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sábado, 12 de enero de 2013

Sleuth (Joseph L. Mankiewicz, 1972)



La huella

Ficha Técnica:

Título original:

Sleuth

Año:

1972

País:

Reino Unido

Género:

Intriga. Thriller

Dirección:

Joseph L. Mankiewicz

Guión:

Anthony Shaffer (Teatro: Anthony Shaffer)

Duración:

02:18:08

Reparto:

Laurence Olivier, Michael Caine

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

809 Mb


Sinopsis:
Andrew Wyke (Laurence Olivier) es un prestigioso escritor de novelas de intriga. Además, su pasión por los juegos de ingenio y las adivinanzas lo ha llevado a convertir su gran mansión en una especie de museo, donde se exponen los juguetes y mecanismos más extravagantes. Una tarde, invita a su casa a Milo Tindle (Michael Caine), amante de su mujer y propietario de una cadena de salones de belleza, para proponerle un ingenioso plan del que ambos podrían salir beneficiados. (FILMAFFINITY)


1972: 4 nominaciones al Oscar: Director, actores (Olivier & Caine), banda sonora
1972: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Laurence Olivier)

Último largometraje de Joseph L. Mankiewicz (1909-93). El guión, de Anthony Shaffer (“Frenesí”, Hitchcock, 1972) y J. L. Mankiewicz, adapta la obra de teatro “Sleuth” (1970), de A. Shaffer, ganadora (1971) del Tony Award. Se rueda en escenarios reales de Athelhampton House (Dorset, Inglaterra) e Iver Heath (Buckinghamshire, Inglaterra) y en los platós de Pinewood Studios (Inglaterra). Es nominado a 4 Oscar (director, banda sonora y 2 actores). Producido por Morton Gottlieb para Palomar Pictures/Fox, se estrena el 10-XII-1972 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la mansión que tiene en el campo el aristócrata y acaudalado novelista de crímenes y misterio Andrew Wyke (Olivier) a lo largo de dos tardes separadas por un día intermedio, en un fin de semana de 1972. La mansión está ubicada en el condado de Wiltshire (Inglaterra), en la que Wyke ha convenido una entrevista a solas con Milo Tindle (Caine), amante de su mujer, antiguo peluquero y actualmente propietario de dos salones de belleza. Andrew es malicioso, vanidoso, altanero y sádico. Siente pasión por los trucos, las adivinanzas y los juegos de todo tipo. Milo tiene unos 35 años, es de ascendencia italiana, viste con elegancia y es enamoradizo.

El film suma crimen, misterio y thriller. Enfrenta a dos caracteres que chocan por edad, temperamento, estilo de vida, cultura y métodos. Entre ellos se entabla una lucha sin cuartel destinada a demostrar la propia superioridad y conseguir la capacidad de someter, humillar, dominar al otro y sobrevivir. El espectador no sabe a ciencia cierta cuáles son los propósitos últimos de cada uno de los dos contendientes y cuál es el alcance final de sus intenciones. La acción presenta giros sorprendentes (llegada del inspector) que mantienen en vilo la atención del espectador. Se crea una atmósfera enrarecida, densa y opresiva, que trasmite una sensación permanente de amenaza y peligro. Los diálogos son fluidos, ingeniosos, agudos, ricos en referencias cultas, intensos y ocasionalmente recargados y grandilocuentes. Las interpretaciones son magníficas y el duelo de actores que se establece entre Olivier y Caine tiene un desarrollo magistral. El guión combina con acierto humor y terror. Al humor se añaden lances de sátira y farsa.

Las relaciones entre los personajes se presentan saturadas de engaños, trampas, bromas inmisericordes, mentiras, simulaciones y propuestas rastreras. Bajo la apariencia de un trato educado y cortés, se cruzan amenazas, intimidaciones y provocaciones. La acción se mueve a impulsos de deslealtades, traiciones, afanes de venganza, rencores, prejuicios de clase, celos, envidias y deseos de dominación.

Se enfrentan dos personas de idiosincrasias diferentes: una vive de la fantasía y la ficción y la otra de decisiones pragmáticas; dos clases sociales: la aristócrata y la burguesa; dos culturas: la de conservar privilegios y la de ascender en la escala social mediante el esfuerzo personal; dos maneras de entender la vida: como un juego que suma artilugios articulados, ajedrez, cartas y pasatiempos, o como dedicación al trabajo y a la asunción de riesgos de empresa; dos métodos de acción: el basado en el uso del ingenio y el que se apoya en la iniciativa y el trabajo, etc.

El film satiriza el género de detectives, critica la indolencia de la aristocracia y el arribismo de la burguesía, explora la tenue frontera que separa realidad y apariencia, verdad y mentira, certeza e incertidumbre; y propone una interesante reflexión sobre la ambigüedad.

