El renacimiento / The rebirth
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Sinopsis:
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2007: Festival de Locarno: Leopardo de Oro: mejor película
PROGRESO DONACIONES AGOSTO 2019
martes, 13 de noviembre de 2012
Ai no yokan (Masahiro Kobayashi, 2007)
Pauline et Paulette (Lieven Debrauwer, 2001)
Pauline & Paulette
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Sinopsis:
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De verdad que a diario y en
todo momento la vida nos pone ante grandes maestros, que la soberbia nos
impide reconocer a simple vista; gente especial, que con su proceder
muestran la sencillez de la vida, superando todo sentimiento negativo o
en perjuicio de los demás; donde lo importante puede radicar en el juego
y actividades extraordinarias de constante aprendizaje o simplemente en
ver el atardecer o regar el jardín sin las menores preocupaciones que a
la mayoría nos aquejan en el ir y venir de los acontecimientos del
diario.
Pauline en su estado de niñez prolongada encuentra refugio y a la vez es vulnerable a un mundo nuevamente intolerable y egoísta, que no permite la integración de gente con diferentes capacidades e incluso abusa del estado en que viven. Pauline se vera expuesta a cambios ante el deceso de su hermana, quien cuido de ella toda la vida y que protegerá hasta donde alcances menos sospechados. Ahora nuestra protagonista deberá aceptar y adaptarse a esos cambios, encontrar con una de sus dos hermanas ese beneplácito con el que había vivido por años.
El premio al cual fue acreedora considero que se debió mucho al enfoque dado, y a la emotividad que ofrece; a pesar de que se pudo plantear una absoluta tragedia como suele verse en este tipo de historias, se nos presenta un drama que podamos asimilar y que invita a la reflexión.
Una película de gran apreciación. (Coleccionista Visual, FilmAffinity)
Pauline en su estado de niñez prolongada encuentra refugio y a la vez es vulnerable a un mundo nuevamente intolerable y egoísta, que no permite la integración de gente con diferentes capacidades e incluso abusa del estado en que viven. Pauline se vera expuesta a cambios ante el deceso de su hermana, quien cuido de ella toda la vida y que protegerá hasta donde alcances menos sospechados. Ahora nuestra protagonista deberá aceptar y adaptarse a esos cambios, encontrar con una de sus dos hermanas ese beneplácito con el que había vivido por años.
El premio al cual fue acreedora considero que se debió mucho al enfoque dado, y a la emotividad que ofrece; a pesar de que se pudo plantear una absoluta tragedia como suele verse en este tipo de historias, se nos presenta un drama que podamos asimilar y que invita a la reflexión.
Una película de gran apreciación. (Coleccionista Visual, FilmAffinity)
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Gadkie lebedi (Konstantin Lopushansky, 2006)
The Ugly Swans
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Sinopsis:
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Si le vent soulève les sables (Marion Hänsel, 2006)
Si el viento sopla la arena
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Sinopsis:
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Kangwon-do ui him (Hong Sang-soo, 1998)
The Power of Kangwon Province
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Sinopsis:
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The Day of the Jackal (Fred Zinnemann, 1973)
Chacal / El día del chacal
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Sinopsis:
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1973: Nominada al Oscar: Mejor montaje
He visto muchos remakes innecesarios o cuya calidad no iguala al film original, pero he visto pocos tan horribles y tan insultantes como el que protagonizó el bueno de Bruce Willis hace unos años. Así que olvidemos que existe un engendro semejante y volvamos la vista atrás para disfrutar con el trabajo de uno de los grandes directores de Hollywood, Fred Zinnemann.
Los grandes thrillers de finales de los 60 y los 70 se caracterizan por altas dosis de acción, escenas trepidantes y espectaculares persecuciones en coche, o tiroteos o escenas de violencia. Chacal podría considerarse como un thriller totalmente opuesto a éstos, donde la acción es casi inexistente. Si normalmente vemos las detenciones policiales, los tiroteos y demás, en Chacal tenemos todas esas escenas ocultas en las grandes películas de acción: el papeleo, las investigaciones de despacho, las colaboraciones entre departamentos, etc. Pese a su casi total falta de escenas de acción, Chacal es un gran film, dirigido con su habitual precisión de relojero por Zinnemann, y basada en la excelente historia escrita por Frederick Forsyth en el libro The Day of the Jackal.
