiento entre Barry y sus perseguidores da lugar a escenas angustiosas de intertidumbre y riesgo. El realizador consigue crear un clima de suspense intenso, ininterrumpido y creciente, que retiene la atención del espectador. Son escenas destacables el tiroteo en el interior de una sala de cine durante una proyección, la caravana de un extraño circo, la conversación con el hombre ciego, la pelea en la antorcha de la Estatua de La Libertad. El plano del "S.S. Normandie", volcado sobre un lado en aguas del puerto de NY, fue filmado aprovechado una oportunidad no prevista. La nave había sufrido un extraño incendio, probablemente provocado. El realizador muestra sus preferencias por la trasposición de identidades (falso sospechoso), la mujer rubia, independiente y desenvuelta, las sorpresas, las casualidades, las imágenes vertiginosas, las novedades técnicas (nevera eléctrica), etc.
La música, de Frank Skinner ("Obsesión", Sirk, 1954), aporta melodias de baile, acción, suspense y románticas, que definen y subrayan las incidencias de la acción. Hace uso frecuente de los aires melódicos de moda en el momento. La fotografía, de Joseph A. Valentine ("La soga", 1948), mueve la cámara con diligencia, la sitúa con precisión en puntos clave, busca perspectivas amplias y se recrea en la grandeza de los rascacielos neoyorquinos, imponentes obras hidráulicas (presa) y las imágenes simbólicas de la Estatua de La Libertad. (Miquel, FilmAffinity)
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Tarzan the Ape Man (W.S. Van Dyke, 1932)
Tarzán de los monos
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Sinopsis:
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La adaptación del famoso
personaje de Edgar Rice Burroughs, protagonizado por un imponente
campeón olímpico de natación, supuso un título clave del género de
aventuras. Considerados unánimemente Weissmuller y Sullivan como la
mejor pareja Tarzán-Jane de todos los tiempos, esta primera entrega fue,
además, la primera de una larga continuación de aventuras del
legendario rey de la selva. La serie que empezó con la
Metro-Goldwyn-Mayer pasó luego a la RKO, Maureen O'Sullivan llegó a
dejar en los años cuarenta su personaje en busca de otros papeles más
"serios", pero para la historia del cine Weissmuller fue, desde esta
película, sinónimo de Tarzán. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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The Adventures of Robin Hood (Michael Curtiz & William Keighley, 1938)
Robin de los bosques
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Sinopsis:
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1938: 3 Oscars: Mejor banda sonora, montaje, dirección artística. 4 nominaciones
Film emblemático de aventuras, realizado por Michael Curtiz y William Keighley. Al primero se atribuyen las escenas de interior y al segundo las exteriores (las primeras que se ruedan). El guión, de Norman Reilly Raine y Seton I. Miller, se basa en las narraciones legendarias de Robin Hood, que aparecen citadas por primera vez en "Piers Plowman" (1377), de William Langland. Se rueda en Bidwell Park (Chico, CA), donde se recrea el bosque de Sherwood, y en los Warner Studios, con un coste ligeramente superior a los 2 M de dólares, el más elevado de una cinta hasta entonces. Es nominado a 4 Oscar y obtiene 3 (decoración, edición y música original). Producido por Hal B. Wallis (no acreditado), se estrena en "première" el 25-IV-1938 (EEUU). El estreno en España se retrasa 10 años, hasta el 11-X-1948.
La acción tiene lugar en el condado de Nottingham (suroeste de Inglaterra), en 1194, tras la 3ª Cruzada. Robert de Locksley es un noble sajón que se ve obligado a comportarse como un bandido cuando el príncipe Juan intenta usurpar el trono a su hermano Ricardo, apresado por Leopoldo de Austria. En los bosques de Sherwood toma el nombre de Robin Hood (Robín de la capucha). Allí reúne a los sajones proscritos, perseguidos y desheredados, entre los que se cuentan Will Scarlett, el fraile Tuck, pequeño John, el molinero Much, etc. Con su apoyo se enfrenta a las ambiciones del príncipe Juan, se opone a los impuestos arbitrarios de Sir Guy de Gisbourne, roba a los ricos y ayuda a los pobres.
La película está considerada como una de las más destacadas del cine de aventuras de todos los tiempos. Combina aventuras, acción, romance, drama y toques de comedia de humor, en un conjunto sorprendentemente entretenido. Suma secuencias, que explican hechos separados, con cierta falta de progresión dramática. Ofrece escenas memorables como la llegada de Robin al castillo de Nottingham durante el banquete, la proyección de sombras del príncipe Juan y sus ayudantes en la pared cuando firman la condena a muerte de Robin, la juxtaposición de la imagen del príncipe Juan preparándose para la coronación y la de Lady Marian en la celda, y el inolvidable duelo final.
