sábado, 17 de noviembre de 2012

Das indische Grabmal: Der Tiger von Eschnapur (Joe May, 1921)




La tumba india: El tigre de Esnapur

Ficha Técnica:

Título original:

Das indische Grabmal: Der Tiger von Eschnapur

Año:

1921

País:

Alemania

Género:

Aventuras. Muda

Dirección:

Joe May

Guión:

Fritz Lang, Thea von Harbou (Novela: Thea von Harbou)

Duración:

100 min

Reparto:

Olaf Fønss, Mia May, Conrad Veidt, Erna Morena, Bernhard Goetzke, Lya De Putti

Datos del archivo:

Idioma:

Muda con intertitulos en inglés y subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

608x448

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Esta versión primera es colosal, vaya por delante, superproducción con megadecorados de cartón piedra, elefantes de verdad, palacios auténticos y docenas de extras con turbante. Joe May, hombre de prestigio entonces, es un esteta que cuida los planos como si fuesen cuadros, a veces con ese expresionismo de pesadilla que tan bien se ajusta al concepto europeo de "lo oriental": estatuas de extraños dioses, odaliscas, templos subterráneos, atavíos insólitos, cráneos mondos y luengas barbas.
Además el elemento fantástico que falta en la moderna abunda aquí generosamente. La primera parte está cuajada de maravillas, todo cuanto traiga ecos de ocultismo exótico aparece de algún modo: viajes en el medio astral, la resurrección de un muerto, magia, hasta una mano etérea que flota en el aire. El clímax se alcanza con la cámara secreta en que los locos fakires se inflingen martirios para alcanzar el Nirvana, en escena literalmente alucinante. Una fotografía excelsa y unas interpretacio--nes voluntariamen-te artificiosas a tono con lo ceremonioso del relato -magnífico Conrad Veidt, Rey Teutón de los Miedos Silentes- contribuyen a forjar la Gran Obra. Lástima que el elemento melodramático, nudo de la trama, no cuaje igual de bien. Y es que ante la magia y la aventura pura poco pueden las historias de amor de dos amantes provectos o los adulterios de la esposa del rajáh. Con todo, durante sus casi cuatro horas me mantuve boquiabierto más de dos, sin poder dar crédito a tanta belleza como desfilaba ante mis ojos. Cómo debía añorar el señor May veinte años más tarde, mientras rodaba en Hollywood toda clase de series B (El Hombre Invisible vuelve, entre otras) los viejos buenos tiempos de las superproducciones arias. Y es qué quieren que les diga, Lang se saldría con la suya... pero nada tiene que envidiar esta versión muda a la moderna en colores. Que no sea más bien al contrario, miren lo que son las cosas... (Blackhawk, Patio de Butacas)

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Das indische Grabmal: Die Sendung des Yoghi (Joe May, 1921)




La tumba india: La misión del Yogi

Ficha Técnica:

Título original:

Das indische Grabmal: Die Sendung des Yoghi

Año:

1921

País:

Alemania

Género:

Aventura. Muda

Dirección:

Joe May

Guión:

Fritz Lang, Thea von Harbou (Novela: Thea von Harbou)

Duración:

120 min.

Reparto:

Olaf Fønss, Mia May, Conrad Veidt, Erna Morena, Bernhard Goetzke, Lya De Putti

Datos del archivo:

Idioma:

Muda con intertitulos en inglés y subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

608x448

Formato:

AVI

Tamaño:

1,41 GB


Sinopsis:
Esta versión primera es colosal, vaya por delante, superproduc---ción con megadecorados de cartón piedra, elefantes de verdad, palacios auténticos y docenas de extras con turbante. Joe May, hombre de prestigio entonces, es un esteta que cuida los planos como si fuesen cuadros, a veces con ese expresionismo de pesadilla que tan bien se ajusta al concepto europeo de "lo oriental": estatuas de extraños dioses, odaliscas, templos subterráneos, atavíos insólitos, cráneos mondos y luengas barbas.Además el elemento fantástico que falta en la moderna abunda aquí generosamente. La primera parte está cuajada de maravillas, todo cuanto traiga ecos de ocultismo exótico aparece de algún modo: viajes en el medio astral, la resurrección de un muerto, magia, hasta una mano etérea que flota en el aire. El clímax se alcanza con la cámara secreta en que los locos fakires se inflingen martirios para alcanzar el Nirvana, en escena literalmente alucinante.(Blackhawk, Patio de Butacas)