La novela relataba un ficticio intento de asesinato (aunque en la vida real hubieron varios) contra el presidente francés Charles De Gaulle por parte de la organización militar radical OAS. Tras varios intentos fallidos de acabar con la vida del mandatario, el grupo terrorista contrata a un asesino profesional, Charles Calthrop, cuyo seudónimo será "Chacal". A partir de entonces, y con una gran profusión de detalles en el funcionamiento interno de los servicios de seguridad, comenzará una caza al hombre por parte de la policía francesa para atrapar al asesino cuya identidad es desconocida.
Chacal, la adaptación cinematográfica de la célebre novela de Forsyth, probablemente pueda ser considerada como la mejor película cuya temática trata sobre un magnicidio. En todo momento se trata de dar realismo a la película, y asistimos a escenas que no se suelen dar en otras películas del género, como por ejemplo el ver al asesino preparando cuidadosamente su plan, haciéndose con documentos falsos, etc. En el otro lado tenemos las investigaciones policiales, que tras someter a tortura a un contacto de los dirigentes del complot apenas cuentan con un nombre, Chacal, para partir de sus investigaciones. Desde el interrogatorio hasta la entrevista final del Ministro del Interior con el presidente, vamos asistiendo a todos los pasos intermedios que llevan finalmente a la formación de un gabinete de crisis.
Si el asesino es retratado como una persona joven y fuerte que liquida a sus víctimas sin grandes espectacularidades, su oponente, el comisario Claude Lebel, es igualmente realista. El héroe de la película no es un hombre musculoso ni va disparando a todo el mundo por la calle. Es un hombre de apariencia normal, con bigote, algo grueso, un hombre de familia, como lo son la mayoría de inspectores en este mundo. Lo que le diferencia es su gran intelecto, su perspicacia y su perseverancia. Dichas cualidades las comparte también Chacal, lo que hará de la búsqueda del asesino una interesante competición entre el criminal y el servidor de la ley. Aquel de los dos que primero cometa un error dará la victoria a su contrario.
El gran mérito de Zinnemann al adaptar la novela es su apreciación y conservación de los pequeños detalles, y saber presentar una historia cuya principal arma para mantener en vilo al público es el suspense, prescindiendo de las escenas de acción, salvo en algunos determinados momentos. Con el apoyo del gobierno francés el director pudo rodar en escenarios naturales, dando así a la película una dosis extra de realismo. La práctica ausencia de banda sonora ayuda también a crear un ambiente de documental para la película.
Preocupado por que la película fuera lo más realista posible, y buscando realzar la trama sobre los actores, Zinnemann se negó a contratar a grandes como Michael Caine o Roger Moore, y en su lugar le dio el papel de Chacal al desconocido Edward Fox, quien a pesar del escaso éxito del film se convirtió en una estrella, sobretodo en tierras británicas. Otra futura estrella británica, Derek Jacobi, interpreta al ayudante del comisario Lebel.
Chacal constituye una gran obra de suspense en lo que sería uno de los últimos brillantes trabajos de un gran director. La soberbia adaptación del guión, el milimetrado montaje y una sabia dirección, junto a esa historia tan fascinante, sobretodo por su realismo y esa sensación de "hubiera podido pasar", hacen de Chacal un singular film de acción, ideal para los amantes del suspense y de las intrigas políticas. (Moebius: La cinta de Moebius)
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The Vampire Lovers (Roy Ward Baker, 1970)
Las amantes del vampiro / Amores de vampiros
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Sinopsis:
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The Vampire Lovers es la primera película de la Trilogía de los Karnstein basada en el relato Carmilla, la mujer-vampiro creada por el escritor Sheridan Le Fanu. Las otras dos son Lust for a Vampire (Jimmy Sangster, 1971) y Twins of Evil (John Hough, 1971)
Esta versión de la Hammer Productions acentuó aun más el erotismo e introdujo el lesbianismo en sus historias vampíricas, un filón que seguiría siendo explotado en los siguientes films del género.