La música, de Erich Wolfgang Korngold ("El capitán Blood", 1935), consta de 15 temas ("Prólogo", "El banquete", "Duelo y victoria", "Epílogo") y 2 motivos principales, uno triunfal (el de Robin) y otro siniestro (el de Sir Guy). De aire solemne y sinfónico, contiene fanfarrias marciales de tono épico. La fotografía, de Tony Gaudio y Sol Polito, ofrece un technicolor avanzado, de alto coste en su momento, largos movimientos de grúa y espectaculares perspectivas panorámicas. La imagen de Errol Flynn queda ligada al personaje de Robin Hood. El éxito de la obra anima a la Warner a realizar dos films similares el año siguiente: "Dodge City" (Curtiz, 1939) y "La vida privada de Elizabeth y Essex" (Curtiz, 1939). (Miquel, FilmAffinity)
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Lizzies of the Field (Del Lord, 1924)
Lagartijas de campo
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Sinopsis:
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Kozure Ôkami Sono chîsaki te ni (Akira Inoue, 1993)
Lone Wolf and Cub: The Final Conflict / Handful of Sand
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Sinopsis:
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Kidnapped (Delbert Mann, 1971)
David y Catriona
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Sinopsis:
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Bank Shot (Gower Champion, 1974)
El loco, loco asalto a un banco
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Sinopsis:
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Der junge Törless (Volker Schlöndorff, 1966)
El joven Törless
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Sinopsis:
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1966: Festival de Cannes: FIPRESCI
Primer largo de Volker Schlöndorf ("El tambor de hojalata", 1979), pilar del nuevo cine alemán, junto a Fassbinder y Herzog. Se basa en la novela "Las tribulaciones del joven Törless" (1906), de Robert Musil, adaptada por Herbert Asmodi. Se rodó en Austria (Burgerland, Graz, Rust) y Alemanaia (Kloster, Tegernsee y Munich). Se estrenó en el Festival de Cannes (mayo 1966), donde ganó el FIPRESCI. Obtuvo 3 German Film Award (película, guión y director).
La acción tiene lugar en Austria en una escuela militar de cadetes en régimen de internado, situada en las afueras de Neudorf, en torno a 1904/05, durante varios meses. Corren los últimos años del Imperio Austro-húngaro, regido por el emperador Francisco-José. Narra la historia de Thomas Törless (Mathieu Carrière), sumido en dudas y confusiones sobre lo que ocurre a su alrededor, que desea superar observando y razonando. Ante los abusos de que es víctima su condiscípulo Anselm von Basini por parte de los compañeros Beineberg (Bernd Tischer) y Reiting (Fred Dietz), adopta una actitud interesada en investigar las causas y efectos de la crueldad.
La película se centra en el mundo interior de Törless, presa de inquietudes adolescentes sobre una realidad compleja que se abre ante sus ojos y que quiere conocer y entender. La existencia de los números imaginarios (raíz cuadrada de -1), que la mente humana considera imposibles, pero sirven para cálculos aplicados de gran utilidad, le trasportan a un universo poblado de fenómenos reales, pero absurdos e icomprensibles, como la crueldad, la tortura y la humillación. Pese a los elementos autobiográficos de R. Musil, el relato no exculpa la pasivididad de Thomas. La novela contenía una premonición de los horrores del nacismo y la película se desarrolla como una metáfora del imperio nazi de torturas, deportaciones masivas, muerte y holocausto, incomprensible en su concepción y gestión y en la pasividad del pueblo alemán, con excepciones aisladas como la Rosa Blanca ("Sophie Scholl", 2005). La obra critica la formación en centros cerrados, dirigidos con autoritarismo por responsables que trasladan sus culpas a personas ajenas, como Törless. Los abusos de Busini avanzan en un crescendo de abusos sexuales (pulcramente sugeridos), torturas y humillaciones privadas y públicas, cuyas raíces se hallan en desórdenes psicóticos.
La música realza con instumentos antiguos de cuerda la atemporalidad del relato y con disonancias la perversidad del drama. La fotografía, de potente b/n, opta por la sugerencia y la austeridad. El guión construye un relato realista, rico en elipsis y sobrentendidos. La interpretación de Mathieu Carrière, de 16 años, es convincente y sugestiva. La dirección crea un film vigoroso, sincero y crítico.
La película es un ejemplo emblemático del nuevo cine alemán de Posguerra. (Miquel, FilmAffinity)
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