La música, de John Addison, ofrece una sugestiva partitura original que se inspira en la música barroca alemana e italiana (Bach, Vivaldi ...), a la que añade tres canciones memorables de Cole Porter (“Just One of These Things”, “Anything Goes” y “You Do Something To Me”). La fotografía, de Oswald Morris (“Moby Dick”, Huston, 1956), en color, acentúa y subraya el carácter opresivo y claustrofóbico de la mansión, que convierte en un espacio amenazador, aislado, deprimente y con características de prisión o calabozo. Se beneficia de una decoración, exótica y grotesca, cuidada al detalle. El retrato de Marguerite Wyke se inspira en la imagen de Joanne Woodward. (Miquel, FilmAffinity)


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Passport to Pimlico (Henry Cornelius, 1949)




Pasaporte para Pimlico

Ficha Técnica:

Título original:

Passport to Pimlico

Año:

1949

País:

Reino Unido

Género:

Comedia

Dirección:

Henry Cornelius

Guión:

T.E.B. Clarke

Duración:

84 min

Reparto:

Stanley Holloway, Betty Warren, Barbara Murray, Paul Dupuis, John Slater, Jane Hylton, Raymond Huntley, Philip Stainton, Roy Carr, Sydney Tafler, Nancy Gabrielle, Malcolm Knight, Hermione Baddeley, Roy gladis, Frederick Piper

Datos del archivo

Idioma:

Inglés / Español con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

726 MB


Sinopsis:
Narra cómo el descubrimiento de un tratado provoca que la "Sección Pimlico", una pequeña comunidad en medio de Londres, se proclame independiente e intente actuar como tal. (FILMAFFINITY)


1949: Nominada al Oscar: Mejor historia y guión

Los estudios Ealing produjeron comedias marcadas de una carga social en los años de posguerra (década de los cuarenta y cincuenta) cuando Inglaterra se asomaba a una reconstrucción lenta, en vista a unos años económicamente crecientes pero muy lentos. Se retrataba como un país frío, gris, de habitantes con pocos recursos pero que vivían alegres. Y ése era el decorado adecuado para la Ealing, creadora de magistrales piezas como “Oro en Barras” (1951) de Charles Crichton o “El Quinteto de la Muerte” (1955) de Alexander MacKendrick, ambas interpretadas por el gran Sir Alec Guinnes, actor que, desgraciadamente cuando pasó a mejor vida, le asociaron siempre con el Obi Wan Kenobi de “Starwars”.

Pero es mejor emparentar a Guinness con la Ealing y algunos de los films más destacables de la productora que interpretó con sobercia maestría. Pero tampoco emparentemos tanto la Ealing con el actor. “Pasaporte para Pimlico”, es una de las comedias más tempranas y desconocidas de los estudios, ofrecida en bandeja (con unos actores poco conocidos para el gran público de ayer y hoy) como una provocación socio-política vista en su momento por los estragos de un país como Inglaterra y una gran ciudad como lo es Londres, que intenta apaciguar los denominados “años del hambre” con una sonrisa costumbrista en los labios y un hecho trascendental que cambiará la vida de los vecinos de un distrito de la capital inglesa para siempre.

Un día de cada día dónde todo el mundo se saluda para ir a trabajar, abrir la pescadería del barrio o desenterrar las pocas bombas que quedan como quien va a podar en el jardín, entre solares y algún edificio medio derrumbado como disimulada secuela de una triste guerra, se convierte en una jornada particular cuando al estallar accidentalmente un artefacto, descubren estupefactos el hallazgo de un tesoro medieval; el hallazgo de las propiedades de un caballero francés que alegó en sus tiempos estar en posesión de esas tierras, ahora en pleno corazón londinense. Así que los vecinos, con su sentido del humor celebrándolo por todo lo alto, muy a lo “british” en el “pub” más próximo, constituyen Pilmico en un Estado.

Pilmico es una nación en medio de tanto bullicio, bajo un sol abrasador, fenómeno poco usual en una tierra tan nublada y lluviosa que es Inglaterra. Dejan de pagar con cupones de racionamiento. El estraperlo intenta entrar en lo que promete ser un paraíso fiscal para sus ganancias clandestinas. Los vecinos imponen su parlamento en la tienda cuyo propietario, el amable Arthur Pemberton (Stanley Holloway) es proclamado unánimemente Primer Ministro. Berlanga se lo pasaría en grande si intentase rodar una adaptación a la española de tanto despiece territorial. Aunque para ello supusiera el tener que herir a sensibilidades nacionalistas de horizontes amplios o, desde el otro extremo, insignificantemente limitados. (Natxo Borràs, FilmAffinity)


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Frankenstein Meets the Wolf Man (Roy William Neill, 1943)



Frankenstein y el hombre lobo / Frankenstein contra el hombre lobo

Ficha Técnica:

Título original:

Frankenstein Meets the Wolf Man (The Legacy Collection)

Año:

1943

País:

Estados Unidos

Género:

Terror. Fantástico. Monstruos. Hombres Lobo

Dirección:

Roy William Neill

Guión:

Curt Siodmak

Duración:

70 min

Reparto:

Lon Chaney Jr., Ilona Massey, Patric Knowles, Bela Lugosi, Lionel Atwill, Maria Ouspenskaya, Dennis Hoey, Don Barclay, Rex Evans