The Vampire Lovers es la película que marca el inicio de la decadencia de la Hammer, causada por varias razones: la necesidad de buscar novedades en las tramas de unas películas que tenían como protagonistas a unos personajes bastante agotados, la reducción drástica de presupuestos en clara relación con el descenso de recaudaciones y el hecho de que otros países europeos (Alemania, Italia, España, a menudo en coproducción) empezaron a producir en masa producciones baratas, pero rentables, del género. Estas películas tenían presupuestos ridículos, pero conseguían buenas recaudaciones porque tenían más sangre y, sobre todo, más sexo que las de la Hammer. Así pues, la productora inglesa no quiso quedarse atrás.
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Carmilla, del irlandés Joseph Sheridan Le Fanu, es uno de los relatos claves ya no sólo del género vampírico en particular, sino de toda la novela gótica en general. Fuente de inspiración para el Drácula de Stoker, Carmilla es sin duda uno de esos relatos a la espera de una "adaptación definitiva", y es que la visual narración de Le Fanu tiene todos los ingredientes para dar lugar a una pequeña gema del género.
La presente versión es una de las adaptaciones más interesantes hasta la fecha, y ello pese a nacer en el llamado periodo de decadencia de la Hammer y, pese también a buscar taquilla de un modo fácil a base de mostrar algo de carne. Handicap este último que, en cierto modo, comparte con el fantaterror español, bastante influido por la productora británica; se iniciaban los años de crisis del terror patrio y muchos creían que dar un toque de erotismo a sus productos podría mitigar los daños. Una lástima, porque en la mayoría de los casos el reclamo comercial no cuajaba y la calidad de las películas se resentía un poco.
Con The Vampire Lovers (1970) nos encontramos ante una adaptación sorprendentemente fiel de la novela, siendo los cambios más evidentes los de los nombres de algunos protagonistas (la Emma de la película es la Laura del libro) y el cambio en la estructura narrativa. Esto último se nota especialmente en la parte en que interviene Cushing, cuya historia es narrada en el libro a modo de flashbacks, mientras que en la película hace las veces de un primer episodio.
Destaca el guión de Harry Fine por haber adoptado con gran tino el espíritu de la novela y por saber aprovechar hasta los elementos más aparentemente nimios de esta. De ese modo tenemos fragmentos como el prólogo protagonizado por el Barón Hartog que, si bien es un elemento nuevo, se relaciona con hechos insinuados en el texto original. Fine aprovecha también con éxito las ligeras indicaciones de la novela de que la vampira no actúa de un modo completamente libre, que tal vez exista otro poder detrás de ella. Para plasmar este último hecho ayuda también la interpretación de Ingrid Pitt quien, sin ser una actriz de grandes registros, consigue reflejar con bastante efectividad ese auto-rechazo y esa dualidad (apariencia fuerte, pero cierta debilidad física) de la que hacía gala la Carmilla literaria.
Lo cierto es que una de las grandes bazas de esta película es su reparto, ya no solo por la buena labor interpretativa de los actores, sino por su gran adecuación a sus respectivos papeles. Cushing estupendo (como siempre), Madeline Smith resulta todo lo angelical e inocente que debía ser su personaje, y Kate O'Mara es capaz de reflejar sin estridencias la atracción que su personaje siente por la hermosa vampira desde un primer momento.
En el aspecto negativo de la película tenemos tan solo algunos desmanes estéticos propios de la época, y entre los que destacan unas escenas oníricas que parecen sacadas de un videoclip especialmente psicotrónico. Sin embargo, y por fortuna, la mayor parte de la narración es bastante clásica, gracias a lo cual la película ha soportado (salvo detalles puntuales) muy bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las grandes películas de la Hammer de los 70. (Ana Morán Infiesta: Pasadizo)
Esta versión de la Hammer Productions acentuó aun más el erotismo e introdujo el lesbianismo en sus historias vampíricas, un filón que seguiría siendo explotado en los siguientes films del género.
The Vampire Lovers es la película que marca el inicio de la decadencia de la Hammer, causada por varias razones: la necesidad de buscar novedades en las tramas de unas películas que tenían como protagonistas a unos personajes bastante agotados, la reducción drástica de presupuestos en clara relación con el descenso de recaudaciones y el hecho de que otros países europeos (Alemania, Italia, España, a menudo en coproducción) empezaron a producir en masa producciones baratas, pero rentables, del género. Estas películas tenían presupuestos ridículos, pero conseguían buenas recaudaciones porque tenían más sangre y, sobre todo, más sexo que las de la Hammer. Así pues, la productora inglesa no quiso quedarse atrás.
