House of the Damned
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Sinopsis:
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PROGRESO DONACIONES OCTUBRE 2019
domingo, 2 de junio de 2013
House of the Damned (Maury Dexter, 1963)
The Hunter (Buzz Kulik, 1980)
Cazador a sueldo
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Sinopsis:
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McQueen tenía 50 años y estaba
cansado. Hablaba de retirarse una buena temporada o dejar el trabajo de
actor. Le dijo a un amigo: «Posiblemente esta sea mi última película y
me gustaría que estuvieras en ella conmigo».
A otro amigo le dijo simplemente que estaba cansado del trabajo de actor y quería dedicar más tiempo a su afición como piloto de aviones. Es muy posible que ya supiera algo sobre su salud, y también que en el cine americano iba a tener pocas posibilidades de trabajar en proyectos que realmente le interesaran. McQueen se preparaba para una jubilación anticipada y eligió Cazador a sueldo porque le pareció que era una manera simbólica de decir adiós con un personaje que recordaría al público su primer papel de éxito, el cazador a sueldo de la serie de televisión Se busca vivo o muerto.
El guión le había gustado tanto que renunció a los cincuenta mil dólares por su lectura. Tenía que meterse en la piel de Ralph "Papa" Thorson. Un personaje real, un cazador de recompensas moderno que se ganaba la vida capturando a los delincuentes que incumplían su libertad condicional, obligando a pagar a las compañías de seguros el dinero depositado por fianza. Thorson había capturado a 5.000 fugitivos.
Sería su segundo cazador de recompensas auténtico en un sólo año y, como seguía confiando en el western como género, exigió como condición que el guión se tratase como una película del oeste en paisaje urbano. Cobraría 3 millones de dólares más un 15 por ciento de taquilla. El presupuesto de la película se cerró en 8 millones de dólares.
No quiso renunciar a dobles, como había sido su costumbre. Desde el principio le aclaró al director que se sentía demasiado viejo y era demasiado rico para jugarse la vida en las secuencias arriesgadas. Se tenía que estrenar en agosto de 1980, pero los malos resultados de otros filmes protagonizados por estrellas de acción, como Clint Eastwood o Burt Reynolds, aconsejaron cambiar la fecha del estreno. Recaudó 15 millones en territorio norteamericano y aproximadamente 37 millones en todo el mundo. No fue un fracaso, pero lejos del éxito que necesitaba. Su próximo proyecto iba a ser "Manhattan Project", una intriga sobre una bomba nuclear en Nueva York que iba a co-protagonizar con Sofía Loren. Murió antes.
A otro amigo le dijo simplemente que estaba cansado del trabajo de actor y quería dedicar más tiempo a su afición como piloto de aviones. Es muy posible que ya supiera algo sobre su salud, y también que en el cine americano iba a tener pocas posibilidades de trabajar en proyectos que realmente le interesaran. McQueen se preparaba para una jubilación anticipada y eligió Cazador a sueldo porque le pareció que era una manera simbólica de decir adiós con un personaje que recordaría al público su primer papel de éxito, el cazador a sueldo de la serie de televisión Se busca vivo o muerto.
El guión le había gustado tanto que renunció a los cincuenta mil dólares por su lectura. Tenía que meterse en la piel de Ralph "Papa" Thorson. Un personaje real, un cazador de recompensas moderno que se ganaba la vida capturando a los delincuentes que incumplían su libertad condicional, obligando a pagar a las compañías de seguros el dinero depositado por fianza. Thorson había capturado a 5.000 fugitivos.
Sería su segundo cazador de recompensas auténtico en un sólo año y, como seguía confiando en el western como género, exigió como condición que el guión se tratase como una película del oeste en paisaje urbano. Cobraría 3 millones de dólares más un 15 por ciento de taquilla. El presupuesto de la película se cerró en 8 millones de dólares.
