lunes, 19 de noviembre de 2012

The River (Jean Renoir, 1950)



El río

Ficha Técnica:

Título original:

The River

Año:

1951

País:

Francia, India, Estados Unidos

Género:

Drama. Romance

Dirección:

Jean Renoir

Guión:

Rumer Godden & Jean Renoir (Novela: Rumer Godden)

Duración:

99 min

Reparto:

Patricia Walters, Adrienne Corri, Nora Swinburne, Esmond Knight, Arthur Shields, Thomas E. Breen, Radha Shri Ram, Suprova Mukerjee, Richard Foster.

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

528x384

Formato:

AVI

Tamaño:

782 MB


Sinopsis:
Historia de una joven perteneciente a una familia inglesa que vive en la India posterior a la guerra. Allí conocerá el amor por primera vez, la pérdida y todas las emociones propias de la bella y dura adolescencia. (FILMAFFINITY)


1951: Venecia: Premio Internacional

Primera película en color de Jean Renoir, se basa en la novela homónima de Rumer Godden (1947), de carácter semiautobiográfico. Se rodó en una localidad próxima a Calcuta, entre enero y mayo de 1950, si bien Renoir empezó a trabajar en el proyecto en 1947. Ganó el Premio de la Crítica Internacional de Venecia y fue nominada al León de oro. En los BAFTA consiguió 2 nominaciones (mejor película británica y mejor película). Fue producida por Kenneth McEldowney, próspero florista y agente de la propiedad de LA.

La acción tiene lugar en Calcuta, capital de Bengala occidental, junto al Ganges, en 1947/48, tras la independencia del país (15-VIII-1947). Narra la historia de Harriet (Patricia Walters), de 14 años, que vive con sus padres, su hermano Bogey (Richard Forster) y sus tres hermanas menores. El padre (Esmond Night) es director de una fábrica de tejidos de yute, propiedad del Sr. John (Arthur Shields), y su madre (Nora Swinburne) se ocupa de la casa, mientras espera el sexto hijo. La vida de Enriqueta se ve alterada cuando un joven americano, el capitán John (Thomas E. Breen), que ha perdido una pierna en la guerra, llega para pasar en la casa del Sr. John una temporada de convalescencia. Melania, Valeria y Harriet rivalizan en la tarea de atraer la atención del nuevo vecino.

La estética de la obra se basa en la construcción de composiciones visualmente similares a cuadros impresionistas, que evocan a August Renoir, padre del realizador. Une a un magnífico dibujo un cromatismo moderado y equilibrado. El autor presta gran atención a los niños, los de la casa y los de los alrededores; incluye numerosos personajes y muestra fervor por el agua, símbolo de la vida y del tiempo que pasa. Sin sacar la cámara de la casa y del jardin que la rodea, construye una atmósfera intensamente hindú, que traspira lirismo y autenticidad. Las disgresiones habituales en el autor muestran la fábrica de yute (homenaje al trabajo sacrificado de los peones), las escaleras que unen el río con templos, mansiones y monumentos; la fiesta de Diwili, dedicada a la luz, con abundantes fuegos artificiales; y el sueño de Harriet sobre el matrimonio de Melania, con danzas tradicionales. La placidez del río contrasta con la tensión que se establece entre las tres adolescentes y con momentos drmáticos.

La música recoge melodías populares indígenas, a las que se añade fragmentos de Schumann y Mozart. La fotografía ofrece una narración visual bellísima, en la que se enmarca un discurso coherente y muy fluído. El guión, escrito por el director en la India, refleja con autenticidad el espíritu del país. La interpretación de profesionales, noveles y personas del lugar, es sólida y convincente. La dirección ensaya nuevos recursos técnicos e innovadoras puestas en escena, con resultados excelentes.

La película trasmite la fascinación que siente Renoir por un país complejo, rico en tradiciones y costumbres ancestrales, festivo, multicolor y joven. (Miquel, FilmAffinity)


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Andrei Rublyov (Andrei Tarkovsky, 1966)



Andrei Rublev

Ficha Técnica:

Título original:

Andrei Rublyov (The Criterion Collection)

Año:

1966

País:

Union Sovietica

Género:

Drama. Biográfico. Siglo XV. Edad Media. Religión

Dirección:

Andrei Tarkovsky

Guión:

Andrei Konchalovsky, Andrei Tarkovsky

Duración:

185 min

Reparto:

Anatoly Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Nikolai Sergeyev, Irma Rausch, Nikolai Burlyayev, Yuri Nazarov, Yuri Nikulin

Datos del archivo:

Idioma:

Ruso / Comentario de audio (inglés sin subs) con subtítulos en español (srt) e inglés (idx/sub)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

608x256

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
A comienzos del siglo XV, el monje pintor Andrei Rublev acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, Rublev comenzará a percatarse de las torturas, crimenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso... La biografía del pintor ruso Andrei Rublev -Andrei Rubliov-, famoso por sus iconos, sirve de base para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en la Rusia de principios del siglo XV. (FILMAFFINITY)


1969: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI

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Zerkalo (Andrei Tarkovsky, 1975)



El espejo

Ficha Técnica:

Título original:

Zerkalo

Año:

1975

País:

Unión Soviética

Género:

Drama. Familia. Años 30.

