jueves, 28 de febrero de 2013

Yoyo (Pierre Étaix, 1965)




Yoyo

Ficha Técnica:

Título original:

Yoyo

Año:

1965

País:

Francia

Género:

Comedia absurda

Dirección:

Pierre Étaix

Guión:

Pierre Étaix, Jean-Claude Carrière

Duración:

1h 33min

Reparto:

Pierre Étaix, Claudine Auger, Philippe Dionnet, Luce Klein, Arthur Allan, Amédée, Martine de Breteuil, Philippe Castelli, Luc Delhumeau, Gabrielle Doulcet, Georges Loriot, Claude Massot, Roger Trapp

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subtítulos en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x384

Formato:

AVI

Tamaño:

1,09 GB


Sinopsis:
Un hombre rico solo, se aburre con la única compañía de sus criados, hasta el día que pasa un circo cerca de su casa... (FILMAFFINITY)


1965: Festival de Cannes: Premio OCIC. Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

A lo largo de la Historia del Cine existen periodos mal conocidos, como es el caso del cine silente, del que han desaparecido la mayoría de las películas, o las cinematografías periféricas, escasamente difundidas entre nosotros. Ciertas películas malditas, destruidas parcial o totalmente, y de las que quedan recuerdos escritos, es imposible poder verlas tal como se concibieron.

Hay casos más singulares, como el de Pierre Étaix, puesto que sus películas han sido imposibles de ver por una razón jurídica. Desde 1990, cuando comenzó el pleito entablado por Pierre Étaix y su guionista Jean-Claude Carrière para recuperar el control y que pudieran verse las películas en público, hasta 2010, cuando la Justicia francesa le dio finalmente la razón, han transcurrido veinte años con los filmes ocultos, lo que ha etiquetado a Étaix como cineasta maldito. Aunque más que maldito, lo que ha sido es invisible.

Dos fundaciones, Groupama Gan y Technicolor, con la ayuda de Studio 37, han aportado el capital necesario para que las películas tengan una segunda oportunidad. La filmografía de Étaix se compone de cinco largometrajes: Le soupirant (1963), Yoyo (1965), Tant qu’on a la santé (1966), Le grand amour (1969) y Pays de cocagne (1971), y tres cortometrajes: Rupture (1961), Heureux anniversaire (1962) y En pleine forme, película inédita montada en 2010, pero filmada en 1965, que es, en realidad, el punto de partida de lo que en su día dio lugar al largometraje Tant qu’on a la santé. Pierre Étaix tiene 83 años. Hijo de un comerciante en pieles, su acercamiento a las artes proviene de la vocación y del estudio: violín, piano, acordeón, dibujo, teatro. Trabajó como ayudante de dirección, a las órdenes de Jacques Tati, en Mi tío. En los años cincuenta montó su número de music-hall, con los que ha recorrido los circos de Europa entera, en solitario como Yoyo, y más tarde con Annie Fratellini.

Poder ver, en 2011, la obra cinematográfica de Pierre Étaix supone un placer, un descubrimiento y, además, nos obliga a ubicar a Étaix en un lugar en la Historia del Cine, como director, actor y cómico. Es ese hilo en cuyos extremos se encuentran Jacques Tati y Jerry Lewis. El personaje que crea se rige por unas coordenadas sociales en las que él no decide lo que ocurre alrededor, como le sucedía a Buster Keaton quien, junto a Stan Laurel, son espejo en el que más de una vez se miró, aunque la admiración máxima de Étaix fue hacia un payaso, Charlie Rivel. Ese personaje es manejado por el mismo Étaix como director, ofreciendo una enorme precisión en la observación de los sentimientos humanos desarrollados a través de sus gestos recogidos por la cámara y elaborados en la mesa de montaje, en donde el sonido y su ausencia se complementan, en donde la reiteración ejemplifica el sueño, la pesadilla, es decir, la duda humana, y donde el personaje que representa, indudablemente fomentado por el físico del propio Etaix, –un hombre común, ni muy alto ni muy bajo, no muy guapo, pero tampoco excesivamente feo, no muy rico, pero nunca pobre– combate contra el mundo en un proceso de individualización obtenida a partir de sucesos y de narraciones banales pero que, por medio de instrumentos puramente cinematográficos, hace extraordinario lo ordinario, produce la sonrisa más que la risa.