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

689 MB


Sinopsis:
El resucitado Hombre Lobo, en busca de una cura para su enfermedad, encuentra la ayuda del científico loco Patrick Knowles, quien querrá no sólo dirigir los pasos del Hombre Lobo durante sus metamorfosis nocturnas, sino también reanimar el cuerpo helado de la inhumana creación del Doctor Frankenstein. (FILMAFFINITY)

Lon Chaney Jr. vistió la peluda carne del licántropo Larry Talbot por segunda vez en Frankenstein y el hombre lobo (1943), secuela por partida doble, ya que continuaba tanto el argumento de El hombre lobo (1941) como el de El fantasma de Frankenstein (1942), película en la que, casualmente, Chaney interpretó al monstruo de la novela de Mary Shelley. De hecho, los planes originales de Universal incluían el ambicioso proyecto de hacer que el actor interpretara a ambos monstruos, pero las sobrehumanas necesidades del departamento de maquillaje (nuevamente a cargo de Jack Pierce) decretaron que la criatura de Frankenstein debía ser interpretada por Bela Lugosi, quien tuvo que resignarse a representar el papel que rechazara años atrás. Fue, además, la primera película en la que los estudios Universal intentaron la fórmula de unir a los monstruos de dos sagas diferentes, y no sería la última.

De entrada el argumento de esta secuela ofrecía una pequeña dificultad: la última vez que habíamos visto a Larry Talbot, había muerto a manos de su padre. Sin embargo, ya sabemos que el estar muerto es sólo un pequeño obstáculo que superar en la carrera de cualquier monstruo de serie B, de manera que nuevamente se contó con la astucia del guionista Curt Siodmak, quien rescató a su criatura del inframundo de la manera más honrosa posible: sin dar ninguna explicación. En una de las mejores aperturas concebidas para estas películas, la historia abre cuatro años después de los eventos de la película anterior, cuando dos ladrones de tumbas se cuelan en el mausoleo de los Talbot para despojar al cadáver de Larry de sus atavíos mortuorios. Sorprendentemente, encuentran el cuerpo incorrupto, cubierto de las flores asociadas al mito del hombre lobo. Su sorpresa no hace sino aumentar cuando los rayos de la luna llena reviven al protagonista y le transforman en la bestia que todos conocemos. Convencido ahora de que no puede morir, Larry escapa a las montañas de Rumanía en busca del único hombre que puede ayudarle a acabar con su despreciable vida: el doctor Frankenstein.

El resto de la trama sería demasiado largo de explicar, principalmente porque son demasiadas las cosas que suceden como para resumirlas sin estar contando toda la película. De todas maneras, la trama de por sí es lo bastante disparatada como para hacer cualquier explicación innecesaria. Valga decir solamente que la historia del monstruo de Frankenstein y la historia de Larry Talbot se superponen en todo momento hasta la llegada de un clímax en el que los dos monstruos entablan una lucha encarnizada. En medio de esta batalla están la hija del doctor Frankenstein y un misterioso médico llamado Frank Mannering (interpretado por Patric Knowels, quien también tenía uno de los papeles principales en El hombre lobo, por lo que su presencia en esta secuela resulta un tanto confusa) que hurgan en los secretos dejados por el oscuro científico acerca de sus investigaciones de la vida y la muerte.

Lon Chaney Jr. está, una vez más, correcto como Larry Talbot. Su gigantesca presencia de ojos tristes resulta ya un paradigma para el personaje. Lugosi, en cambio, es lamentable como el monstruo, hecho que no se debe únicamente a su decadencia como actor para la época, sino a las circunstancias del personaje: el monstruo está ciego (producto de la película anterior) y no tiene líneas de diálogo, limitándose a gruñir y a caminar de forma erguida y tiesa. La película además recupera al personaje de la gitana Maleva, uno de los mejores de El hombre lobo, pero no le da ningún protagonismo. Los personajes no presentan ningún tipo de evolución creíble (especialmente el doctor Mannering, quien pasa de investigador serio a científico loco en menos de cinco segundos) y la trama presenta un sinfín de situaciones disparatadas, incluyendo un número musical que parece sacado de una película completamente distinta. Pero el mayor defecto de todos quizás sea el hecho de que la historia tarda demasiado en arrancar y, para colmo, termina de manera abrupta justo cuando se pone interesante, dejándonos con un extraño sabor inconcluso.

