lunes, 17 de diciembre de 2012

The Search (Fred Zinnemann, 1948)




Los ángeles perdidos

Ficha Técnica:

Título original:

The Search

Año:

1948

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. II Guerra Mundial. Infancia. Holocausto.

Dirección:

Fred Zinnemann

Guión:

Richard Schweizer,David Wechsler (Argumento: Richard Schweizer, David Wechsler)

Duración:

105 min

Reparto:

Montgomery Clift, Aline MacMahon, Wendell Corey, Jarmila Novotna, Ivan Jandl

Datos del archivo

Idioma:

Inglés / Español con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

512x384

Formato:

AVI

Tamaño:

775 MB


Sinopsis:
Film semi-documental sobre un soldado americano que ayuda a un niño, superviviente de Auschwitz, a buscar a su madre. Debut del gran Montgomery Clift. (FILMAFFINITY)

1948: Oscar: Mejor historia. 4 nominaciones

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The Seventh Cross (Fred Zinnemann, 1944)




La séptima cruz

Ficha Técnica:

Título original:

The Seventh Cross

Año:

1944

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Nazismo

Dirección:

Fred Zinnemann

Guión:

Helen Deutsch (Novela: Anna Seghers)

Duración:

110 min

Reparto:

Spencer Tracy, Signe Hasso, Hume Cronyn, Jessica Tandy, Agnes Moorehead, Herbert Rudley, Felix Bressart, Ray Collins, Alexander Granach, Katherine Locke, George Macready, Paul Guilfoyle

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x480

Formato:

MKV

Tamaño:

1,72 GB


Sinopsis:
En los años previos a la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), siete prisioneros consiguen escapar de un campo de concentración nazi. El comandante del campo ordena que se claven siete cruces en siete árboles para enterrarlos cuando sean capturados. (FILMAFFINITY)


1944: Nominada al Oscar: Mejor actor secundario (Hume Cronyn)

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Dark City (William Dieterle, 1950)



Ciudad en sombras / Magia negra

Ficha Técnica:

Título original:

Dark City

Año:

1950

País:

Estados Unidos

Género:

Cine Negro. Crimen. Drama. Intriga

Dirección:

William Dieterle

Guión:

John Meredyth Lucas, Larry Marcus, Ketti Frings

Duración:

97 min

Reparto:

Charlton Heston, Lizabeth Scott, Viveca Lindfors, Dean Jagger, Don DeFore, Jack Webb, Ed Bengley, Harry Morgan, Walter Sande

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español (audio mp3 por separado) con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,34 GB


Sinopsis:
Primera película de Charlton Heston en Hollywood, es un relato de cine negro, ayudado por las sombras callejeras y ese inhóspito ambiente en que viven aquellos que bordean el delito. Charlton lidera un grupo de estafadores que despluman a un hombre de negocios (Don DeFore), que se sume en la desesperación y se ahorca. Ahí es donde toma partido el hermano psicótico del fallecido (Mike Mazurki), que inicia un raid para cazar y asesinar a los cuatro jugadores (Jack Webb, Ed Begley y Harry Morgan). Para completar el cuadro aparece la novia del protagonista (Lizabeth Scott) que es cantante de cabaret. (FILMAFFINITY)

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L'homme qui aimait les femmes (François Truffaut, 1977)




El hombre que amaba a las mujeres / El amante del amor

Ficha Técnica:

Título original:

L'homme qui aimait les femmes

Año:

1977

País:

Francia

Género:

Drama. Romance. Comedia

Dirección:

François Truffaut

Guión:

Michel Fermaud, Suzanne Schiffman

Duración:

114 min

Reparto:

Nathalie Baye, Brigitte Fossey , Jean Dasté , Leslie Caron , Charles Denner

Datos del archivo:

Idioma:

Francés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x416

Formato:

AVI

Tamaño:

797 MB


Sinopsis:
Durante el funeral del protagonista, se ofrece una reflexión sobre las razones que podrían explicar la pasión de este soltero de mediana edad por las mujeres, su necesidad de amarlas y por qué también ellas le correspondían. (FILMAFFINITY)


1977: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

Decimosexto largometraje de François Truffaut. Se rueda en Montpellier y Paris en 1976. Fue nominado a 3 César. Producida por Truffaut, se estrena el 27-IV-1977 (Paris).