Dirección:

Andrei Tarkovsky

Guión:

Andrei Tarkovsky, Alesandr Misharin

Duración:

101 min

Reparto:

Margarita Terekhova, Philip Yankovsky, Ignat Daniltsev, Oleg Yankovskiy, Nikolai Grinko, Alla Demidova, Innokenti Smoktunovsky, Anatoly Solonitsyn

Datos del archivo:

Idioma:

Ruso con subs en español incrustados

Calidad:

DVDRip

Resolución:

448x336

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Un hombre habla con su esposa sobre los motivos de su mutuo distanciamiento. (FILMAFFINITY)

Ponerse a descifrar y analizar a Tarkovski y en particular esta película sería una tarea ardua a la par que pedante y pretenciosa.

Cargada de símbolismo, onirismo metafórico, mística y poesía como para llenar una biblioteca, el Espejo de Tarkovski es un ejemplo de trascendencia y desarraigo narrativos. No interesa la trama. Pero trasciende. Imposible apartar los ojos de la pantalla. Ciento seis minutos embelasado, con cada diseño de plano, con la luz, con la magia. El Espejo alcanza cotas artísticas y estéticas tan altas que parece un lienzo de los maestros holandeses por momentos. El subconsciente despega y el viaje es maravilloso. El sueño meridiano pre-mortis de un hombre que revisita los recuerdos que han marcado su infancia a través de los ojos de su mujer, su madre, su hijo y él mismo siendo todos y ninguno a la vez. Un espejo para el espectador que convierte la película del genio ruso en su propio reflejo, en su propia historia. Impresiones, sensaciones, olores. Los cuatro elementos testigos hilvanadores de los ciclos vitales. El misterio de la vida, de los sueños, de lo inerte. La belleza de las palabras y de los objetos. Arte y poesía. Las estaciones. La tristeza, el llanto. La pérdida de la inocencia. Los temores, las pulsiones. El amor de madre, el primer amor.

La película comienza con una sesión de hipnosis para curar un defecto en el habla de un adolescente que no es capaz ni de decir su nombre. Tarkovski nos prepara de este modo para que comprendamos que sólo desde el subconsciente podemos ver el alma humana e intentar comprender el gran misterio del amor y la muerte. El último travelling, es el último verso del poema de la vida, el instante eterno de dos amantes sobre la hierba y el grito del niño a manos de su madre, que aúlla haber vuelto a nacer, mientras la cámara se adentra en el sombrío y misterioso bosque que es la muerte. Arte y trascendencia en estado puro. Genios de esta categoría no son de este mundo, y al igual que los Da vinci, Bach, o Shakespeare están aquí para hacernos pensar en la condición humana y en la belleza innata e implícita que trasciende de la vida el amor y muerte. (Borx, FilmAffinity)


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Mystery Submarine (Douglas Sirk, 1950)




El submarino fantasma

Ficha Técnica:

Título original:

Mystery Submarine

Año:

1950

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Bélico. Intriga

Dirección:

Douglas Sirk

Guión:

George W. George, George F. Slavin, Ralph Dietrich

Duración:

Reparto:

Macdonald Carey, Märta Torén, Robert Douglas, Carl Esmond, Ludwing Donath, Jacqueline Dalya, Fred Nurney, Katherine Warren, Howard Negley, Bruce Morgan, Ralph Brooks, Paul Hoffman, Peter Michael, Larry Winter, Frank Rawls, Peter Similuk

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en francés incrustados y subs en español y portugues (srt)

Calidad:

VHSRip

Resolución:

512x384

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Drama bélico en torno a los secretos atómicos, ambientado en la época de la II Guerra Mundial. En un submarino alemán se encuentra secuestrado un importante científico. Un agente encubierto de Estados Unidos (Macdonald Carey) intenta que 'el secreto' no caiga en manos equivocadas. Tendrá obstáculos, entre ellos una bella mujer (Märta Torén) que parece trabajar para el enemigo. (www.decine21.com)

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The Court-Martial of Billy Mitchell (Otto Preminger, 1955)