Muy por debajo del clásico que le diera vida, Frankenstein y el hombre lobo es más memorable por su valor nostálgico y por propiciar el enfrentamiento entre dos iconos de la cultura popular. Tomar en serio estas películas es imposible, ya que ni siquiera en su época eran vista como algo más que entretenimiento masivo de consumo rápido. Pero a pesar de sus numerosos defectos, tiene momentos lo suficientemente buenos como para dejarle alzar su cabeza por encima de varios de los productos de su particular momento histórico. (Hombre Lobo: Horas de Oscuridad)


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Schastye (Aleksandr Medvedkin, 1934)



Felicidad

Ficha Técnica:

Título original:

Schastye

Año:

1934

País:

URSS

Género:

Comedia negra

Dirección:

Aleksandr Medvedkin

Guión:

Aleksandr Medvedkin

Duración:

01:03:32

Reparto:

Pyotr Zinovyev, Yelena Yegorova, Nikolai Cherkasov, Mikhail Gipsi, Viktor Kulakov

Datos del archivo:

Idioma:

Ruso con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a parangutin

Resolución:

592 x 448

Formato:

AVI

Tamaño:

700 Mb


Sinopsis:
La inusitada historia del pobre campesino Jmyr, su mujer-caballo y su vecino, el último kulak. Jmyr busca la felicidad. Por casualidad encuentra una importante suma de dinero con la que compra un caballo a topos y un arado que carga su esposa cuando el animal ya no puede más. La cosecha es productiva pero el campesino se verá desposeído de todo por la rapiña de las autoridades tradicionales. Jmyr desea poner fin a su vida pero ni siquiera eso puede hacer. Los poderes reaccionarios le acusan de querer morir sin autorización. ¿Quién alimentaría a Rusia? Finalmente triunfa la revolución y adviene la colectivización agraria. Jmyr debe afrontar nuevos sinsabores en su búsqueda de la felicidad.

Las virtudes de un montaje curioso y brillante ensalzan esta parábola sobre las tareas y quehaceres del campesino en la URSS de los años treinta, trazando mediante parábolas y fragmentos satíricos una amalgama de situaciones que recubren con un barniz de humor negro pasado de rosca e inteligente reclamo con destellos esta "Schastye" de Medevkin.

Cabe destacar también, en especial, una fotografía que, usando encuadres de lo más rutinarios, logra sorprender al espectador gracias a la consecución de unos decorados tan logrados como atípicos, que encajan a la perfección en el contexto de la obra de Medevkin, otorgándole un contrapunto visual bastante interesante que, por si solo, ya ofrece los suficientes parámetros para dar cierto carácter al film.

Probablemente resulte irregular ya que en ciertos momentos sus rasgos se tornan excesivamente bastos, pero pese a ello, la obra del soviético deja claras sus intenciones desde el principio, y sería incomprensible achacarle defectos que realmente no son propiciados por el cauce que le da el cineasta, sino por la propia envergadura de la película en sí.

En su conclusión, en cambio, no me parece que se opte por el cauce más adecuado tras todo ese dechado de apreciaciones que quedan en la perspicaz envoltura ofrecida por Medevkin, ya que tras ofrecer esa cara tan combativa esa conclusión, se podría tildar de medrosa.

De todos modos, "Schastye" en ningún momento da la espalda al espectador, y en una propuesta que ofrecía tanto, y da exactamente eso, no cabe achacarle taras que mengüen sus virtudes hasta el punto de no resultar obligatoria. Porque lo es, y con creces.(Grandine , FilmAffinity)


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Ostre sledované vlaky (Jirí Menzel, 1966)




Trenes rigurosamente vigilados

Ficha Técnica:

Título original:

Ostre sledované vlaky (The Criterion Collection)

Año:

1966

País:

Checoeslovaquia

Género:

Drama. II Guerra Mundial

Dirección:

Jirí Menzel

Guión:

Jirí Menzel & Bohumil Hrabal (Argumento: Bohumil Hrabal)

Duración:

110 min

Reparto:

Václav Neckár, Josef Somr, Vlastimil Brodsky, Vladimír Valenta, Alois Vachek, Ferdinand Kruta, Jitka Bendová

Datos del archivo

Idioma:

Checo / Español con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
Ambientada durante la ocupación Nazi de Checoslovaquia, relata la vida de Milos, un joven funcionario de los ferrocarriles checos que carga con el karma de una genealogía de perdedores y desgraciados que han escapado heroicamente al modelo de vida de un hombre responsable a base de trampas y otras artimañas. Milos trabaja en la estación de trenes local junto al mujeriego Hubicka, al demente e hipócrita jefe de estación Zednicek, y a la bella telegrafista Zdenka. El colaboracionista director de los ferrocarriles del pueblo les encarga la misión de proteger ciertos trenes estratégicos, indispensables para los planes de dominación del Führer en Europa central. Milos verá ahí la oportunidad de escapar a la maldición de los varones de su familia que no han sido nunca verdaderos hombres. Pero nuestro protagonista tiene un gran problema: no puede satisfacer los deseos de su novia Masa. De este modo, no se puede concentrar en la misión que le han encargado, ni podrá convencer al mundo de un valor desconocido hasta el momento en su familia. (FILMAFFINITY)


1967: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1967: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa

Ópera prima del realizador checo Jirí Menzel (Praga, 1938). El guión, de Bohumil Hrabal y Jirí Menzel, adapta la novela “Ostre sledované vlaky”/”Closely Observed Trains” (1965), de Bohumil Hrabal. Se rueda en escenarios naturales de la República Checa (Lodenice y estación ferroviaria de Lodenice). Obtiene (1967) el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Producida por Zdenek Oves y Carlo Ponti (productor ejecutivo no acreditado) para Filmové Studio Barrandow, se estrena el 18-XI-1966 (Praga).