Además, y es de enorme importancia, vemos en Étaix un profundo conocimiento del medio cinematográfico y cierta cercanía con el cine de algunos de sus coetáneos franceses, nacidos con la nouvelle vague. Sus cortometrajes y su primer largometraje nos presenta al personaje, el propio Pierre Étaix, cuyo físico recuerda en parte al de Rowan Atkinson en el rol de mister Bean, incluso en su forma de moverse y de pelearse con los objetos que lo rodean. La anécdota es mínima: los padres de Pierre le incitan a conseguir una buena mujer con la que casarse y, tal como le sucedía a Buster Keaton en Las siete ocasiones, sale a la calle a buscar una, sin olvidar que en casa tiene a una atractiva mujer que estudia y hace las labores del hogar, que vive con ellos sin que sepamos nunca cual es su relación con la familia que la acoge. Repetidamente Étaix la pregunta si quiere casarse con él, para irse de inmediato suponiendo la negativa de ésta. Es esta una forma de psicoanalizar el fracaso del hombre ante la obligación de cumplir con un rol social. Solo cuando ella aprenda suficiente francés, comprenderá la pregunta y contestará afirmativamente. Como detalle visual merecería la pena destacar esa habitación de estudio en la que vive el protagonista, llena de carteles de planetas y lunas, estado emocional del protagonista, el de estar fuera de este mundo, en la Luna.

El final de Le soupirant entronca con el de su penúltimo largometraje, Le grand amour, que se inicia con Pierre en su boda, imaginando cómo sería su vida si en vez de casarse con la que va a hacerlo lo hiciera con alguna otra de sus anteriores novias. De esta forma, Le grand amour no solo es una triste semblanza del ser humano, que añora más aquello que ha dejado atrás. Raymond Queneau, autor de la novela Zazie en el metro, y Alain Resnais se esconden detrás de esta película. En ella vemos disociaciones típicas del autor de El año pasado en Marienbad, como lla secuencia donde el autor-actor está dudando sobre si una cita tuvo lugar en un café o no y su desarrollo le lleva a repetir la escena con pequeñas variaciones, con el consiguiente hartazgo del camarero, que es el único siempre presente y que acaba harto de servir o no la taza de café, en lo que es una intromisión del autor dentro de la diégesis. Los deseos de Pierre por su secretaria servirán para resolver muchos de los ocultos deseos del burgués que suspira por aquello que le es negado en la monotonía de la vida conyugal. Pero sin duda, hay una escena, de la que nace toda la película, que queda en la retina de todo espectador y es aquella donde las camas se mueven ensoñadoras, reflejo de una huida que, como tal, realizan a través de la carretera como si fueran coches, un prodigio de movimiento, de musicalidad, propio de Tati.

Su película más conocida, y a decir de muchos, la mejor, es Yoyo, que es la más alocada, al carecer de un fuerte desarrollo narrativo. Se descubre la fascinación de Étaix por la idea de movimiento, de huida, de nomadismo, propias del mundo circense al que tan unido ha estado. Además, en ella están muchos momentos realmente divertidos. Durante el primer cuarto de la película no descubrí que estaba ante una película carente de diálogos hablados, no aprecié la rareza de los intertítulos hasta que, fulminantemente, se nos informa que el año 1929 fue clave por dos acontecimientos, el crack (que llevará a la ruina al protagonista) y el nacimiento del cine sonoro, clave en ese momento, puesto que son las primeras palabras dichas, lo que reafirma esa conciencia del director de indagar y trazar una obra concisa, pensada y muy coherente. Otro acierto, en este caso visual, es cómo muestra la aparición de la televisión. Lo hace de una forma que yo nunca había visto y que es una imagen muy poderosa. Lo que hace Étaix es dividir la pantalla cinematográfica en nueve cuadros, todos en negro, salvo el del centro, que es donde figura la imagen televisiva. De esta forma queda marcadamente ejemplificado que el cine es mucho más grande que la televisión, y cuando hablamos de cine, es de emociones.