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Carmilla, del irlandés Joseph Sheridan Le Fanu, es uno de los relatos claves ya no sólo del género vampírico en particular, sino de toda la novela gótica en general. Fuente de inspiración para el Drácula de Stoker, Carmilla es sin duda uno de esos relatos a la espera de una "adaptación definitiva", y es que la visual narración de Le Fanu tiene todos los ingredientes para dar lugar a una pequeña gema del género.
La presente versión es una de las adaptaciones más interesantes hasta la fecha, y ello pese a nacer en el llamado periodo de decadencia de la Hammer y, pese también a buscar taquilla de un modo fácil a base de mostrar algo de carne. Handicap este último que, en cierto modo, comparte con el fantaterror español, bastante influido por la productora británica; se iniciaban los años de crisis del terror patrio y muchos creían que dar un toque de erotismo a sus productos podría mitigar los daños. Una lástima, porque en la mayoría de los casos el reclamo comercial no cuajaba y la calidad de las películas se resentía un poco.
Con The Vampire Lovers (1970) nos encontramos ante una adaptación sorprendentemente fiel de la novela, siendo los cambios más evidentes los de los nombres de algunos protagonistas (la Emma de la película es la Laura del libro) y el cambio en la estructura narrativa. Esto último se nota especialmente en la parte en que interviene Cushing, cuya historia es narrada en el libro a modo de flashbacks, mientras que en la película hace las veces de un primer episodio.
Destaca el guión de Harry Fine por haber adoptado con gran tino el espíritu de la novela y por saber aprovechar hasta los elementos más aparentemente nimios de esta. De ese modo tenemos fragmentos como el prólogo protagonizado por el Barón Hartog que, si bien es un elemento nuevo, se relaciona con hechos insinuados en el texto original. Fine aprovecha también con éxito las ligeras indicaciones de la novela de que la vampira no actúa de un modo completamente libre, que tal vez exista otro poder detrás de ella. Para plasmar este último hecho ayuda también la interpretación de Ingrid Pitt quien, sin ser una actriz de grandes registros, consigue reflejar con bastante efectividad ese auto-rechazo y esa dualidad (apariencia fuerte, pero cierta debilidad física) de la que hacía gala la Carmilla literaria.
Lo cierto es que una de las grandes bazas de esta película es su reparto, ya no solo por la buena labor interpretativa de los actores, sino por su gran adecuación a sus respectivos papeles. Cushing estupendo (como siempre), Madeline Smith resulta todo lo angelical e inocente que debía ser su personaje, y Kate O'Mara es capaz de reflejar sin estridencias la atracción que su personaje siente por la hermosa vampira desde un primer momento.
En el aspecto negativo de la película tenemos tan solo algunos desmanes estéticos propios de la época, y entre los que destacan unas escenas oníricas que parecen sacadas de un videoclip especialmente psicotrónico. Sin embargo, y por fortuna, la mayor parte de la narración es bastante clásica, gracias a lo cual la película ha soportado (salvo detalles puntuales) muy bien el paso del tiempo y sigue siendo una de las grandes películas de la Hammer de los 70. (Ana Morán Infiesta: Pasadizo)
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It's a Wonderful Life (Frank Capra, 1946)
¡Qué bello es vivir!
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Sinopsis:
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1946: 5 nominaciones al Oscar: Película, director, actor (James Stewart), montaje, sonido
Es el film más popular de Frank Capra. El guión, de Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra y Jo Sterling, se inspira en el cuento “The Greatest Gift”, de Philip van Doren Stern, que éste envió a sus amigos y conocidos en 1938 como felicitación de Navidad. Colaboran en el guión Dalton Trumbo, Dorothy Parker y Clifford Odets (no acreditados). Se rueda en escenarios reales de California (Beverly Hills, La Crescenta, L.A., San Fernando Valley), NY (Ithaca), Encino Ranch (L.A.) y en los platós de RKO-Pathé Studios (Culver City, CA). Es nominado a 5 Oscar. Producido por Frank Capra para Liberty Films/RKO, se estrena el 20-XII-1946 (NYC).