La acción tiene lugar en Montpellier y Paris. Se inicia el 26-XII-1976, se desarrolla en un flashback que abarca desde la infancia del protagonista y concluye en el lugar inicial. La obra suma comedia, drama y romance. Explica las aventuras de un personaje singular, de unos 40 años, ingeniero del Instituto de Mecánica de los Fluidos (Montpellier), soltero, sin familia y sin amigos. Profesa una abrumadora admiración por las mujeres, de las que le interesan las historias, experienicas, amistad, y de las que admira los ademanes, gestualidad, andares y las piernas, sobre todo las piernas en movimiento, captadas en planos que evocan a Buñuel.

Contempla a la mujer como un esteta: investiga la belleza, el atractivo, el encanto, la simpatía, gracia y esplendidez. Busca la conversación con ellas y su compañía, como medio de aproximación a sus cualidades, opiniones, conocimientos y puntos de vista. El contacto físico también es importante, pero no es el único fin. Los intereses múltiples que impulsan a Morand cerca de la mujer y la posición no cental de la conquista como eje de su pasión lo diferencia de don Juan. La satisfacción sensual, emocional y espiritual que Morand obtiene es más rica, prolongada y completa que la de aquél, con quien comparte el gusto por la cantidad, la aceptación de la provisionalidad y la necesidad de cambio, aunque sin el abandono y ruptura donjuanista. Morand no es vanidoso, no fanfarronea, no presume de conquistador y no es machista.

El film no elogia al protagonista ni lo censura. Expone su recorrido con ternura, cariño y humor. Muestra cómo sus relaciones se stablecen en pie de igualdad, de acuerdo con el signo de los tiempos. Se explica con sencillez y en un tono ligero, optimista y natural. Ofrece una amplia tipología femenina: la exreclusa, la cuarentona, la que se siente incómoda con su nariz, la bisexual, la que sólo experimenta placer con varones jóvenes, la editora, la madre, la prostituta que anda deprisa, la que quiere hacer el amor en lugares comprometidos (vestidor, cama de unos almacenes), la que lleva un vestido de cierre frontal con 137 botones de porcelana, la liosa, etc. El realizador cree en el amor verdadero, por el que apuesta y al que se abre el protagonista en los últimos planos. No cree en el amor que dura toda la vida. Muestra su pasión por los libros.

La música ofrece fragmentos espléndidos de orquesta de cuerdas, con los temas "Obertura", "Chacona" y otros. La fotografía evoluciona de los tonos cálidos y oscuros del principio a los fríos más suaves del final. Para subrayarlo cambia a última hora el color del vestido de la niña que llora del rojo al azul. Abundan las luces posteriores que sitúan las imágenes en ambientes de contraluz o penunbra, de depurado intimismo. (Miquel, FilmAffinity)


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Sommaren med Monika (Ingmar Bergman, 1953)




Un verano con Mónica

Ficha Técnica:

Título original:

Sommaren med Monika (The Criterion Collection)

Año:

1953

País:

Suecia

Género:

Drama. Romance.

Dirección:

Ingmar Bergman

Guión:

Ingmar Bergman y Per-Anders Fogelström (Novela: Per-Anders Fogelström)

Duración:

97 min

Reparto:

Harriet Andersson, Lars Ekborg, John Harryson, Georg Skarstedt, Dagmar Ebbesen, Bengt Eklund, Åke Fridell

Datos del archivo

Idioma:

Sueco con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

658x480

Formato:
MKV

Tamaño:

464 MB


Sinopsis:
Monika trabaja en un mercado de verduras. Harry, un joven de 19 años, vive al lado. Un día van al cine y pasan la noche juntos en la barca del padre de Harry. Al día siguiente Harry es despedido. Los dos deciden dejar Estocolmo. Al principio las cosas son idílicas: toman el sol desnudos, beben, van a bailar pero Monika se queda embarazada. Se quedan sin comida y empiezan a robar en cabañas cercanas. Monika es arrestada pero logra escapar. Y ambos deciden volver a la ciudad... (FILMAFFINITY)

Uno de los primeros trabajos importantes de Ingmar Bergman (1918-2007), escrito y dirigido por él. El guión se basa en la novela “Sommaren med Monika”/”Summer with Monika” (1951), de Per Arnders Folgeström. Se rueda durante el verano de 1952 en la isla de Ornö, del archipiélago de Estocolmo, y en los platós de Svenk Filmindustri (Estocolmo), con un bajo presupuesto. Producido por Allan Ekelund para Svenk Filmindustri, se estrena el 9-II-1953 (Suecia).