Su última película fue un trabajo documental, bastante desafortunado, Pays de cocagne (1971). De él afirma el autor: “Pensaba que la película sería una especie de tratamiento homeopático, que daría lugar a un sobresalto, y que la gente se reiría de buena fe. Por le contrario, fue recibida como una provocación. Los críticos fueron unánimes preguntándose como había podido hacer una película así, teniendo en cuenta mi trabajo anterior”. Vista ahora, lo único que queda es un trabajo de montaje de lo que recogió Etaix durante dos meses y veinte rollos de celuloide. Tras ocho meses de montaje, el resultado supuso el final de la carrera de Étaix, tras un enfado del propio presidente de la República francesa, Georges Pompidou, quien aparecía varias veces en la película, nunca bien parado, como casi nadie, dicho sea de paso.

Desde entonces, Pierre Étaix se refugió en el circo, montó su propio espectáculo, el Miousik Papillon, con la única pretensión de divertir, que es lo único que le ha importado. Sus apariciones fílmicas como actor han sido puntuales –I Clowns (1971), Max, mi amor (1986), Henry y June (1989), o la última película de Jean Pierre Jeunet Micmac à tire-larigot (2009)– pero, sin duda, una de esas películas nunca finalizadas, en la que colaboró fue, por desgracia, su trabajo más esperado. Me refiero al proyecto nunca estrenado del genial Jerry Lewis, The Day the Clown Cried (1972), en la que un payaso era obligado por los nazis a hacer reír a un grupo de niños judíos que poco después iban a ser gaseados. El propio Lewis afirmó: “Dos veces en mi vida he comprendido lo que era el genio: la primera vez mirando la definición en el diccionario, la segunda, al conocer a Pierre Étaix”. (Rafael Arias Carrión : Cine Para Leer)


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Kiru (Kenji Misumi, 1962)




Destiny's Son

Ficha Técnica:

Título original:

Kiru

Año:

1962

País:

Japón

Género:

Drama. Japón feudal. Samuráis

Dirección:

Kenji Misumi

Guión:

Kaneto Shindô (Novela: Renzaburô Shibata)

Duración:

71 min

Reparto:

Raizô Ichikawa, Shigeru Amachi, Masayo Banri

Datos del archivo:

Idioma:

Japones con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip gracias al magnifico trabajo de la gente de AllZine

Resolución:

656x288

Formato:

AVI

Tamaño:

695 MB


Sinopsis:
Kiru (Destiny's Son) narra las vicisitudes de un joven samurai, poseedor de un talento natural para la espada pero incapaz de escapar a su trágico destino fruto de un desafortunado pasado. (FILMAFFINITY)

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The Invisible Man (James Whale, 1933)




El hombre invisible

Ficha Técnica:

Título original:

The Invisible Man (The Legacy Collection)

Año:

1933

País:

Estados Unidos

Género:

Fantástico. Ciencia ficción. Thriller. Terror. Intriga

Dirección:

James Whale

Guión:

R.C. Sheriff, Philip Wyle (Novela: H.G. Wells)

Duración:

69 min

Reparto:

Claude Rains, Gloria Stuart, William Harrigan, Henry Travers, E.E. Clive, Una O'Connor, Dudley Digges, John Carradine, Walter Brennan, Dwight Frye

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

654x480

Formato:

MKV

Tamaño:

357 MB


Sinopsis:
Adaptación de una novela de H.G. Wells sobre un hombre que posee la facultad de hacerse invisible. (FILMAFFINITY)

Basado en el clásico de H. G. Wells publicado en 1897, El hombre invisible fue dirigido por el genial director James Whale, quien supo imprimir un estilo británico a esta producción Universal. Como ya hiciera en El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931) y más tarde en La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935), Whale se centró en ofrecer una apariencia cotidiana y costumbrista a los pueblos donde transcurre la acción, para variar el enfoque narrativo cuando mostraba lo fantástico o lo terrorífico -véase el laboratorio del doctor Frankenstein, oscuro, húmedo y tenebroso, donde todos sus moradores son presentados con encuadres distorsionados-. Así, en este film, cuando se presenta Griffin en la posada su aparición es abrupta, con un contrapicado inclinado, y luego nos muestra uno a uno los rostros casi inmóviles de los presentes, desconcertados y asustados. Lo cotidiano es violentado por lo fantástico.