El proceso de Billy Mitchell / Consejo de guerra / La corte marcial de Billy Mitchell

Ficha Técnica:

Título original:

The Court-Martial of Billy Mitchell

Año:

1955

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Bélico. Biográfico. Drama judicial

Dirección:

Otto Preminger

Guión:

Ben Hecht, Emmet Lavery, Milton Sperling, Dalton Trumbo, Michael Wilson

Duración:

100 min

Reparto:

Gary Cooper, Charles Bickford, Ralph Bellamy, Rod Steiger, Elizabeth Montgomery, Fred Clark, Jack Lord, Darren McGavin, Stephen Roberts, Will Wright

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

624x448

Formato:

AVI

Tamaño:

999 MB


Sinopsis:
Al acabar la Primera Guerra Mundial (1914-1918), cuando la aviación militar acababa de nacer y los aviones sólo servían para misiones de reconocimiento, el Brigadier General Billy Mitchell vislumbra su potencial destructivo y concibe la idea de transformarlos en bombarderos y cazas de combate. Pero sus superiores se muestran muy escépticos al respecto. Cuando Mitchell inicia una campaña en favor de la creación de un Ejército del Aire, es acusado de traición y sometido a un consejo de guerra. Pese a los esfuerzos del ejército para mantener en secreto el proceso, éste se convierte en una auténtica bomba informativa. A partir de ese momento, se pondrá de manifiesto la incompetencia del ejército frente a las ideas de un hombre con una gran visión de futuro. (FILMAFFINITY)


1955: Nominada al Oscar: Mejor historia y guión

Parece ser que la verdadera familia de Mitchell se quedó un tanto sorprendida del autocontrol de Billy en el film. Al parecer su genio iba más en la línea James Cagney que en la Gary Cooper. De cualquier manera esto no tiene demasiada importancia, como tampoco la tiene si las bombas lanzadas en las pruebas de eficacia aérea fueron autorizadas por el alto mando o no lo fueron. Pecata minuta. Lo realmente importante es que un hombre con principios, militar por más señas, indignado por la ceguera de unos estamentos militares que no veían más allá de sus narices y que miraban para otro lado cuando los "chalados" morían en sus "locos cacharros" se atrevió a enfrentarse al "establishment" a través del cuarto poder (¿ O es ya el primero?) y que Preminger ha transmitido su historia a través de las generaciones para que la sociedad sepa donde estaba el mítico país de los ciegos.

En el terreno cinematográfico podemos hablar de un buen trabajo de un Gary Cooper cuyo rostro delataba, más que la edad, la terrible enfermedad que le vencería pocos años después así como de las presencias interesantes de Ralph Bellamy o Rod Steiger. Preminger, como demostró en Anatomía de un asesinato, sabe manejarse bien entre las bambalinas de los juzgados y transmitir el "in-crescendo" de la tensión. Rod Steiger como "machacante" fiscal lo hace bien, pero machaca tanto que los espectadores estamos en un tris de ver destrozados todo aquello que en el curso del film habíamos ido atesorando como valores indelebles. Insistentes y machacantes filosofías etéreas en boca de un fiscal al servicio de las poltronas de dos ejércitos negándole el paso a un tercero, la Air Force, al que relegaban a sacar fotografías aéreas y poco más.

Por cierto, la predicción de Billy Mitchell del ataque japonés a Pearl Harbour no fue una frivolité de Preminger al servicio de la comercialidad de su película. No. En realidad lo dijo Billy. ¿Nostradamus revival? ¡Ahí queda eso!. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)


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The Searchers (John Ford, 1956)



Centauros del desierto/ Más corazón que odio

Ficha Técnica:

Título original:

The Searchers

Año:

1956

País:

Estados Unidos

Género:

Western. Aventuras. Racismo

Dirección:

John Ford

Guión:

Frank S. Nugent

Duración:

119 min

Reparto:

John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles, John Qualen, Olive Carey, Henry Brandon, Ken Curtis, Harry Carey Jr., Hank Worden

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x368

Formato:

AVI

Tamaño:

697 MB


Sinopsis:
Texas. En 1868, tres años después de la guerra de Secesión, Ethan Edwards, un hombre solitario, vuelve derrotado a su hogar. La persecución de los comanches que han raptado a una de sus sobrinas se convertirá en un modo de vida para él y para Martin, un muchacho mestizo adoptado por su familia. (FILMAFFINITY)

Eminente western de John Ford, para algunos el mejor de su filmografía. Escrito por Frank S. Nugent ("Fort Apache"), yerno de Ford y colaborador suyo en varios films, adapta la novela "The Searchers" (1954), de Alan LeMay. Se rueda en exteriores de Utah (Monument Valley), California (Bronson Canyon) y Colorado y en los RKO Studios (CA). Producido por Merian C. Cooper ("La legión invencible") y Patrick Ford, se estrena el 13-III-1956 (EEUU).