La acción dramática tiene lugar en la localidad checa imaginaria de Kostomolaty en febrero de 1945, pocos meses antes de la finalización de la IIGM en Europa. Milos Hrma (Neckár) es un muchacho que alcanza la edad laboral y pasa a trabajar como aprendiz de controlador ferroviario en la estación de trenes de su localidad. Desciende una familia afamada por su afición a la indolencia y escasez de luces. El tatarabuelo del chico, tambor del ejército, quedó tonto a causa de una pedrada en la cabeza que le lanzaron unos chiquillos durante una batalla, el bisabuelo presumía de estar jubilado ante los trabajadores de una factoría que le mataron por envidia, su abuelo murió arrollado mientras quería detener la invasión de tanques rusos mediante hipnosis y su padre fue declarado no útil para el trabajo a raíz de haber lanzado de un tren en marcha al calderero de la locomotora de la que él era el conductor. Milos es ingenuo, holgazán, de complexión asténica y de pocas luces. Tiene la mirada franca y es tímido y sensible. Su modelo a imitar es Ladislav Hubricka (Somr), compañero de trabajo, cínico y lujurioso, que corteja a todas las chicas que se cruzan en su camino.

El film suma comedia, drama y guerra (IIGM). Contiene elementos de comedia, tragedia, farsa y sátira. Mezcla humor y erotismo, indolencia y patriotismo, distracción y deseo, realismo y absurdo. La combinación de estos elementos da como resultado una obra entretenida, graciosa y llena de encanto. La reiterada presencia de árboles intensamente floridos y la descripción del estado de la guerra en Europa sitúan la acción en febrero de 1945.

La narración se presenta construida de modo sencillo y directo, casi documentalista. Describe con complacencia la vida diaria en el interior de la estación ferroviaria. Añade hábiles toques sobre aspectos de la vida doméstica de los mismos, lo que le permite aportar detalles que confieren al relato un toque intimista, cálido, próximo y humano. A Max (Valenta), el jefe de la estación, se le sorprende mientras su mujer le hace las pruebas de corte de un nuevo uniforme y mientras da de comer a los palomos y limpia el palomar. Resulta entrañable ser rtestigos del primer beso de Milos y Masa (Bendoná), interrumpido por el silbido malicioso de Ladislav, el acceso de Milos a un burdel para darse un baño caliente, etc.

Combina humor absurdo, surrealista, chocante y ocurrente con algunos trazos de humor negro grueso, como las referencias a las ovejas famélicas, la vaca muerta durante el parto, los trenes que transportan cadáveres humanos, el intento de suicidio, etc. Humor y erotismo ofrecen combinaciones festivas, como el juego nocturno de las prendas, las marcas de sellos de goma en los muslos y nalgas de Zdenka (Zelenohorská), la denuncia del hecho por su madre ante todo tipo de autoridades con aportación de las pruebas, etc. Otras obras del realizador son “Yo serví al rey de Inglaterra” (2006), “Ruiseñores en el alambre” (1990), etc.

El film explora la maduración sexual de un muchacho, sus inseguridades y temores, sus intentos de afirmación, sus primeras relaciones físicas con chicas. Contradice las tesis oficiales sobre el heroísmo de los ciudadanos durante la ocupación nazi del país, muestra la dimensión humana de los soldados alemanes, la situación precaria de los nazis en 1945 a causa de su pérdida del control del espació aéreo, lo que da lugar a alarmas aéreas y bombardeos aliados, como el del comienzo. No se habla de héroes ni de villanos. El abogado checo colaboracionista, Zednicek (Brodsky), es más un bobo presuntuoso que un malvado. Los soldados alemanes que concentran la mirada en las jóvenes enfermeras del vagón de la Cruz Roja son jóvenes normales, deseosos de volver a casa. Las interpretaciones son correctas, en especial la de Milos. El papel de médico corre a cargo del propio realizador.

La música, de Jiré Sust (“Ruiseñores en el alambre”, 1990), ofrece cortes marciales, pomposos (acompañamiento de Zednicek), divertidos, románticos y dramáticos, todos ellos de carácter instrumental. La fotografía, de Jaromir Sofr (“Yo serví al rey de Inglaterra”), en B/N, crea una descripción visual brillante, que enriquece con detalles curiosos (cuadro de Santa Bárbara, fonógrafo, equipo telegráfico, relojes de pared, coches de época, coche ferroviario, trenes con una gran uve frontal de victoria, etc.).