La acción dramática principal tiene lugar en la Nochevieja de 1945, en Bedford Falls, pequeña población de Connecticut. Se evocan hechos desde 1919, que suceden mayoritariamente en Nochebuena. George Bailey (Stewart), deprimido por la inminente quiebra de la empresa familiar de préstamos, se encuentra con Clarence Oddboy (Travers), ángel de segunda clase, sin alas y de escasa inteligencia, que ha sido enviado para salvarle. George, de 38 años, es generoso, sacrificado, sencillo y honesto. Le gustan la aventura y los viajes, pero su trabajo le retiene siempre en Bedford. Su oponente, el banquero Harry F. Potter (Barrymore) es rico, egoísta, ambicioso, ruin y malvado.
El film suma drama, fantasía, familia, comedia y romance. Es la primera película que realiza Capra tras su participación en la IIGM, es la primera realización que dirige para Liberty Film (sociedad de F. Capra, G. Stevens y W. Wyler) y es, además, la tercera colaboración de Capra con James Stewart. Capra consideraba que ésta era la mejor cinta de su filmografía y para James Stewart era la preferida de las que había interpretado.
Es una aguda, simpática y alocada historia, que se sustenta en un guión sólido y ocurrente, trabajado con esmero, ingenio y con importantes ayudas de nivel (Trumbo, Odets y Parker). La sencillez del argumento no es óbice para que el film resulte fascinante y seductor, gracias a la suma de una dirección hábil y unas interpretaciones contundentes, creíbles y convincentes. El estreno no se vio acompañado del éxito esperado. Fueron el transcurso del tiempo y la reiteración de su pase por televisión los factores que propiciaron la fama y el reconocimiento del film. Explicado como un sencillo cuento de Navidad, ha conectado con los sueños de las personas corrientes de varias generaciones. Muchos se han sentido conmovidos por una historia que explica y justifica que no todo sale bien en la vida, que algunas cosas salen mal, que el éxito nunca está asegurado y que frente al fracaso hay salidas y soluciones.
El relato se adapta bien a los cambios sociales impuestos por la IIGM, que habían dejado prácticamente fuera de uso el optimismo habitual americano y situaban en su lugar concepciones de luces y sombras, alegrías y penas, éxitos y fracasos.
La película trata temas como la importancia de las personas corrientes, la trascendencia de su trabajo y la riqueza de sus aportaciones, la alegría natural de vivir, la bondad de las personas anónimas, el valor de los sueños humildes y sencillos, los frutos de la solidaridad, los extornos de la generosidad, etc. La obra propone un viaje a la esperanza, la confianza y el optimismo. Habla de amistad, amor, sexo, sacrificio, compromiso, solidaridad, servicio a la comunidad, agradecimiento, familia, etc. Son escenas memorables la caída del ángel al río, el baile en la sede del Instituto, la conversación con el padre, el rescate del hermano, el problema del albornoz de Mary, la noche de bodas, las conversaciones de Potter y Georg, la conversación telefónica a tres que culmina en un irreprimible beso, etc. Dedica varios guiños de simpatía a Mark Twain y a su novela “Las aventuras de Tom Sawyer” (1867). La cinta se presenta salpicada de humor e ironía.
La música, de Dimitri Tiomkin, ofrece una partitura de 20 cortes, que exaltan el sentido trascendente de la vida de Georges, elogian su generosidad y subrayan los momentos dramáticos que jalonan su vida. Añade temas religiosos (“Adeste fideles”), marchas (“Marcha nupcial”, de Mendelssohn), tradicionales (“When Johnny Comes Marching Home Again”), populares (“This is the Army, Mr. Jones”, de Irving Berlin) y de baile (“Charleston”). Como tema principal hace uso de la melodía de “Buffalo Gal”, de la que ofrece diversas versiones. La fotografía, de Joseph Walker y Joseph Binoch, compone imágenes de excelente dibujo, que enriquece con contrastes de luz, sombras, numerosas escenas nocturnas, abundantes primeros planos y trazos de inspiración expresionista.
Película emocionante, simpática y entrañable. (Miquel, FilmAffinity)
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Brat 2 (Aleksei Balabanov, 2000)
Brother 2
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Sinopsis:
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Brat (Aleksey Balabanov, 1997)
Brother
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Sinopsis:
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