La acción dramática tiene lugar entre los últimos días de primavera y las primeras semanas de invierno, en 1952/53, en la isla Ornö y en Estocolmo. La joven Mónica (Andersson), de 17 años, traba conversación en un bar con Harry (Ekberg), de 19 años. Ella trabaja como dependienta en un puesto de venta de verduras y hortalizas de un mercado de barrio. Él trabaja como auxiliar de peón en un almacén de distribución y venta de loza, vajillas y cristalería. Ella es voluble, impulsiva, poco delicada, desagradecida, cínica y encantadora. La mueven deseos irrefrenables de libertad e independencia. Él es un pobre chico, timorato, bondadoso, bonachón e idealista.

El film suma drama y romance. Desarrolla una historia sencilla, realista y conmovedora. Explora la evolución de un apasionado enamoramiento juvenil de dos adolescentes inexpertos, de escasa formación y procedentes de entornos familiares problemáticos. Tras once largometrajes de estudio y aprendizaje, Bergman rueda este film como obra de madurez (la plenitud llegará más adelante) y de transición. Contiene elementos del complejo mundo personal del realizador, que éste irá desvelando y concretando a lo largo de su filmografía.

El rodaje al aire libre, en escenarios reales, exentos de artificiosidad; el tema del amor, en este caso de una pareja joven; sus aspiraciones de libertad; el realismo de la trama; y otros factores, hacen que la cinta sea vista con admiración por la “nouvelle vague” francesa, sobre la que ejerce una influencia que admiten y reconocen expresamente los líderes del movimiento. François Truffaut en “Los cuatrocientos golpes” (1959) dedica una escena de homenaje al film: Antoine Doinel, de niño, roba de la cartelera de un cine una fotografía de Harriet Andersson que reproduce un fotograma de la película.

Cabe decir que los diálogos están resueltos con habilidad y brillantez, los caracteres se presentan construidos con esmero y bien diferenciados, la puesta en escena se beneficia de soluciones inspiradas en la naturalidad y la libertad. La construcción del film acusa algunos síntomas de relajación, posiblemente debidos a la preeminencia que el realizador otorga al festín de amor físico y libertad sobre otras cuestiones.

La trama oculta elementos simbólicos de notable valor expresivo, como la reiterada presencia a lo largo del metraje de Lelle (Harryson), antiguo novio de Mónica, que cumple funciones de tentación e invitación a la trasgresión (la infidelidad de la pareja), a la manera de la serpiente del Edén. Se hace uso de elipsis, que agilizan el relato y le confieren intensidad (moneda en el “jukebox”).

Como referencias relacionadas con las constantes del realizador se puede citar el papel determinante de la mujer, el cuestionamiento de la familia y la pareja, el sentido autobiográfico de algunos pasajes, el uso reiterado de espejos, la importancia del sexo, las citas dedicadas a la religión, el protagonismo de la vida, la pasión y el deseo, la fascinación por los rostros, el recurso a primeros y primerísimos planos, la frontalidad de la cámara, el aire de pesimismo que informa la acción, etc. Singularizan al film la arrebatadora sensualidad de Harriet, la exaltación romántica de la fuga amorosa, la vitalidad y frescura de la historia, etc. Para llevar adelante el rodaje, el realizador se enfrenta a diversas dificultades, como un presupuesto muy limitado, problemas de traslados por mar de la ciudad a la isla y viceversa, etc. Durante el rodaje, Bergman (34 años) inicia un romance apasionado con Harriet (20 años).

El film constituye una celebración gozosa del amor físico y la libertad, un homenaje a la mujer, a la juventud y a la infancia, una profesión de amor a la naturaleza, una demostración de lo fascinante que es el verano sueco, un testimonio de admiración a Harriet, etc. A ella dedica, entre otros extremos, dos bonitos piropos cinematográficos. Mueve la cámara desde su imagen a los reflejos del sol en el mar para indicar que la actriz es una divinidad que brilla con luz propia. Cuando Harriet se baña en un charco de mar junto a la playa, la muestra con ademanes y en posición que la identifican con Venus.