Con frecuencia se oyen las campanadas del reloj de la estación. Separadas del soundtrack, parecen anunciar la próxima llegada de un nuevo año, un nuevo siglo, una nueva época. (Miquel, FilmAffinity)


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Walkabout (Nicolas Roeg, 1971)



Walkabout

Ficha Técnica:

Título original:

Walkabout

Año:

1971

País:

Australia

Género:

Drama

Dirección:

Nicolas Roeg

Guión:

Edward Bond (Novela: James Vance Marshall)

Duración:

01:35:56

Reparto:

Jenny Agutter, Lucien John, David Gumpilil, John Meillon

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576 x 324

Formato:
AVI

Tamaño:

702 Mb


Sinopsis:
Dos niños vagan por el desierto australiano, abandonados a su suerte, tras haberse suicidado su padre. Allí conocerán a un aborígen. (FILMAFFINITY)


1971: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Lo principal del filme se desarrolla en las vastas tierras desérticas del interior de Australia. Ahí, tres personas van a tener un encuentro, unas vivencias extraordinarias. Por una parte una muchacha (Jenny Agutter) y un niño, hermano de la anterior (Lucien John), ambos procedentes de la sociedad blanca y burguesa de Sidney; por el otro lado un adolescente aborigen de Australia (David Gumpilil).

Los dos primeros, se ven repentinamente solos y perdidos entre el amplísimo horizonte de tierras australianas (un medio que les es extraño), hasta que se encuentran con el joven aborigen quien les ayudará a sobrevivir en este gran espacio que a él no le resulta foráneo sino familiar, ahí enseñará a los dos "ciudadanos" cosas vitales que no se suelen aprender en el sistema escolar de la ciudad (donde lo más importante parece ser el uniforme, la vocalización y otras pijadas intrascendentes para la vida); por ejemplo les abrirá la mente a conseguir agua en medio del desierto; a cazar lagartos, canguros, aves, para alimentarse; a curar quemaduras solares; a gozar de la desnudez o de baños en parajes paradisiacos, etc., experimentando de esta manera una calidad de vida distinta, una calidad de vida sensacional y por lo mismo inolvidable, porque la memoria la consagra en lo recóndito de las vivencias maravillosas ("Esa es la tierra del contento perdido. Veo su brillante llano, los felices caminos por donde fui y que no pueden volver".).

Fílmicamente, el director Nicolas Roeg, nos expone la distancia tan enorme que hay entre la civilización ciudadana a base de ladrillos bien alineados que forman las fachadas y los nidos cuadriculados que nos sirven de hábitat, esto por una parte, y la civilización de las piedras desordenadas y bellamente alentadoras de libertad sobre los espacios abiertos de la Naturaleza, por otra parte. Desde el lado A, las ciudades, se suele ir hasta el lado B, los lugares abiertos e inhóspitos, ya de excursión o de paseo, ya por puro esparcimiento (que incluye el destruir, matar por matar o por deporte). Este hecho concreto le causa un tremendo impacto al nativo aborigen cuando es testigo de como unos cazadores blancos matan varios animales con disparos de rifles atronadores, sin necesidad verdadera.

En resumen, un filme sobre ecología, donde se denuncia que la relación de los seres humanos aparentemente "incivilizados" es racionalmente civilizada con la Naturaleza, y en cambio la relación de los hombres supuestamente "civilizados" es desconsideramente incivilizada con ésta. (Fej Delvahe, FilmAffinity)


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Zabriskie Point (Michelangelo Antonioni, 1970)




Zabriskie Point

Ficha Técnica:

Título original:

Zabriskie Point

Año:

1970

País:

EEUU

Género:

Drama. Road Movie. Politica, Años 60

Dirección:

Michelangelo Antonioni

Guión:

Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra, Clare Peploe, Fred Gardner, Sam Shepard

Duración:

110 min

Reparto:

Mark Frechette, Daria Halprin, Rod Taylor, Paul Fix, GD Spradlin, Kathleen Cleaver.

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

672 x 288

Formato:

AVI

Tamaño:

704 MB


Sinopsis:
Tras un enfrentamiento en un campus universitario entre estudiantes y policías, un joven de familia acomodada, Mark, cree haber matado a un agente y huye, en compañía de otro joven y tras robar una avioneta, al desierto de Arizona. Allí se encuentra de un modo fortuito con Daria, una muchacha que trabaja para un abogado, director de un importante proyecto inmobiliario, y que está cruzando el desierto en automóvil para asistir a una reunión de negocios. (FILMAFFINITY)

Segundo de los tres films contratados por el realizador italiano Michelangelo Antonioni con el productor Carlo Ponti (“Blowup”, “The Passenger”). El guión, de Antonioni en colaboración con Franco Rossetti (Fred Gardner), Sam Shepard, Tonino Guerra y Clare Peploe (esposa de B. Bertolucci), desarrolla un argumento original de Antonioni. Se rueda en escenarios naturales y abiertos de la ciudad de L.A., Hawthorne y Northrop (L.A.) y del Death Valey National Park (CA), con un presupuesto de 7 M USD. Producido por Carlo Ponti para MGM, se estrena el 9-II-1970 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la ciudad de L.A. y alrededores y en el Valle de la Muerte, a lo largo de varias horas de un día de uno de los últimos años de la década de los 60. El joven estudiante Mark (Frechette), de buena familia, participa en una reunión de líderes estudiantiles revolucionarios, que abandona antes de su conclusión por el radicalismo que profesa. Adquiere una pistola y se ve involucrado en un enfrentamiento de estudiantes y policías en el que muere por herida de arma de fuego un policía. Captada su imagen por un cámara de TV, él y la policía creen erróneamente que es el autor del disparo mortal. Roba una avioneta y huye hacia el desierto de Mojave, donde circula en su viejo Buick la joven estudiante Daría (Helprin), que complementariamente trabaja como secretaria esporádica de Lee Allen (Taylor), uno de los jefes de la corporación inmobiliaria Sunny Dunes Enterprises, del que es amante. Mark es activista antisistema, de posiciones radicales, individualista, idealista y solitario. Diana es pacifista, partidaria del amor libre, de ideas hippies, espíritu libre, contemporanizadora y no radical.