La acción tiene lugar en Texas y territorios próximos, a lo largo de 5 años, en 1868-73. Ethan Edwards (Wayne) es un personaje atormentado, solitario, obsesivo, terco y racista, que emprende junto con Martin (Hunter) la búsqueda de su sobrina, la pequeña Debbie (Wood), que los comanches han secuestrado tras asesinar a sus padres.

El film suma western, aventura y drama. Como western es una obra atípica y singular en muchos aspectos. Desarrolla un relato sombrío, en el que el protagonista se mueve a impulsos de deseos dudosos y oscuros, alejados de la iconografía del héroe y de la mitología del género ¿A qué se debe su sed de venganza? ¿Por qué alienta unas ansias de matar irracionales? ¿Cuáles son las intenciones reales que le impulsan a buscar a la sobrina? ¿Lo hace porque quiere matarla, como sospecha Martin? ¿En qué medida influyen en él sus frustraciones y derrotas? ¿Cuáles son realmente sus fantasmas interiores? ¿Padece algún tipo de trastorno psicológico?

El comportamiento de Ethan muestra afanes contrarios a los códigos morales de la sociedad que le rodea (desea a la mujer del hermano, a su sobrina Lucy...). No oculta una actitud racista explícita, descarada, agresiva y exagerada (odia a los indios, les dispara por la espalda...). Practica una violencia desmesurada y escalofriante. Conoce los referentes de los comanches, como demuestra al disparar a los ojos de un comanche muerto para que sus hermanos de tribu sufran pensando que el alma del difunto no conocerá el reposo. Su comportamiento se basa con frecuencia en reacciones primarias, compulsivas y viscerales, en las que no anida la compasión, la comprensión, la tolerancia, el afecto, el respeto. Sumido en un abismo de odio y vileza, conforma uno de los personajes más crudos, desabridos, trágicos e intensos de Ford. Su caracterización, dramática y terrible, incorpora hechuras y dimensiones propias de un personaje de Shakespeare. A través de él, Ford explora algunos de los rincones más oscuros del ser humano y de la conciencia colectiva norteamericana. Algunos críticos advierten paralelismos entre Ethan Edwards y Travis Blickle, el protagonista de "Taxi Dirver".

La narración deviene una odisea que enfrenta al personaje con lo que parece ser su inevitable destino de calamidades, adversidades, derrotas y desarraigo. Al servicio del relato, Ford despliega un estilo claro, limpio, transparente, equilibrado y natural, que enriquece con toques líricos (la puerta que se abre al comienzo y se cierra al final) y emotivos (abrazo de Ethan a Debbie tras elevarla al aire con los brazos). Como es habitual en Ford, abundan los toques de humor. En esta ocasión se apoyan en razones de situación (compra por error de una esposa india), en personajes excéntricos (Mose Harper), en la extraña manera de hablar (Lars Jorgensen), etc.

La música, de Max Steiner, aporta una rica y variada partitura de más de 30 temas. Incorpora canciones de época ("The Yellow Rose Of Texas", 1853) y la balada "The Searchers", de Stan Jones, que se canta al inicio y al final de la cinta. La melodía en off de "Lorena" subraya el interés concupiscente de Ethan por su cuñada Martha (Jordan). La fotografía muestra la notable habilidad de Ford para la composición de imágenes, su admiración por la belleza, exotismo y grandiosidad del paisaje de Monument Valley, el acertado uso que hace de emotivos contraluces crepusculares y el dominio de una rica paleta de color. Gran interpretación de Wayne, en el que posiblemente es su mejor western. Película de culto para muchos. (Miquel, FilmAffinity)


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The Nun's Story (Fred Zinnemann, 1959)




Historia de una monja

Ficha Técnica:

Título original:

The Nun's Story

Año:

1959

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Religión. África.

Dirección:

Fred Zinnemann

Guión:

Robert Anderson (Novela: Kathryn Hulme)

Duración:

149 min

Reparto:

Audrey Hepburn, Peter Finch, Edith Evans, Peggy Ashcroft, Dean Jagger, Mildred Dunnock, Beatrice Straight, Patricia Collinge, Rosalie Crutchley, Ruth White, Barbara O'Neil, Margaret Phillips, Patricia Bosworth, Colleen Dewhurst, Stephen Murray, Lionel Jeffries, Niall MacGinnis

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x352

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Una joven (Hepburn), perteneciente a la clase media belga, ingresa como novicia en un convento. Tras profesar como monja, la hermana Luke es enviada al Congo a trabajar como enfermera en una misión. Para su sorpresa será destinada a un hospital para blancos, como ayudante de un cirujano. (FILMAFFINITY)