La música, de Erik Nordgren (“El séptimo sello”, 1957), crea una banda sonora alegre y festiva, que combina valses de Johan Strauss (“Sangre vienesa”, “El Danubio azul”), un tango, una balada (“En mi jardín soñado”) y composiciones tradicionales suecas. La interpretación corre a cargo de un dúo de acordeón y violín. La fotografía, de Gunnar Fisher (“El séptimo sello”), en B/N, ofrece composiciones de un espléndido claroscuro, gratas imágenes de postal turística del paisaje y figuras de estilo (encadenado de imágenes, encuadres fijos ...). Por medio de imágenes se revela el complejo estado de ánimo de Mónica, especialmente cuando dirige la mirada al espectador a través del espejo. La estética de la obra es ecléctica: suma realismo, neorrealismo (inicio del film), impresionismo (la isla) y clasicismo. (Miquel, FilmAffinity)


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The Portrait of a Lady (Jane Campion, 1996)




Retrato de una dama

Ficha Técnica:

Título original:

The Portrait of a Lady

Año:

1996

País:

Reino Unido

Género:

Drama. Siglo XIX.

Dirección:

Jane Campion

Guión:

Laura Jones (Novela: Henry James)

Duración:

142 min

Reparto:

Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey, Mary-Louise Parker, Martin Donovan, Shelley Winters, Christian Bale, Richard E. Grant, Viggo Mortensen, John Gielgud, Valentina Cervi, Shelley Duvall

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1280x544

Formato:

MKV

Tamaño:

1,02 GB


Sinopsis:
1872. Isabel Archer (Kidman) es una joven norteamericana que vive en Inglaterra con unos parientes. No quiere comprometerse con ningún hombre hasta haber conocido todas las posibilidades que la vida puede ofrecerle. Tras la muerte de su tío, hereda una gran fortuna que le permitirá viajar y tener nuevas experiencias. (FILMAFFINITY)


1996: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz de reparto (Barbara Hershey), vestuario
1996: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz de reparto (Barbara Hershey)

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Duel (Steven Spielberg, 1971)




El diablo sobre ruedas / Reto a muerte / Duelo a muerte

Ficha Técnica:

Título original:

Duel

Año:

1971

País:

Estados Unidos

Género:

Intriga. Thriller. Terror. Road Movie

Dirección:

Steven Spielberg

Guión:

Richard Matheson

Duración:

89 min

Reparto:

Dennis Weaver, Tim Herbert, Lou Frizzell, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lucille Benson, Gene Dynarski

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1280x696

Formato:

MP4

Tamaño:

698 MB


Sinopsis:
Cuando David intenta adelantar a un camión cisterna no se imagina que el conductor se lo tomará como una ofensa personal. A partir de ese momento, el diabólico camionero someterá a David a una persecución mortal... (FilmAffinity)

El escritor y guionista Richard Matheson se encontraba jugando golf con un amigo cuando escuchó por primera vez la noticia acerca del asesinato del presidente Kennedy. Consternados por la situación, él y su amigo decidieron volver rápidamente a casa. Mientras cruzaban un estrecho camino cercano a Simi Valley, un camión se acercó demasiado a su automóvil. El escritor, al percatarse de esto, aceleró el vehículo sólo para darse cuenta que el camión también comenzaba a acelerar. Debido a la tensión causada por los acontecimientos ocurridos aquel día, Matheson y compañía terminaron saliéndose del camino. Todo esto sirvió para que el escritor incubara una idea que presentaría a un buen número de productores de series de televisión, sin que este lograra mayores resultados. Siete años después, Matheson escribió la novela corta Duel, basada en aquella idea, la cual fue publicada en la edición de abril de 1971 de la revista Playboy.

Luego de dirigir el episodio piloto de la serie de televisión Night Galery (1970-1973), un episodio de la serie Name of the Game (1968) y de filmar se primer cortometraje serio llamado Amblin (1968), un joven Steven Spielberg de tan sólo 24 años fue contratado por la Universal para realizar tres telefilmes. Fue precisamente la Universal la productora que poco tiempo atrás había adquirido los derechos de la historia de Matheson, con el objetivo de realizar una película cuyo protagonista sería el actor Gregory Peck. Cuando el actor rechazó el papel, la productora decidió realizar un telefilme con la historia de Matheson, cuya dirección terminaría recayendo en las manos de un entusiasmado Spielberg. Tras el enorme éxito que obtuvo la cinta al momento de su estreno en televisión, la ópera prima del director fue llevada a las pantalla grande en Europa con un montaje que ampliaba sus 74 minutos iniciales hasta casi 90.