El film suma drama, romance y documental. Sobre una base argumental liviana y superficial, explora el movimiento contracultural de la juventud antisistema de finales de los años 60. La conciencia de opresión consumista, la glosa mostrando los grandes anuncias de publicidad estática que pueblan los alrededores de L.A. y las proximidades del aeropuerto deportivo. El nihilismo de la juventud inconformista se pone de manifiesto en la reunión de líderes centrada que tratan cuestiones estratégicas, con ausencia de propuestas ideológicas. El desencanto de los mismos se refleja en el tono melancólico y triste de sus actitudes personales y del acompañamiento musical. El pacifismo que inspira el movimiento se demuestra con el rechazo de la guerra y las armas y su sustitución por las flores, símbolos de amor y paz. La defensa de la libertad de expresión y manifestación que proponen, se muestra, a la inversa, mediante las duras intervenciones y cargas policiales con heridos de consideración. La defensa de la igualdad e integración racial se explica a través de las manifestaciones y preguntas que se oyen en la reunión de líderes y la sugiere la presencia como criada de una india en la casa piloto.

La opción por el amor libre se expone a través de la pareja protagonista y las opiniones de Daría. Se apuntan someramente las propuestas a favor de la vida en comunas, la superación que proponen del concepto de familia tradicional, el consumo de drogas (Mark y Daría fuman hierba abiertamente ante las cámaras), la lucha contra el capitalismo insolidario, etc. La exposición es rápida, superficial y básicamente visual.

Con imágenes de gran belleza, de paisajes inmensos y de accidentes tan hinópticos como el Valle de la Muerte, desarrolla la historia del encuentro y la relación de amor y sexo de Mark y Daría. Complementa la secuencia con imágenes oníricas de una orgía multitudinaria dispuesta alrededor de la pareja protagonista, a cargo de los actores y actrices del Open Theater, de Joe Chaikin. Un montaje de planos cortos, medios, largos y generales, compone un espectáculo visual de gran belleza y potente significado. El amor libre de los protagonistas se funde con la evocación del amor libre universal, capaz de impulsar la solidaridad y la paz en la Tierra. Más adelante añade imágenes apocalípticas, repetitivas e insistentes, que simbolizan lo que para los antisistema eran las condiciones finales de su lucha: la destrucción del capitalismo y el cese de la contemporanezación con él.

Las interpretaciones a cargo de dos jóvenes sin experiencia previa en cine no da los resultados de espontaneidad y verismo que se esperaban. Los actores profesionales como Rod Taylor tienen una intervención tan breve que pasa desapercibida, al igual que la presencia de Harrison Ford (no acreditado) en el papel de trabajador el aeropuerto. La obra funciona mejor como documental que como pieza dramática. Con todo, su valor testimonial de una época, un movimiento social, unos ideales, una estética y una música, confiere a la obra un interés documental de singular importancia.

El punto Zabriskie marca la posición más elevada de un mirador situado junto a las Funeral Mountains, a pocas millas del final del Valle de la Muerte. Toma el nombre de Christian B. Zabriskie, director general de la compañía minera que a principios del XX extrajo borax (borato de sodio) del lugar. La superficie del Valle de la Muerte estuvo ocupada por un largo hace unos 5 millones de años.

La banda sonora, de Pink Floyd y otros, acompaña las imágenes con fuerza y eficacia (El grupo The Grateful Death acompaña la orgía, Pink Floyd las explosiones de la casa piloto...). La fotografía, de Alfio Contini (“Portero de noche”, Cavani, 1974), crea imágenes realistas de soberbia belleza, que acompaña de estética pop y colores psicodélicos. Film atípico dentro de la filmografía del realizador.



Bibliografía

Jonathan ROSENBAUM, “Zabriskie Point”, ‘1.000 películas que hay que ver antes de morir” (Steven Jay Schneider) (versión española), pág. 533, Grijalbo Ed., 2004.

Seymour CHATMAN, “Michelangelo Antonioni. Filmografía completa” (versión española), Taschen Ed., Alemania, 2008.
Miquel (FilmAffinity)

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

One Hour with You (Ernst Lubitsch & George Cukor, 1932)



Una hora contigo

Ficha Técnica:

Título original:

One Hour with You

Año:

1932

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia, Musical.