No quiso renunciar a dobles, como había sido su costumbre. Desde el principio le aclaró al director que se sentía demasiado viejo y era demasiado rico para jugarse la vida en las secuencias arriesgadas. Se tenía que estrenar en agosto de 1980, pero los malos resultados de otros filmes protagonizados por estrellas de acción, como Clint Eastwood o Burt Reynolds, aconsejaron cambiar la fecha del estreno. Recaudó 15 millones en territorio norteamericano y aproximadamente 37 millones en todo el mundo. No fue un fracaso, pero lejos del éxito que necesitaba. Su próximo proyecto iba a ser "Manhattan Project", una intriga sobre una bomba nuclear en Nueva York que iba a co-protagonizar con Sofía Loren. Murió antes.
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The Red Badge of Courage (John Huston, 1951)
Medalla roja al valor / La roja insignia del valor / Alma de valiente
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Sinopsis:
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Cuando preguntaron en cierta
ocasión a Hemingway qué dijera el nombre de un escritor que le había
marcado extraordinariamente, este no lo dudó ni un segundo y señaló a
Stephen Crane.
A pesar de dejarnos con tan sólo 28 años, Stephen Crane se encuentra por derecho propio entre los mejores escritores norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX. Su producción literaria aun siendo exigua, posee una fuerza y belleza sin parangón. Aunque “El Hotel Azul” es a mi juicio su mejor obra, a la que debe su popularidad es a “La medalla roja al valor”, una novela corta de menos de 200 páginas, donde nos encontraremos uno de los mejores retratos que jamás se han hecho sobre la Guerra Civil Americana.
Su adaptación cinematográfica vino de la mano de John Huston, el director más cercano a Hemingway, por lo que era perfecto para cumplir la misión.
La película tiene mucho del libro, tanto que directamente todos los diálogos y la voz en off están tomados de la novela. El balance final no puede ser otro que una buena película de John Huston, pero es cierto que no está entre sus inmortales, quizá le faltó poner más carne en el asador.
Falta algo de crítica, que la hay, pero no lo bastante para acercarse a la novela. Y sobre todo el tono, mientras el libro es crudo pero poético, la película es mucho más realista pero solemne. Además con Huston siempre pasa una cosa y es que sus obras tienen un aire mesiánico, teológico, místico, que está muy bien, pero que no siempre está en consonancia con el material narrativo de partida. Y eso es sobre todo por la forma de rodar que tiene, que parece una película bíblica –como en “Moby Dick”- haciendo un uso excesivo de los picados y resaltando a los personajes. Cuando precisamente la novela de Crane lo que pretende es diluir al individuo entre la masa de la guerra, demostrando que esas pequeñas historias, tanto de cobardía o de heroísmo no le importan a nadie.
De todas formas estamos ante una película –casi un mediometraje- que debe estar en la videoteca cualquier cinéfilo, porque rezuma literatura de la buena por los cuatro costados. Ya no hablemos de la novela... (vircenguetorix, FilmAffinity)
A pesar de dejarnos con tan sólo 28 años, Stephen Crane se encuentra por derecho propio entre los mejores escritores norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX. Su producción literaria aun siendo exigua, posee una fuerza y belleza sin parangón. Aunque “El Hotel Azul” es a mi juicio su mejor obra, a la que debe su popularidad es a “La medalla roja al valor”, una novela corta de menos de 200 páginas, donde nos encontraremos uno de los mejores retratos que jamás se han hecho sobre la Guerra Civil Americana.
Su adaptación cinematográfica vino de la mano de John Huston, el director más cercano a Hemingway, por lo que era perfecto para cumplir la misión.
La película tiene mucho del libro, tanto que directamente todos los diálogos y la voz en off están tomados de la novela. El balance final no puede ser otro que una buena película de John Huston, pero es cierto que no está entre sus inmortales, quizá le faltó poner más carne en el asador.
Falta algo de crítica, que la hay, pero no lo bastante para acercarse a la novela. Y sobre todo el tono, mientras el libro es crudo pero poético, la película es mucho más realista pero solemne. Además con Huston siempre pasa una cosa y es que sus obras tienen un aire mesiánico, teológico, místico, que está muy bien, pero que no siempre está en consonancia con el material narrativo de partida. Y eso es sobre todo por la forma de rodar que tiene, que parece una película bíblica –como en “Moby Dick”- haciendo un uso excesivo de los picados y resaltando a los personajes. Cuando precisamente la novela de Crane lo que pretende es diluir al individuo entre la masa de la guerra, demostrando que esas pequeñas historias, tanto de cobardía o de heroísmo no le importan a nadie.