Todo empezó como casi siempre en el Lang alemán, con un texto en forma de novela o de guión escrito por quien sería su esposa desde 1922 hasta su partida de Alemania, Thea von Harbou. "La tumba india se publicó por entregas en 1917 en la revista "Berliner Illustriete" y al poco tiempo se editó como novela. Tres años después, uno de los cineastas mas destacados del panorama alemán de la época, Joe May, compró los derechos y encargó a Lang y Von Harbou la adaptación, fue el primer trabajo del futuroo tandem creativo de Los Nibelungos, Metrópolis y Spione, enre otros films. Lang quería dirigir la película, en una etapa de su obra marcada por la fascinación por el serial y el exotismo geográfico - la saga de las arañas (1919) - pero May se impuso y acabó realizando personalmente la película, dividida en dos partes - Die sendung des Yoghi (La misión del Yogui) y Das indische Grabmal (la tumba india) - bajo el título general de Das Indische Grabmal (La tumba india, 1921)

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Seemabaddha (Satyajit Ray, 1971)



Company Limited / Compañia limitada

Ficha Técnica:

Título original:

Seemabaddha

Año:

1971

País:

India

Género:

Drama

Dirección:

Satyajit Ray

Guión:

Satyajit Ray (Novela: Manisankar 'Sankar' Mukherjee)

Duración:

108 min

Reparto:

Barun Chanda, Harindranath Chatterjee, Parumita Chowdhury, Sharmila Tagore, Ajoy Banerjee, Haradhan Bannerjee

Datos del archivo:

Idioma:

Bengalí con subs en inglés y en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a pgmele

Resolución:

640x496

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Drama psicológico que sigue el ascenso de un joven ejecutivo dentro de una compañía y su lenta inmersión en la corrupción, vista a través de los ojos de su joven cuñada. Shyamal (Barun Chanda) es un encargado ambicioso dentro de una firma británica en Calcutta. Está casado con Dolan, y vive en un piso de la compañía. Aspira a ser el director de la compañía. Para ello tendrá que competir con un compañero que tiene un pariente en la junta directiva. Su cuñada Tutul (Sharmila Tagore) llega de Patna para pasar algunos días con ellos. Ella ha sido un gran admirador del ideologista Shyamal y estaba celosa de la unión de su hermana con él. Tutul es la conciencia de Shyamal. Shyamal le mostrará los placeres de la vida de la ciudad: los partidos de coctel, los clubs y las carreras de caballos. (FILMAFFINITY)

Elegante drama urbano, segundo film de la Trilogía de Calcuta de Ray, que aborda con la habitual sensibilidad e inteligencia del director la escalada hacia el éxito profesional en una multinacional de un joven universitario. Personajes bien escritos, en particular el protagonista y la cuñada, en un excelente guión carente de situaciones gratuitas e innecesarias y una puesta en escena tan sutil como imaginativa, en particular en su utilización de los espacios y objetos con valor dramático (por ejemplo la escena de la cortina y la estantería separando espacios). Ray vuelve a acertar en un trabajo que aborda temas como la corrupción o las distancias sociales en las grandes ciudades indias. Los pequeños detalles van hilvanando internamente el conjunto hasta construir a la perfección la historia y sus personajes. Y sorprende agradablemente dos momentos que contrastan con la sencillez que domina al conjunto, el prologo y la parte del incidente en la fábrica, de perfecto montaje, gran capacidad de resumen y notable cambio de ritmo. Actores, música (una vez más de Ray), fotografía o montaje acompañan con talento y total compenetración a la estrella del conjunto, un Ray autor en plena salud artística que sabe utilizar con habilidad a cada uno de ellos. Y a destacar su magistral final, cargado de sentido metafórico (el ascensor, el ventilador, el reloj), imaginación y amarga poesía. (jairechu, FilmAffinity)

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Water (Deepa Mehta, 2005)



Agua

Ficha Técnica:

Título original:

Water

Año:

2005

País:

Canadá

Género:

Drama. Años 30

Dirección:

Deepa Mehta

Guión:

Deepa Mehta

Duración:

112 min

Reparto:

Seema Biswas, Lisa Ray, John Abraham, Sarala, Rishma Malik

Datos del archivo:

Idioma:

Hindi con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x272

Formato:

AVI

Tamaño:

698 MB


Sinopsis:
La historia transcurre en 1938, en la India colonial, en pleno movimiento de emancipación liderado por Mahatma Gandhi. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia (Sarala), una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un ashram para viudas donde deberá pasar el resto de su vida, convertida en un altar viviente consagrado a la memoria del fallecido. Última película de la famosa trilogía de Mehta, compuesta por "Fuego" (1996) y "Tierra" (1998). (FILMAFFINITY)


2006: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
2006: National Board of Review: Premio a la libertad de expresión

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The Elephant Man (David Lynch, 1980)



El hombre elefante

Ficha Técnica:

Título original:

The Elephant Man

Año:

1980

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Enfermedad. Discapacidad. Siglo XIX.

Dirección:

David Lynch

Guión:

David Lynch, Eric Bergren, Christopher De Vore (sobre libros de Frederick Treves y Ashley Montagu)

Duración:

123 min

Reparto:

Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones

Datos del archivo:

Idioma:

Ingles con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x356

Formato:

MKV

Tamaño:

588 MB


Sinopsis:
A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick. Se trata de un ciudadano británico con la cabeza monstruosamente deformada, que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diariamente como una atracción de feria. (FILMAFFINITY)


1980: 8 Nominaciones al Oscar, incluyendo actor (Hurt), direcc. artíst., vestuario, director
1980: BAFTA: Mejor película

Segundo largometraje de David Lynch, de narración más clásica que la habitual en él. El guión, de Christopher De Vore, Eric Bergren y del propio Lynch, se basa libremente en la información que sobre J. Merrick aportan dos obras: “The Elephant Man and Other Reminiscences” (1923), de Frederick Treves, y “The Elephant Man, a Study in Human Dignity” (1971), de Ashley Montagu. El guión no tiene relación con la obra de teatro “The Elephant Man” (Pomerance, 1979), ni con otras creaciones de ficción. Se rueda en escenarios reales de Londres y en los platós de Lee Internacional Studios (Wembley, Londres) y de Shepperton Studios (Surrey, Inglaterra), con un presupuesto estimado de 5 M USD. Es nominado a 8 Oscar (película, director, guión, actor, dirección artística, vestuario, montaje y banda sonora). Producido por Jonathan Sanger para Brooksfilms y Paramount, se proyecta por primera vez en público el 3-X-1980 (NYC, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Londres a lo largo de 6 años (1884-1890). El médico cirujano Frederick Treves (Hopkins) acude a la barraca de feria donde J. Merrick (Hurt), “el hombre elefante”, es exhibido al público por dinero. Bytes (Jones) lo tiene a su cargo y lo explota como medio de subsistencia. Treves conviene con él la liberación de Merrick para ingresarlo en el Hospital de Londres. A Frederick le mueven razones humanitarias y profesionales. Descubre con sorpresa que Merrick tiene un cociente intelectual normal y una sensibilidad normal.

El film suma drama, historia, biopic, crítica social y enfermedad. El proceso de preproducción y producción de la obra ocupan 3 años de trabajo intenso, que Lynch asume como un reto personal que le ocupa de los 31 a los 34 años. La enfermedad se ha manifiestado en Merrick a partir de los 18 meses y afecta al 90 % del cuerpo. No afecta al brazo izquierdo ni al sexo. Los diagnósticos actualizados hablan de síndrome de Proteo, enfermedad congénita, poco común, progresiva e incurable, identificada y descrita por el Dr. Michael Cohen en 1979. Merrick padecía además neurofibromatosis aguda y bronquitis crónica.

El realizador construye en torno al protagonista una atmósfera densa, tensa, incierta y misteriosa, que constituye uno de los principales atractivos del film. Las interpretaciones de Hopkins, Hurt y Gielgud, son convincentes y sugestivas. El relato se desarrolla de modo bastante convencional, si bien incorpora escenas fantasmagóricas y extrañas, que delatan la mano del autor, como los planos de elefantes inquietos, el ataque de éstos a la madre cuando embarazada se hallaba en una isla inexplorada de África, el paseo por las estrellas, el desfile de enanos y gigantes, etc.

Pone en relación la delicadeza de formas de la época victoriana con la rudeza del industrialismo (polución, contaminación, emisiones tóxicas, residuos...). Sobre el contraste de ambos formula una crítica doble, dirigida a la hipocresía de las apariencias sociales y a la agresividad del progreso industrial.