La historia del libro ha sido condensada para ofrecer la extensión de un film estándar de serie B de la época, aunque manteniendo el espíritu del relato. El guión está bien estructurado, mostrándonos el progresivo deterioro mental del personaje principal, desde el deseo de encontrar la cura a su enfermedad hasta el ansia por conquistar el mundo, y cómo ese hombre va perdiendo el asidero de la cordura para desembocar en la locura, despreciando la vida humana: no duda en matar a un policía para demostrar que puede hacerlo sin más. Ni siquiera el amor hacia su novia le hace olvidar el afán por destruir. James Whale nos muestra esa caída con pulso firme, con escenas memorables como cuando todos entran en el cuarto de la pensión y descubren al hombre invisible, o el asesinato del que era su socio por obligación. También el descarrilamiento del tren demuestra la locura de Griffin, como una mano vengadora invisible.

La historia puede ser vista de distintas formas, como una metáfora (ya conocida, por ser tratada muchas veces) sobre el descontrol del poder científico, algo muy habitual en la obra de Wells -véanse La maquina del tiempo (The Time Machine: An Invention, 1895) o La isla del doctor Moreau (The Island of Doctor Moreau, 1896)-, pero también podría tratar sobre la alienación del ser humano: el ser invisible le permite a Griffin dar rienda suelta a esos instintos criminales, la parte oculta de su mente que se ha hecho visible con la invisibilidad. Cuando habla de curarse, utiliza la palabra "volver", pues para él ha desaparecido y otra persona ha tomado su lugar, por lo cual hay una lucha por sobrevivir de ambas partes, la buena, la visible, y la mala, la invisible, en una parábola transparente de la dualidad Jekyll/Hyde. Al final, sólo con la muerte volverá a ser el de siempre, de igual forma que Jekyll en la novela de Stevenson.

La película es, pues, una muestra más del buen hacer de Whale, quien dirige con un ritmo comedido mas no lento, donde la cámara se centra en relatar los acontecimientos sin planos innecesarios pero sin olvidarse nada importante. Tal vez el film ofrezca demasiados toques de humor que aligeran la oscura trama, pero el director nos ha mostrado momentos turbadores, como las referidas escenas, así como la presencia de Claude Rains lleno de vendajes, con unas magistrales voz y risas. Tampoco hay que olvidar esos divertidos juegos de palabras con referencia hacia la invisibilidad ("Griffin ha desaparecido", "es un científico transparente"). En fin, una cinta que no debe quedar invisible a los ojos de los aficionados. (Luis Alboreca: Pasadizo)


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Le Soupirant (Pierre Étaix, 1962)




El pretendiente

Ficha Técnica:

Título original:

Le Soupirant

Año:

1962

País:

Francia

Género:

Comedia

Dirección:

Pierre Étaix

Guión:

Pierre Étaix, Jean-Claude Carrière

Duración:

85 min

Reparto:

Pierre Etaix, France Arnel, Laurence Ligneres, Claude Massot, Denise Péronne, Karin Vesely

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x352

Formato:

AVI

Tamaño:

698 MB


Sinopsis:
Las aventuras amorosas de un hombre tímido. (FILMAFFINITY)


1963: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

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Sehnsucht (Valeska Grisebach, 2006)




Nostalgia

Ficha Técnica:

Título original:

Sehnsucht

Año:

2006

País:

Alemania

Género:

Drama

Dirección:

Valeska Grisebach

Guión:

Valeska Grisebach

Duración:

01:22

Reparto:

Andreas Müller, Ilka Welz, Anett Dornbusch

Datos del archivo:

Idioma:

Alemán con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688x400

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Un pequeño paraíso cercano a Berlín con doscientos habitantes y una vida cómoda, grata y sencilla. Markus y su mujer viven allí, llevan juntos desde siempre, tienen un hijo en común y una relación perfecta. Él trabaja en una empresa metalúrgica y el tiempo libre lo dedica a bombero voluntario; ella es ama de casa y canta en el coro de la parroquia. Hay una cena de celebración que reúne a los bomberos, se bebe, se baila, se canta, se bebe más y por la mañana, desmemoriado y en compañía femenina, Markus abre los ojos. Hay una cosa que se llama deseo y que va al caos y de él a la expulsión del paraíso. (FILMAFFINITY)


2006: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes
2006: Festival de cine de Gijón: Mejor película y premio FIPRESCI

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Der Räuber (Benjamin Heisenberg, 2010)




El ladrón

Ficha Técnica:

Título original:

Der Räuber

Año:

2010

País:

Alemania

Género:

Thriller. Drama. Crimen. Robos & Atracos.

Dirección:

Benjamin Heisenberg

Guión:

Martin Prinz, Benjamin Heisenberg (Novela: Martin Prinz)

Duración:

90min

Reparto:

Andreas Lust, Johann Bednar, Max Edelbacher, Walter Huber, Markus Schleinzer, Peter Vilnai, Franziska Weisz, Florian Wotruba

Datos del archivo:

Idioma:

Aleman con subs en español (srt)

Calidad:

dvdrip

Resolución:

1280x544

Formato:

MKV

Tamaño:

1,40 GB


Sinopsis:
Johannes Rettenberger es una persona introvertida que pasa sus últimas días en la cárcel preparándose como un gran atleta. Cuando sale se presenta a los diferentes campeonatos nacionales en su país, Austria, donde aparece como la gran revelación local. Una misteriosa fuerza, una gran capacidad de sacrificio parece que le empujan a ganar, pero de dónde proviene esa superación es un misterio. Mientras consigue pasar inadvertido en su reintregración en la sociedad, aprovechará sus cualidades para seguir haciendo lo que antaño, robar bancos. Una historia sentimental o la sombra del agente de la condicional serán algunos de los elementos que puedan truncar su camino. (FILMAFFINITY)


2010: Festival de Gijón: Mejor guión

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miércoles, 27 de febrero de 2013

Vtackovia, siroty a blazni (Juraj Jakubisko, 1969)




Pájaros, huérfanos y locos

Ficha Técnica:

Título original:

Vtackovia, siroty a blazni

Año:

1969

País:

Checoslovaquia

Género:

Comedia. Drama. Surrealismo

Dirección:

Juraj Jakubisko

Guión:

Juraj Jakubisko, Karol Sidon

Duración:

78 min

Reparto:

Philippe Avron, Jirí Sýkora, Magda Vásáryová, Míla Beran, Augustín Kubán, Mikulas Ladizinsky, Jana Stehnová

Datos del archivo:

Idioma:

Checo con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x416

Formato:

AVI

Tamaño:

1,45 Gb


Sinopsis:
Tan sólo la locura es una garantía contra la tristeza. Es la máxima que aplican tres huérfanos de guerra; Yorick, Andrej y Martha, protagonistas de esta comedia surrealista que narra las aventuras de estos adultos que se comportan como niños, locos y pájaros en busca de combatir la tristeza y disfrutar cada momento de sus vidas. (FILMAFFINITY)

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Young Mr. Lincoln (John Ford, 1939)




El joven Lincoln

Ficha Técnica:

Título original:

Young Mr. Lincoln (The Criterion Collection)

Año:

1939

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Biográfico. Siglo XIX

Dirección:

John Ford

Guión:

Lamar Trotti

Duración:

100 min

Reparto:

Henry Fonda, Alice Brady, Marjorie Weaver, Arleen Whelan, Eddie Collins, Pauline Moore, Richard Cromwell, Donald Meek, Judith Dickens, Eddie Quillan