1959: 8 nominaciones al Oscar, incluyendo, película, director, actriz (Hepburn), fotografía
1959: Festival de San Sebastián: Concha de Oro (mejor película) y mejor actriz (Hepburn)
1959: National Board of Review: Mejor película
1959: Premios David di Donatello: Mejor actriz extranjera (Audrey Hepburn)

Decimoquinto largometraje del austríaco Fred Zinnemann (1907-97) (“Solo ante el peligro”, 1952). El guión, de Robert Anderson ("Té y simpatía”, Minelli, 1956), adapta la novela biográfica “The Nun’s Story” (1956), de Kathryn C. Hulme, basada en la vida de Marie-Louise Habets (1905-86). Se rueda del 24/I al 25/VI de 1958 en escenarios reales de Bélgica (Brujas, Froyenne y West-Vlaanderen) y de la República del Congo (Kisangani, leprosería, estación de ferrocarril y mercado nativo) y en los platós de Cinecittà (Roma), con un presupuesto de 3,5 M USD. Nominado a 8 Oscar, gana un Bafta (actriz) y la Concha de plata (actriz) de San Sebastián. Producido por Henry Blanke para la Warner, se proyecta por primera vez en público en sesión de preestreno el 18-VI-1959 (NYC).

La acción dramática tiene lugar entre 1927 y 1944 en Bélgica y, sobre todo, en la República del Congo. Gabriela van der Mal (Hepburn), de unos 22 años, de familia acomodada, hija de un reputado cirujano viudo, pese a las reticencias paternas, ingresa como postulante en el convento de las Hermanas de la Caridad de Jesús y María, congregación fundada en 1803 por Peter Triest en Lovendegen (Bélgica). Como religiosa toma el nombre de hermana Luke y cursa estudios de enfermería en la Escuela de Medicina Tropical. El papel de la madre Emmanuelle, superiora, corre a cargo de Edith Evans y el de cirujano belga Dr. Fortunati, que trabaja en Kisangani, a cargo de Peter Finch.

El film desarrolla un drama psicológico. Compone el retrato profundo, detallado y consistente de un personaje singular y apasionante, de extraordinaria penetración y riqueza de detalles. Ocupa el centro del relato y se presenta construido con habilidad y esmero. La aportación más importante de la cinta viene dada por la profundidad psicológica de su análisis y la sutileza de los medios empleados en la tarea. La evolución del personaje a lo largo de 17 años intensos de vida, con cambios de destino y trabajos, se basa en un brillante conocimiento y manejo de los recursos psicológicos y de la fuerza de afirmación de una personalidad humana que se sitúa fuera de lo común. Luke es batalladora, generosa, entregada y dispuesta incondicionalmente al servicio de los demás.

La descripción de las incidencias que marcan su experiencia misionera y monástica atesora entre líneas la exploración de su lucha interior, la nobleza de sus sentimientos y, sobre todo, la eclosión que se produce en la sociedad occidental de una matriz nueva de valores superiores a los tradicionales, que se han demostrado insuficientes para inspirar y motivar la vida colectiva de una sociedad con nuevos problemas, nuevas metas y nuevas necesidades, a raíz de la IIGM y sus consecuencias. La madre Luke (Hepburn) sufre en su intimidad los embates de la confrontación que se produce en el mundo entre valores emergentes y caducos, valores nuevos y viejos, valores de presente y los del pasado.
spoiler:
La solidaridad, la iniciativa, el espíritu crítico, la rebeldía, la innovación, la capacidad de adaptación al cambio y otras virtudes similares, desplazan de sus antiguas posiciones a la obediencia, el sometimiento, la prudencia, el sacrificio, la acomodación, el silencio, la oración y la negación de la iniciativa personal, etc.

Resulta particularmente brillante la secuencia en la que, entre líneas y de modo contenido, se desarrolla la lucha entre la potente concupiscencia de la madre Luke y las tentaciones que le inspiran diversos elementos de su entorno. La batalla entre la castidad y el amor físico crea unos momentos culminantes, resueltos con sutilezas, sin palabras, sin gestos aparentes y con emoción reprimida. Para mi es inolvidable la encarnación de las contradicciones que se plantean en la conciencia de la protagonista entre la obediencia y la eficacia de la acción al servicio de los más necesitados. Creo que es sobrecogedora la justificación que se desvela disimuladamente de la contemporización que adopta la Iglesia ante la ocupación nazi de Bélgica (28-V-1940), al amparo de principios de prudencia y legítima autodefensa.