De todas formas estamos ante una película –casi un mediometraje- que debe estar en la videoteca cualquier cinéfilo, porque rezuma literatura de la buena por los cuatro costados. Ya no hablemos de la novela... (vircenguetorix, FilmAffinity)
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Ore wa matteru ze (Koreyoshi Kurahara, 1957)
I Am Waiting
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Sinopsis:
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Ali Baba and the Forty Thieves (Arthur Lubin, 1944)
Ali Babá y los cuarenta ladrones
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Sinopsis:
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Realizado pr Arthur Lubin, el
film se basa libremente en la cuento del mismo título de "Las mil y una
noches". Se rueda en 1943 en exteriores de Coral Pink Sand Dunes (Utah) y
Red Rock Canyon State Park (CA), en decorados y plató. Producido por
Paul Malvern, se estrena el 14-I-1944 (EEUU).
La acción tiene lugar en Bagdad y alrededores a mediados del s XIII. Alí, hijo del Califa, y Amara, hija del príncipe Cassim, de 12 y 10 años aproximadamente, comparten juegos y se juran amor eterno, poco antes de la ocupación y sometiemiento de la ciudad. Alí huye y salva la vida. Es recogido por Babá (Fortunio Bonanova) y su banda de 40 ladrones. A la muerte de Babá, Alí (John Hall) se convierte en el líder del grupo.
La película forma parte del conjunto de films de evasión que se ruedan en los momentos más álgidos de la IIGM. Es una de las obras que se ruedan dentro de una corriente efímera que pone de moda los temas exóticos: "Las mil y una noches" (1942) "La reina de Cobra" (1944), etc. Aprovecha el tirón popular de María Montez, que en 1944 rueda 4 películas. De nombre real María-África Gracia Vidal, nacida en la Rep. Dominicana, era hija del diplomático español Isidoro Gracia García. El film se sirve del efectismo del costoso technicolor, que da brillo y espectacularidad al relato. La dirección se pone en manos de un profesional de la Universal, especialista en obras de terror, aventuras y comedias. La adaptación del cuento original es tributaria de los hechos de guerra que rodean la producción: ocupación alemana de Europa, régimen despótico nazi, líder tiránico que se considera amo del mundo, colaboracionistas, etc. El negro de los mongoles es el de las SS, el rojo y blanco de los que luchan por la libertad son los de la bandera americana, las frecuentes combinaciones de azul, blanco y rojo evocan los ideales de libertad, igualdad y fraternidad de la Revolución francesa. La estética suma elementos "kitsch" y "camp": gusto vulgar, baja calidad y falsas apariencias ("kitsch") junto a exageraciones ostentosas ("camp"). El humor se hace presente a través de Abdullah (Andy Devine). No faltan escenas sugestivas (persecución de Abdullah) y tomas ingenuamente deliciosas (marcha a caballo de los ladrones). El tono general del film está impregnado de un aire marcadamente naíf.
La múscia, de Edward Ward ("Copacabana", 1943), reproduce una partitura original grandilocuente, de melodías triunfales (ladrones) y dramáticas (mongoles). La fotografía aporta travellings emocionantes, efectos especiales artesanales, colores intensos, contrastes almibarados y composiciones sorprendentes (formación a caballo de los ladrones como un escuadrón de caballería de un "western"). Las caracterizaciones de los protagonistas buenos son las de moda (bigote de Alí, calzado de Amara, cabello de Jamiel). Es meritoria la intervención del español Fortunio Bonanova. Película entretenida, de indudable valor documental. (Miquel, FilmAffinity)
La acción tiene lugar en Bagdad y alrededores a mediados del s XIII. Alí, hijo del Califa, y Amara, hija del príncipe Cassim, de 12 y 10 años aproximadamente, comparten juegos y se juran amor eterno, poco antes de la ocupación y sometiemiento de la ciudad. Alí huye y salva la vida. Es recogido por Babá (Fortunio Bonanova) y su banda de 40 ladrones. A la muerte de Babá, Alí (John Hall) se convierte en el líder del grupo.