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

656x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,45 GB


Sinopsis:
Se basa en los años de juventud de Abraham Lincoln, que llegaría a ser presidente de los Estados Unidos (1861-1865). El antiguo leñador de Kentucky es ya un abogado que empieza a destacar por su defensa de los derechos de los más humildes. Fue candidata al Óscar en 1939 por el mejor guión original. (FILMAFFINITY)


1939: Nominada al Oscar: Mejor historia

Ver esta vieja narración sobre el joven Abraham Lincoln (primer Presidente de los Estados Unidos perteneciente al Partido Republicano) no le dejará indiferente.

El actor escogido para interpretar al personaje, Henry Fonda, no sólo se parece a él físicamente sino que además lo representa con gran fidelidad de poses y ademanes. Hay una escena en la que el abogado Lincoln está sentado pensando en lo difícil que se le ha puesto el caso de sus defendidos, y John Ford lo filma en la misma postura de la famosa estatua del Presidente Abraham Lincoln situada dentro del Lincoln Memorial, en Washington, D.C (obra del prestigioso escultor norteamericano Daniel Chester French).

John Ford nos muestra a un Lincoln de idiosincrasia muy tranquila, pensativo, de gran sencillez y con mucha destreza para cortar troncos u otros ejercicios manuales, a pesar de ser de constitución delgada; pero sobre todo con un gran sentido del humor y carisma para hacer reír a la gente y caerle bien a casi todo el mundo. De hecho el futuro y célebre "inspector Colombo", será años más tarde un personaje cinematográfico que guardará bastante similitud en su imagen de calma, sencillez, aspecto descuidado y manera de indagar en pro de la verdad como si aparentemente sólo fuese un "palurdo o profesional no muy apto".

La película es entrañable, muy sentimental y emotiva; con bastante probabilidad le hará llorar o que se le humedezcan los ojos. Algo por lo que no hay que avergonzarse sino sentirse bien y dichoso. Notable. (Fej Delvahe, FilmAffinity)


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Drums Along the Mohawk (John Ford, 1939)




Corazones indomables / Al redoblar de tambores

Ficha Técnica:

Título original:

Drums Along the Mohawk

Año:

1939

País:

Estados Unidos

Género:

Bélico. Western. Guerra de Independencia Americana. Siglo XVIII

Dirección:

John Ford

Guión:

Lamar Trotti, Sonya Levien

Duración:

104 min

Reparto:

Claudette Colbert, Henry Fonda, Edna May Oliver, John Carradine, Arthur Shields, Robert Lowery, Ward Bond

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

592x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1,33 GB


Sinopsis:
En los comienzos de la Guerra de la Independencia Norteamericana (1775-1783), Colbert y Fonda están entre un grupo de resistentes campesinos establecidos al norte del estado de Nueva York, en una zona fronteriza en lucha contra los británicos y los indios. El maestro Ford exalta el espíritu patriota y los valores pioneros de los colonos al tiempo que retrata otro capítulo de la historia americana.


1939: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz de reparto (Edna May Oliver), fotografía

Uno de los pocos films sobre la Guerra de Independencia de los EEUU (1775-1783). Realizado por John Ford y escrito por Lamar Trotti (“Incidente en Ox-Bow”, Wellman, 1943) y Sonya Levien, adapta la novela "Drums Along The Mohawk” (1936), de Walter D. Edmonds. Se rueda en escenarios exteriores de Utah y en los platós de Fox Studios (L.A., CA). Es nominado a dos Oscar (actriz de reparto y fotografía). Producido por Darryl F. Zanuck y Raymond Griffith (dos de los fundadores de la Fox), se estrena el 3-XI-1939 (NYC, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Albany (NY) y en el valle de Mohawk, en territorios actuales de Nueva Inglaterra, al Norte del estado de NY, entre 1776 y 1783. Gilbert “Gil” Martin (Fonda) y Magdalena “Lana” Borst (Colbert) contraen matrimonio en Albany y se trasladan como colonos al valle de Mohawk, donde les espera una vida de sacrificios, trabajo y aventuras. Gil es recto, íntegro y justo y conoce los secretos del cultivo del campo. Lana, hija de una familia acomodada y urbana, ha de hacer un gran esfuerzo de adaptación a la vida aislada y solitaria del campo en tiempos de guerra.