Dirección:

Ernst Lubitsch, George Cukor

Guión:

Samson Raphaelson

Duración:

80 min

Reparto:

Maurice Chevalier, Jeanette MacDonald, Genevieve Tobin, Roland Young, Charlie Ruggles, Josephine Dunn, George Barbier

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (sub/idx) (incrustados en español para las canciones)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

448x336

Formato:

AVI

Tamaño:

773 MB


Sinopsis:
El doctor André Bertier y Colette, su esposa, viven felices hasta que Mitzi Olivier, una coqueta amiga del colegio de aquélla, viene a visitarlos. Mediante intrigas, Mitzi consigue quedarse a solas con André, fingiéndose enferma, e intenta seducirle, pero el marido de ella, el profesor Olivier, ha contratado a un detective para que recoja pruebas de las infidelidades de Mitzi. (FILMAFFINITY)


1931: Nominada al Oscar: Mejor película

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Gran Casino (Luis Buñuel, 1947)




Gran Casino / En el viejo Tampico

Ficha Técnica:

Título original:

Gran Casino

Año:

1947

País:

Mexico

Género:

Melodrama

Dirección:

Luis Buñuel

Guión:

Mauricio Magdaleno (Basado en una novela de Michel Weber)

Duración:

101 min.

Reparto:

Libertad Lamarque, Jorge Negrete, Julio Ahuet, Fernande Albany, Meche Barba, José Baviera, Alfonso Bedoya, Agustín Isunza, Francisco Jambrina

Datos del archivo:

Idioma:

Español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

512x288

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Tampico (Méjico), principios del siglo XX. Gerardo Ramírez y Demetrio García, dos prófugos, entran a trabajar al servicio del argentino José Enrique Irigoyen, propietario de pozos petrolíferos. Cuando Irigoyen desaparece, su hermana Mercedes llega a Tampico para hacerse cargo del negocio. Aunque sospecha que Gerardo y Demetrio pueden estar involucrados en la desaparición de su hermano, no puede evitar sentirse atraída por el primero. (FILMAFFINITY)

Cuarta realización de Buñuel, primera de las 21 que hace en Méjico. Escrita por Mauricio Magdaleno, incorpora aportaciones de Luis Buñuel y Edmundo Báez (no acreditados). Los diálogos de Javier Mateos. Se rueda en estudio, en un par de semanas, con un presupuesto modesto. Se basa en la novela "El rugido del paraíso", de Michel Weber. Producida por Óscar Dancingers (francés que abandonó Europa ante la amenaza nazi), se estrena el 12-VI-1947 (Méjico).

La acción tiene lugar en Tampico (Méjico) en los primeros años del s. XX. Buñuel se establece en Méjico en 1946, donde desarrolla una fecunda carrera de cineasta, tras 14 años de pausa desde que realizara "Las Hurdes" (1933). "Gran Casino" le brinda la oportunidad de retomar la tarea de realizador. Pese a que la producción no le convence, acepta el encargo con la esperanza de darse a conocer en el país azteca, acreditar su valía y poder optar a ofertas mejores en el futuro. El fracaso económico del film determina que la oportunidad siguiente se demore algo más de dos años, hasta que Dancingers pone en sus manos la realización de "El gran calavera" (1948).

La obra desarrolla un relato melodramático de alto voltaje, que se combina con canciones del mejicano Jorge Negrete y de la argentina Libertad Lamarque. La presencia de dos grandes figuras del mundo de la canción popular y del cine hispaonamericano, no es suficiente para interesar al público, que se siente incómodo ante la suma de drama y música popular. La película es una de las pocas realizaciones comerciales de Buñuel, que deja en ella pruebas de su maestría y personalidad. Cuando Gerado golpea a un chivato escondido tras una cortina, un flash rápido muestra un espejo que se rompe. Gerardo descubre la presencia del chivato al ver que la cortina que lo oculta deja al descubierto sus zapatos. Mientras Gerado golpea al chivato, éste deja caer al suelo una navaja abierta. Cuando Gerardo y Mercedes van a darse un beso, la cámara encuadra un simbólico charco de chapapote.

La músicqa, dirigida por Manuel Esperón, incluye como fondo de continuidad fragmentos de metal y percusión, cuyos tonos (sombríos, alegres, de tensión, etc.) modula según las necesidades de la acción. Añade las canciones "Dueña de mi amor", "Adiós, pampa querida" y "La norteña", a cargo de Jorge Negrete, y los tangos "El choclo" y "Loca", a cargo de Libertad Lamarque. La hilación entre música y acción se establece a través de la presencia en el Casino de Gerardo como cliente intruso y de Mercedes como cantante de la casa. La fotografía, de Jack Draper, es realista, cálida y de aires clásicos, con algunos toques característicos de Buñuel. El guión aporta una trama sencilla, muy melodramática, que a Buñuel le sirve para glosar la lucha desigual entre los grandes "trusts" del petróleo, los pequeños empresarios y los asalariados. (Miquel, FilmAffinity)


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