La película forma parte del conjunto de films de evasión que se ruedan en los momentos más álgidos de la IIGM. Es una de las obras que se ruedan dentro de una corriente efímera que pone de moda los temas exóticos: "Las mil y una noches" (1942) "La reina de Cobra" (1944), etc. Aprovecha el tirón popular de María Montez, que en 1944 rueda 4 películas. De nombre real María-África Gracia Vidal, nacida en la Rep. Dominicana, era hija del diplomático español Isidoro Gracia García. El film se sirve del efectismo del costoso technicolor, que da brillo y espectacularidad al relato. La dirección se pone en manos de un profesional de la Universal, especialista en obras de terror, aventuras y comedias. La adaptación del cuento original es tributaria de los hechos de guerra que rodean la producción: ocupación alemana de Europa, régimen despótico nazi, líder tiránico que se considera amo del mundo, colaboracionistas, etc. El negro de los mongoles es el de las SS, el rojo y blanco de los que luchan por la libertad son los de la bandera americana, las frecuentes combinaciones de azul, blanco y rojo evocan los ideales de libertad, igualdad y fraternidad de la Revolución francesa. La estética suma elementos "kitsch" y "camp": gusto vulgar, baja calidad y falsas apariencias ("kitsch") junto a exageraciones ostentosas ("camp"). El humor se hace presente a través de Abdullah (Andy Devine). No faltan escenas sugestivas (persecución de Abdullah) y tomas ingenuamente deliciosas (marcha a caballo de los ladrones). El tono general del film está impregnado de un aire marcadamente naíf.
La múscia, de Edward Ward ("Copacabana", 1943), reproduce una partitura original grandilocuente, de melodías triunfales (ladrones) y dramáticas (mongoles). La fotografía aporta travellings emocionantes, efectos especiales artesanales, colores intensos, contrastes almibarados y composiciones sorprendentes (formación a caballo de los ladrones como un escuadrón de caballería de un "western"). Las caracterizaciones de los protagonistas buenos son las de moda (bigote de Alí, calzado de Amara, cabello de Jamiel). Es meritoria la intervención del español Fortunio Bonanova. Película entretenida, de indudable valor documental. (Miquel, FilmAffinity)
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The Quatermass Xperiment (Val Guest, 1955)
El experimento del Dr. Quatermass
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Sinopsis:
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Maigret tend un piège (Jean Delannoy, 1958)
El comisario Maigret
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Sinopsis:
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Estamos ante un caso claro de
“confusión” de identidades. A pesar de haber interpretado tan solo en 3
ocasiones el personaje de Maigret, la identificación de Gabin con el
comisario creado por Simenon es palmaria. Y uno se pregunta si las
facciones y el carácter escénico del actor francés le venían bien al
personaje o si en el fondo todo fue un montaje con el consentimiento del
escritor. Esta última es la versión que tiene más adeptos lo cual no
deja de ser un reconocimiento a la diversidad de registros de un actor
al que recordamos también por sus interpretaciones en La bête humaine o
La grande ilusión, entre muchas otras.
Sea como fuere, el “traje Maigret” le sienta de perlas a Jean Gabin y resulta totalmente creíble e identificable para quienes leímos algunas de esas novelas donde con un par de dedos de frente, algo de cultura preferentemente rural, ciertas medidas de inconformismo y cabezonería y unas cuantas gotas, sabiamente distribuidas, de mala leche cuando la ocasión lo requiere o el presunto se pone bravo, se resuelven todos los casos que en la Sureté han sido. Incluso suple con la experiencia de quien las ha visto de todos los colores la carencia de tratados freudianos, tal es el caso de este film que se tituló en España con un genérico “El comisario Maigret” aunque la traducción literal era Maigret tiende una trampa, mucho mas acorde y revelador con un argumento donde los proteccionismos maternos y otros traumas desembocan en situaciones psicóticas.