La interpretación de Hepburn (28 años), que no profesaba ninguna religión, es magnífica y emocionante. A través de su rostro, expresiones contenidas, gestos tenues y con frecuencia con la propia inmovilidad cubierta por los hábitos, entrega un gran trabajo, que se gana la simpatía del público y el favor de la crítica. Son muy meritorios los papeles de la superiora, Rvda. madre Emmanuelle, y del cirujano Peter Finch. El film, supervisado por un grupo de frailes dominicos nombrado al efecto, evita todos los elementos polémicos y críticos y realza con detallismo minucioso (muy propio del realizador) algunas de las virtudes y rigores propios de los conventos católicos antes del Concilio Vaticano II (1962-1965), como se deja ver en la primera parte de la obra. Las sugerencias críticas se contienen sólo en el subtexto y en elementos subliminales del texto.

La banda sonora, de Franz Waxman, compone una partitura de tonos épicos, rasgos grandilocuentes y sugerencias laudatorias, grata a los oídos del espectador. Añade cortes de melodías conventuales y de algunos cánticos religiosos, como el “Adeste fideles”. La fotografía, de Franz Planer (“Vacaciones en Roma”, Wyler, 1953), aporta una narración académica, clara, bien construida y de tonos austeros. Añade unos pocos juegos de cámara y planos generales de exaltación religiosa y monástica, como las perspectivas generales de la capilla con motivo de ceremonias religiosas u oraciones conventuales. Contiene valores documentales de naturaleza religiosa y social, referidos a la época en la que se producen en el mundo grandes cambios en la definición y jerarquía de los valores y principios de la convivencia y cohesión social.


Bibliografía

Pedro CRESPO, “Historia de una monja”, ‘Notorious ed.’, 32 págs., Madrid 2009.
(Miquel, FilmAffinity)

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Smultronstället (Ingmar Bergman, 1957)




Fresas salvajes / Cuando huye el día

Ficha Técnica:

Título original:

Smultronstället (The Criterion Collection)

Año:

1957

País:

Suecia

Género:

Drama. Vejez

Dirección:

Ingmar Bergman

Guión:

Ingmar Bergman

Duración:

92 min

Reparto:

Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam, Naima Wifstrand, Jullan Kindahl

Datos del archivo:

Idioma:

Sueco con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

656x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,41 GB


Sinopsis:
El profesor Borg, un eminente físico, debe ir a Estocolmo para recibir un homenaje de su universidad. Sobrecogido, tras un sueño en el que contempla su propio cadáver, decide emprender el viaje en coche con su nuera, que acaba de abandonar su casa, tras una discusión con su marido, que se niega a tener hijos. Durante el viaje se detiene en la casa donde pasaba las vacaciones cuando era niño, un lugar donde crecen las fresas salvajes y donde vivió su primer amor... (FILMAFFINITY)


1959: Nominada al Oscar: Mejor guión original
1959: Globo de Oro: Mejor película extranjera
1959: National Board of Review: Mejor película extranjera, Mejor actor (Sjöström)
1958: 2 nominaciones al BAFTA: Film internacional, Actor extranjero (Sjöström)
1958: Festival de Berlín: Oso de Oro, Premio FIPRESCI

Es uno de los films más acreditados de Bergman (1918-2007), que lo escribe y dirige. Se rueda en escenarios naturales de Lund, Dalaro, Faro, Waten y Ango (Suecia) y en los platós de Svensk Filmindustri (Estocolmo). Nominado a un Oscar (guión original), obtiene el Oso de oro de Berlín (Bergman), el FIPRESCI de Berlín (Sjöström) y el premio de la crítica italiana (Bergman). Producido por Allan Ekelund (“Como en un espejo”, 1961) para Svensk Filmindustri, se estrena el 26-XII-1957 (Suecia).

La acción dramática tiene lugar en Suecia a lo largo de una jornada de 24 horas en la que el protagonista viaja en coche desde Estocolmo, donde vive, a Lund, ciudad universitaria, donde estudió y se graduó y donde vive su hijo. El motivo del viaje es su asistencia a la solemne celebración académica del 50 aniversario (jubileo) de su titulación como doctor. La distancia entre Estocolmo y Lund es de unos 700 Km. y su recorrido en coche, con paradas, consume unas 14 horas. El protagonista es el eminente doctor en medicina Isak Borg (Sjöström), de 78 años, viudo, vástago de una familia de 10 hermanos, que ha vivido inmerso en el trabajo y ha descuidado los aspectos emocionales y de relación con los demás. Acompañado de su nuera Marianne (Thulin), se detiene en la casa de verano que ocupaba la familia en tiempos de su infancia y juventud; visita a su madre, de 96 años; recoge a 3 autostopistas jóvenes que van a Italia; se topa con el matrimonio formado por Sten Alman (Sjöberg) y su mujer Verid (Broström); etc.