Esta cinta es uno de los mejores ejemplos de un género propiamente norteamericano, que con los años ha ido ganando consistencia y aceptación por parte de la crítica; las road movies son films en los cuales el viaje en coche, además del desplazamiento físico que conlleva, marca emocionalmente al o los protagonistas. En esta ocasión, Spielberg usa el pretexto del viaje en automóvil para presentarnos un entretenido y agobiante relato de persecución, con algunas gotas de terror físico y psicológico, e incluso con un toque sobrenatural. Dando muestras de lo que sería un tema recurrente en las obras del director, éste nos presenta una historia en la cual un ciudadano común y corriente verá irrumpida su vida por un hecho absolutamente extraordinario, que sacudirá por completo su existencia haciéndolo vivir una experiencia que no necesariamente será agradable.

Tal y como sucede en el film Jaws (1975), con la llegada del peligroso escualo, o en las cintas Close Encounters of the Third Kind (1977) y E.T. (1982) con la llegada de los extraterrestres, en Duel el protagonista ve como su vida cambia de un momento a otro cuando un camión comienza a acecharlo sin razón aparente en el medio de una abandonada carretera. Sin lugar a dudas, la afición por contar historias donde lo cotidiano se termina convirtiendo en una pesadilla y cuyos protagonistas están poco preparados para enfrentar los problemas que se les presentan marca la clara influencia que el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, ha tenido en diversos cineastas a través de la historia. Esta cinta es el mejor ejemplo la influencia de Hitchcock sobre Spielberg: el protagonista se presenta como un tipo cobarde y falto de carácter, incapaz de defender a su esposa del acoso de otro hombre, que de un momento a otro se ve enfrentado a una situación tan peligrosa como absurda. Al igual que lo que sucede en la cinta de Hitchcock The Birds (1963), el ataque del camión no responde a ninguna lógica y la violencia hacia el protagonista es absolutamente desmesurada.

Y es que el gran triunfo de esta cinta y obviamente de su director es lograr entregar tanto a base de tan poco. Spielberg hace atractiva una simple historia de persecución entre dos personajes, con pocas escenas que interrumpen la irracional lucha del protagonista y su acosador motorizado. Esto lo logra debido a que presenta esta sencilla historia como si se tratara del un relato sobrenatural. El camión actúa como un enorme monstruo irracional, perverso y omnipresente, cuyo objetivo más allá de asesinar a David parecía ser el querer demostrar su supremacía sobre el pobre Plymouth rojo del protagonista. Se trata de una reedición moderna y tecnológica de la historia de David y Goliat, donde el terror psicológico prima durante gran parte de la cinta. Pese a la doble lectura que se le podría realizar a la trama (un ser mediocre es agobiado por una vida igualmente mediocre y monótona de la cual no puede escapar, encarnada por el camión sin conductor), el objetivo del film no es más que embarcar al espectador en un viaje turbulento cuyo ritmo frenético que no permite descanso alguno.

La actuación de Dennis Weaver es de gran nivel. Entrega una interpretación convincente durante todo el transcurso de la cinta, llevando sin problemas el peso dramático de ésta. Si bien no se profundiza demasiado en la personalidad del protagonista, el actor mediante los pocos diálogos que tiene logra transmitir su descontento con la vida que lleva, así como también el desasosiego y la impotencia que siente al verse acosado por un rival en apariencia imbatible. Spielberg logra crear una atmósfera agobiante, mediante el uso de planos cerrados, utilización de deformaciones visuales y una cantidad no despreciable de zooms. Esto es acompañado por el constante ruido de los motores del camión y del coche, junto con la adecuada incorporación de la música compuesta por Billy Goldenberg, en los momentos de mayor tensión.

Pocos directores pueden jactarse de haber debutado de manera tan notable dentro de la industria cinematográfica. Aunque la cinta no está exenta de imperfecciones, estas no opacan en lo más mínimo la estética ni la narrativa inteligente y bien lograda que presenta el director. Duel resalta como un ejercicio casi perfecto de suspenso narrativo, con el cual Spielberg además de adelantarnos ciertas temáticas que se repetirán en un buen número de sus obras posteriores, nos demuestra su capacidad de impresionar al espectador a base de historias simples. La película se rodó en 16 días y se contó con un presupuesto total menor al medio millón de dólares. Viendo el resultado final, es fácil comprender porque hoy en día Steven Spielberg es considerado como uno de los directores más populares e influyentes del medio. (Fantomas: CinemaScope)


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