Vistas así las cosas se entiende porqué un “monsieur” algo anodino, aparentemente, como Gabin, encaja en el rol de Maigret. Esta película es ilustrativa al respecto. En ella el comisario está de forma casi permanente pidiendo excusas a los encausados. Maigret, bajo el maquillaje de la simplonería bobalicona, esconde seis sentidos alertas (el sexto también cuenta). Ese es el pego y la imagen que da Gabin. Un actor mas joven no hubiese resultado creíble. La voz de la experiencia habla en la imagen de Jean Gabin. La meticulosidad, el raciocinio y la lógica deductiva visten con gabardina, fuman en pipa y caminan siempre hacia delante de forma lenta pero inflexible. No es un personaje fácil. Maigret tiene un alma pública y gracias a Jean Gabin tiene también una imagen pública.
Hablando de imágenes no estaría de mas echarle un vistazo a la interpretación que del famoso policía realizó Laughton. Seguro que, como todo lo del gran Charles, merecerá la pena.
Se agradece la presencia de Annie Girardot, una de esas actrices que siempre dejan el cine francés y el europeo a buenísima altura. También Desailly y Lino Ventura añaden carácter a este seudo polar de una cinematografía que, antes de vagues o no vagues, tenía sus buenos índices de calidad e interés. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)
Sea como fuere, el “traje Maigret” le sienta de perlas a Jean Gabin y resulta totalmente creíble e identificable para quienes leímos algunas de esas novelas donde con un par de dedos de frente, algo de cultura preferentemente rural, ciertas medidas de inconformismo y cabezonería y unas cuantas gotas, sabiamente distribuidas, de mala leche cuando la ocasión lo requiere o el presunto se pone bravo, se resuelven todos los casos que en la Sureté han sido. Incluso suple con la experiencia de quien las ha visto de todos los colores la carencia de tratados freudianos, tal es el caso de este film que se tituló en España con un genérico “El comisario Maigret” aunque la traducción literal era Maigret tiende una trampa, mucho mas acorde y revelador con un argumento donde los proteccionismos maternos y otros traumas desembocan en situaciones psicóticas.
Vistas así las cosas se entiende porqué un “monsieur” algo anodino, aparentemente, como Gabin, encaja en el rol de Maigret. Esta película es ilustrativa al respecto. En ella el comisario está de forma casi permanente pidiendo excusas a los encausados. Maigret, bajo el maquillaje de la simplonería bobalicona, esconde seis sentidos alertas (el sexto también cuenta). Ese es el pego y la imagen que da Gabin. Un actor mas joven no hubiese resultado creíble. La voz de la experiencia habla en la imagen de Jean Gabin. La meticulosidad, el raciocinio y la lógica deductiva visten con gabardina, fuman en pipa y caminan siempre hacia delante de forma lenta pero inflexible. No es un personaje fácil. Maigret tiene un alma pública y gracias a Jean Gabin tiene también una imagen pública.
Hablando de imágenes no estaría de mas echarle un vistazo a la interpretación que del famoso policía realizó Laughton. Seguro que, como todo lo del gran Charles, merecerá la pena.
Se agradece la presencia de Annie Girardot, una de esas actrices que siempre dejan el cine francés y el europeo a buenísima altura. También Desailly y Lino Ventura añaden carácter a este seudo polar de una cinematografía que, antes de vagues o no vagues, tenía sus buenos índices de calidad e interés. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)
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Eye of the Devil (J. Lee Thompson, 1967)
El ojo del diablo
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Sinopsis:
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Journey to the Seventh Planet (Sidney W. Pink, 1962)
Viaje al séptimo planeta
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Sinopsis:
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Viaje al Séptimo Planeta viene
del duo de directores / productores / guionistas Sidney Pink e Ib
Melchior , responsables también de otros filmes bizarros como El Furioso
Planeta Rojo y Reptilicus. En general suelen haber una o dos ideas
rescatables en cada película de esta dupla, pero los presupuestos
risibles, las pétreas perfomances, los guiones toscos y la atroz
dirección terminan atentando contra ellas. En el caso de Journey to the
Seventh Planet ocurre lo mismo: hay un concepto brillante torpedeado por
una ejecución horrenda, lo cual termina de ser una lástima.