El profesor es egoísta, frío, insensible, retraído y solitario. Sara (Andersson), la joven autostopista, es extrovertida, afectuosa, simpática y vivaz. La nuera Marianne es reservada y melancólica, vive volcada en la emotividad, la afectividad y los deseos de maternidad. Evald (Björnstrand), catedrático de medicina, es egoísta, vanidoso, reservado, cínico y no quiere tener hijos. Agda (Kindahl), la asistenta, es perspicaz, atenta, afectuosa, práctica y de criterio independiente.

El film es un drama que abarca la vertiente interior e íntima del protagonista y sus relaciones con los que le rodean. Bergman escribe el guión durante unos meses de reposo en un centro sanitario a causa de una dolencia que le retiene en cama. El protagonista realiza un doble viaje (en el tiempo y en el espacio físico) de introspección, observación, reflexión y evaluación de lo que ha sido su vida, tarea que le permite conocerse mejor. A la vez, da al espectador la oportunidad de conocerle con cierta profundidad. Le motivan dos hechos principales: la proximidad que siente de la muerte y el homenaje jubilar que va a recibir en la Universidad de Lund. La revisión de sus recuerdos de infancia, del primer amor y de la primera decepción amorosa, de su matrimonio, de su trayectoria profesional, de las relaciones personales y otros extremos, vienen a constituir un balance de fin de trayecto o de culminación de una vida.

Bergman construye un soberbio dibujo de la vejez. Se sirve para ello de un anciano que ha tenido una vida activa, relevante y acreditada. Lo presenta cargado de recuerdos, lúcido, autónomo, sarcástico, crítico consigo mismo, ansioso de conocer el balance de lo que ha sido su vida. Sin sentimentalismos anacrónicos y sin complacencias fáciles revisa, analiza y pondera. La tarea es compleja y difícil, más de lo que esperaba, El resultado, suma de valores diversos, contrapuestos y en ocasiones contradictorios, no admite un veredicto final simple, sencillo y claro. Por ello, tras la ceremonia jubilar, decide escribir la crónica del día. El relato no es otra cosa que el guión del film.

El tema central es el miedo a la muerte vista desde la vejez. Suma otros temas preferidos del autor, como la soledad, el paso del tiempo, la pérdida de facultades. Añade otros temas, como la vida, la infidelidad conyugal, la relación entre el presente y el pasado, el descubrimiento y la perdida del amor, la nostalgia del pasado, etc. Cuestiona los valores de la familia y de la pareja estable. Son escenas memorables la secuencia onírica inicial (relojes sin agujas, rostros sin ojos, coche fúnebre sin cocheros...), la del examen de medicina y el encuentro idílico con sus padres en el bosque (evocación de lo que desea que hubiera sucedido). Destilan ironía y fino humor las conversaciones con la ama de llaves, Agda. Plantea temas filosóficos el debate entre Anders (Sundquist) y Viktor (Bjelfvenstam) sobre racionalismo y misticismo.

Hace uso de símbolos, alegorías y metáforas, aunque en menor medida que en otras ocasiones. Las fresas salvajes son símbolo de juventud, primavera, amor puro y felicidad. La autostopista Sara es el símbolo de la mujer moderna, autónoma, que ha roto con los tabúes del pasado, practica el amor libre y goza de nuevas formas de relación hombre-mujer. La madre, de 96 años, encarna la fragilidad, la pérdida de facultades, la inseguridad y la soledad del anciano. La pareja del ingeniero y su mujer es la imagen del matrimonio convencional inviable e insoportable.

La interpretación de Sjöström es magnífica. Fue el cineasta sueco más importante de su tiempo. Trabajó en Hollywood como actor y como realizador. Dirigió varios films, como “El viento” (1928), protagonizado por Lillian Gish, y “La mujer divina” (1928), protagonizado por Greta Garbo. Falleció 2 años después del rodaje.

La música, de Eric Nordgren, aporta una partitura de acompañamiento ajustada y eficaz. Añade la canción tradicional “Ja, maa han Leva!”, la “Marcha del rey Carlos” y otras marchas. La fotografía, de Gunnar Fisher, en B/N, envuelve el relato en una estética realista, incluidas las escenas oníricas, imaginarias o soñadas, que identifica con claridad. Hace uso de sugerentes contrastes de luz y de un admirable juego de claroscuros.