El film mezcla drama, romance, guerra y western. Construye un apunte intenso de la Guerra de Independencia de los EEUU, que amplía y enriquece el tratamiento que el realizador construye de la historia americana a través de sus films, especialmente los westerns. De acuerdo con sus constantes, se interesa por la vida cotidiana de los colonos, su pertenencia a grupos que participan como tales en la acción, el protagonismo de la mujer en los territorios de frontera, la importancia de su papel en los primeros pasos de la construcción del país, la presencia temible de los indios nativos, la crueldad de la guerra y la preocupación por todos los aspectos del drama humano. Combina drama y tragedia con humor, al que dedica escenas tan memorables como el enfrentamiento de la viuda McKlennar (Oliver) con dos indígenas que pretenden quemar su dormitorio y los prolegómenos de la amputación de una pierna al general Nicholas Herkimer (Imhof).

La narración se apoya en una trama sencilla y en escenas de gran vigor, como la larga persecución de Gil por tres nativos, la evocación de sus recuerdos de guerra y la contemplación por Lana de la marcha de Gil a la guerra. Hace uso de elipsis y sobreentendidos. Se sirve de un tono equilibrado y mesurado que le lleva a construir un dramatismo intenso que evita la exageración y las tintas sobrecargadas. Con habilidad y parquedad de medios crea situaciones de gran emotividad (boda, llegada de las tropas americanas, izado de la bandera).

El film marca la segunda colaboración en cine de Ford y Fonda sobre un total de seis. Exalta la fortaleza de la mujer y su capacidad de trabajo y sacrificio. Muestra los horrores de la guerra y sus secuelas. Elogia el espíritu patriótico. Admira la entrega y audacia de los pioneros. Explica el significado de la bandera.

La música, de Alfred Newman, ofrece una partitura de aires dramáticos con interludios descriptivos y de acción. Confiere al conjunto cualidades solemnes y épicas. Como música ajena añade un corte de “Yankee Doodle” (tradicional) y de “America My Country Tus Of Thee” (izado de la bandera). La fotografía, de Bert Glennon (“Río Grande”, 1950) y Ray Rennahan, en color (technicolor), compone imágenes de visualidad pictórica, con numerosas secuencias de poca luz que resuelve con un uso acertado del dibujo y del claroscuro. Destaca el cromatismo entrañable del primitivo technicolor, dominado en este caso por los azules. Es gratificante el uso que hace de la profundidad de campo, la precisión de los encuadres, la eficiencia de los planos y la abundancia de los primeros planos (ramo de la novia). Es el primer film en color de Ford. (Miquel, FilmAffinity)


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En la selva no hay estrellas (Armando Robles Godoy, 1966)




En la selva no hay estrellas

Ficha Técnica:

Título original:

En la selva no hay estrellas

Año:

1966

País:

Perú / Argentina

Género:

Aventuras. Drama

Dirección:

Armando Robles Godoy

Guión:

Armando Robles Godoy

Duración:

87 min

Reparto:

Ignacio Quirós, Susana Pardahl, Jorge Aragón, César David Miró, Manuel Delorio, Jorge Montoro, Luisa Otero, Demetrio Túpac Yupanqui, Tania Rey, Willie Griffiths

Datos del archivo:

Idioma:

Español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688 x 544

Formato:

AVI

Tamaño:

1,26 GB


Sinopsis:
Un ambicioso hombre roba el oro recolectado por una tribu amazónica, pero su huida será el comienzo de un viaje de reconocimiento de su propia vida y una lucha por su supervivencia en medio de la tupida selva. Segunda película de Robles inspirada en un cuento homónimo de su propia autoría, que sorprende gratamente ya que está contada con fuerza y solvencia. (FILMAFFINITY)

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