Aquí da la impresión que Sidney Pink se hubiera despachado con una versión no oficial de Solaris, la clásica novela de Stanislaw Lem publicada en 1961 y que tuviera dos adaptaciones a la pantalla grande: la recordada Solaris (1972) de Andrei Tarkovsky y la injustamente despreciada Solaris (2002) de Steven Soderbergh. Una expedición espacial llega a un planeta en donde los pensamientos de los astronautas se vuelven reales. Al contrario de lo que ocurría en Solaris, aquí no es un planeta pensante sino un alienígena que desea explorar las mentes de los astronautas como tarea investiga previa para preparar su invasión a la Tierra. Y el guión se las apaña para crear algunos momentos interesantes, como cuando Carl Ottosen empieza a recordar su tierra natal y a la distancia, detrás de él, comienzan a materializarse casas, árboles, un molino...
Pero esos dos minutos de inspiración mueren aplastados por una sobredosis de idiotez general de los personajes y una pobrísima ejecución por parte del director. Los astronautas parecen tener el cerebro pastoso y son incapaces de sumar 2 + 2 - pasa el tiempo, siguen encontrando cosas familiares de la Tierra, incluso se materializan mujeres, y aún así no saben lo que está ocurriendo -; cuando aparecen los monstruos, son sideralmente ridículos; y los diálogos a veces lastiman los oídos. Las perfomances tampoco se quedan atrás, en especial la del héroe de la serie B John Agar que sólo piensa en irse a los matorrales con todas las mujeres que su imaginación termina por materializar. Ni siquiera Sidney Pink tiene dos dedos de frente como para mantener algo de suspenso - a los cinco minutos de película, ya se despacha con el extraterrestre pronunciando un discurso con delirios de grandeza -.
Con lo cual Viaje al Séptimo Planeta termina siendo una oportunidad desperdiciada de hacer algo interesante y novedoso para lo que era esa época. No se precisaba un enorme presupuesto para generar algo decente, simplemente tener algo de sentido común. Pero aquí eso es lo que falta y por doquier. (Alejandro Franco, ARLEQUIN)
Aquí da la impresión que Sidney Pink se hubiera despachado con una versión no oficial de Solaris, la clásica novela de Stanislaw Lem publicada en 1961 y que tuviera dos adaptaciones a la pantalla grande: la recordada Solaris (1972) de Andrei Tarkovsky y la injustamente despreciada Solaris (2002) de Steven Soderbergh. Una expedición espacial llega a un planeta en donde los pensamientos de los astronautas se vuelven reales. Al contrario de lo que ocurría en Solaris, aquí no es un planeta pensante sino un alienígena que desea explorar las mentes de los astronautas como tarea investiga previa para preparar su invasión a la Tierra. Y el guión se las apaña para crear algunos momentos interesantes, como cuando Carl Ottosen empieza a recordar su tierra natal y a la distancia, detrás de él, comienzan a materializarse casas, árboles, un molino...
Pero esos dos minutos de inspiración mueren aplastados por una sobredosis de idiotez general de los personajes y una pobrísima ejecución por parte del director. Los astronautas parecen tener el cerebro pastoso y son incapaces de sumar 2 + 2 - pasa el tiempo, siguen encontrando cosas familiares de la Tierra, incluso se materializan mujeres, y aún así no saben lo que está ocurriendo -; cuando aparecen los monstruos, son sideralmente ridículos; y los diálogos a veces lastiman los oídos. Las perfomances tampoco se quedan atrás, en especial la del héroe de la serie B John Agar que sólo piensa en irse a los matorrales con todas las mujeres que su imaginación termina por materializar. Ni siquiera Sidney Pink tiene dos dedos de frente como para mantener algo de suspenso - a los cinco minutos de película, ya se despacha con el extraterrestre pronunciando un discurso con delirios de grandeza -.
Con lo cual Viaje al Séptimo Planeta termina siendo una oportunidad desperdiciada de hacer algo interesante y novedoso para lo que era esa época. No se precisaba un enorme presupuesto para generar algo decente, simplemente tener algo de sentido común. Pero aquí eso es lo que falta y por doquier. (Alejandro Franco, ARLEQUIN)
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Equus (Sidney Lumet, 1977)
Equus
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Sinopsis:
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1977: 3 nominaciones al Oscar: Actor (Burton), actor sec. (Peter Firth), guión adaptado
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