Film mítico y de culto. Tuvo gran éxito en los circuitos de “arte y ensayo”. Mantiene su interés y vigor. Gran película. (Miquel, FilmAffinity)


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The Ten Commandments (Cecil B. DeMille, 1923)




Los diez mandamientos

Ficha Técnica:

Título original:

The Ten Commandments

Año:

1923

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Religión. Antiguo Egipto. Muda.

Dirección:

Cecil B. DeMille

Guión:

Jeanie Macpherson

Duración:

130 min

Reparto:

Theodore Roberts, Charles de Rochefort, Estelle Taylor, Julia Faye, James Neill, Edythe Chapman, Richard Dix, Rod La Rocque, Leatrice Joy

Datos del archivo:

Idioma:

Muda con intertitulos en inglés y subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip gracias a blackhawk

Resolución:

608 x 448

Formato:

Avi

Tamaño:

1.45 GB


Sinopsis:
Primera épica bíblica de la historia de Moisés dirigida por el propio Cecil B. DeMille, y que repetiría en 1956. Se narra la historia de Moisés desde su infancia, cuando su madre lo abandonó en las aguas del río Nilo y fue salvado por la hija de Ramsés I, hasta la revelación de los Diez Mandamientos en el monte Sinaí. (FILMAFFINITY)

Cecil B. De Mille realizó su primera versión de "Los Diez Mandamientos" en 1923. La película pertenece al género de cine mudo en blanco y negro lógicamente dado el año en que se hizo. Sin embargo, hay una parte de la película que está en Technicolor pero usando únicamente dos colores, en la segundad mitad del prólogo. Esta versión es todo un clásico dentro del cine mudo y como hemos comentado al principio de esta Web dedicada a "Los Diez Mandamientos", durante mucho tiempo, una parte de la crítica cinematográfica escribió que la versión de 1923 era mejor que la de 1956.
Aunque se trata del mismo título y del mismo director, creo que son dos películas muy diferentes que no deberían compararse para ver cual es mejor. La versión de 1923 dura 136 minutos y se compone de dos partes. La primera, más corta, dura 45 minutos y se titula "El Prólogo", hablando de la vida de Moisés desde que se presenta ante el Faraón para pedirle que deje libre a su pueblo, hasta que conduce al pueblo de Israel al pie del Monte Sinaí para recibir las Tablas de la Ley

En 1923 De Mille se había convertido en una figura de resonancia mundial, casi un mito a la altura de las estrellas entonces en alza: Gloria Swanson, Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Rodolfo Valentino... Con el apoyo de Lasky y el magnate Adolph Zukor, De Mille iba a poner en pie la hasta entonces más espectacular historia jamás firlmada, la odisea de Moisés, 'The Ten Commandments'.

Jeannie McPherson fue, una vez más, la encargada de elaborar el guión. En un principio iba a tratarse de una historia a través de épocas, al estilo de 'Intolerance', pero como ella misma explicara en una artículo publicado en el "Chicago Tribune" el 9 de mayo de 1925, aquella forma resultaba insatisfactoria: era mejor construir una sola gran historia. Al final se mantuvo una temática desarrollada en la época contemporánea: una madre y dos hijos, uno justo y generoso, otro malvado. Después de esta apología moralista el guión se centraría en la odisea de Moisés narrada en el Exodo. Toda la maquinaria de la Compañía Lasky se movilizó para el rodaje: investigaciones históricas, decorados y vestuario de la época. A mediados de abril de 1923 todo estaba listo para comenzar. Theodore Roberts sería Moisés, Charles de Roche encarnaría a Ramsés y Julia Faye a la mujer del faraón; en la historia moderna, el trío protagonista serían Richard Dix, Rod La Rocque y Edythe Chapman.

El rodaje de 'The Ten Commandments' constituyó por sí mismo una aventura épica, sobre todo por sus secuencias monumentales: el éxodo del pueblo judío cuando consigue la libertad, la posterior persecución del ejército egipcio, un momento de extraordinaria belleza épica y, por supuesto, la mítica separación de las aguas del Mar Rojo, una de las secuencias más recordadas de la historia del cine. Para animar el rodaje e inspirar la interpretación de los actores De Mille insistía en montar una gran orquesta dirigida por Rudolph Berliner, que ejecutase música militar en los momentos épicos o la que resultase adecuada en cada momento. La película, en suma, a pesar de una cierta irregularidad en el desarrollo de la narración, producto tal vez de la primitiva concepción del guión como historias independientes, mantiene un elevado tono de espectacularidad y emoción. Se estrenó en el George M. Cohan Theatre, de New York, el 21 de diciembre de 1923, constituyendo un extraordinario éxito de público; la crítica fue variopinta pero, en general, también fue favorable. (blackhawk, Patio de Butacas)


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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):
 https://1fichier.com/?uhx5c5arm4

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