Es conmovedora la descripción de la fragilidad del protagonista, su condición de persona rechazada y marginada, exhibida en público como animal de feria, guardado oculto en jaulas o cubículos infrahumanos, sometido a maltratos, causa de pánico en la gente y de reacciones violentas contra su seguridad e integridad personal. Es de gran interés la exposición que se hace de sus capacidades de lenguaje, comunicación, lectura, integración social, etc. La obra rinde homenaje a “La parada de los monstruos” (Tod Browning, 1932), de modo especial a través de algunas escenas (jaulas de la feria, liberación del protagonista, traslado del mismo a un medio de fuga y salvación, etc.). Como Browning, muestra la gracia, la simpatía y la belleza entrañable de las personas desiguales, en un ejercicio magistral de inversión de los valores convencionales. La edad de Merrick en el film se mueve entre los 21 y los 27 años. En la película se le llama John, pero su nombre verdadero era Joseph.

La obra formula un alegato a favor de la personas desiguales, en especial de las que lo son de modo más aparente. Expone una concepción de la normalidad que no se funda en la apariencia, sino en las capacidades de las personas afectadas. Establece una definición de belleza basada en cualidades del espíritu (respeto, tolerancia, simpatía, solidaridad, afecto ...). Muestra cómo las reacciones de pánico ante una persona muy desigual se desactivan cuando se constata su humanidad e indefensión. No asusta la fealdad, sino la malicia y la maldad. Toda persona con discapacidad tiene derecho a contar con el apoyo social necesario para gozar en plenitud de la máxima integración social posible de acuerdo con sus posibilidades y para maximizar el ejercicio de sus capacidades. Nada hay tan perverso como aprovecharse de la desgracia ajena.

La música, de John Morris (“El jovencito Frankenstein”, Brooks, 1974), ofrece una partitura original dramática y melancólica, que complementa y refuerza el sentido de las imágenes. Añade fragmentos del “Adagio para cuerdas”, de Samuel Barber, con el que glosa la satisfacción de Merrick ante el avance de su integración social. La fotografía, de Freddie Francis (“Una historia verdadera”, 1999), en B/N y scope, crea composiciones oscuras, opresivas y en ocasiones tenebristas. Hace uso de una extensa gama de grises que confiere densidad y vibración a las imágenes. Con proyecciones de sombras, rincones sombríos, contraluces inquietantes y juegos de claroscuro, evoca el cine de terror de la Hammer, en el que Francis trabajó de joven.

Película impresionante, conmovedora, triste y melancólica. También, esperanzada y rica en sugerencias humanitarias. (Miquel, FilmAffinity)


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Sophie's Choice (Alan J. Pakula, 1982)



La decisión de Sophie

Ficha Técnica:

Título original:

Sophie's Choice

Año:

1982

País:

Reino Unido, Estados Unidos

Género:

Drama. Holocausto

Dirección:

Alan J. Pakula

Guión:

Alan J. Pakula (Novela: William Styron)

Duración:

145 min

Reparto:

Meryl Streep, Kevin Kline, Peter MacNicol, Rita Karin, Stephen D. Newman, Greta Turken, Josh Mostel, John Rothman, Eugene Lipinski

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés, Polaco, Alemán, Francés y Ruso con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x352

Formato:

AVI

Tamaño:

1.36 GB


Sinopsis:
Verano de 1947. Stingo, un joven aspirante a escritor, se instala en una pensión familiar de Brooklyn, con la intención de escribir una novela. Sin embargo, su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando conoce a los amantes queda cautivado por su encanto y simpatía. Ella, Sophie Zawistowska, es una hermosa emigrante polaca y católica. Él, Nathan Landau, un encantador y desequilibrado científico judío. Poco a poco, Stingo se convierte en su mejor amigo. Sophie, hija de un ilustre profesor polaco, sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz, pero vive atormentada por su pasado. (FILMAFFINITY)


1982: Oscar: Mejor actriz (Meryl Streep). 5 nominaciones

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Dolls (Takeshi Kitano, 2002)




Dolls

Ficha Técnica:

Título original:

Dolls

Año:

2002

País:

Japón

Género:

Drama. Romance. Yakuza & Triada

Dirección:

Takeshi Kitano

Guión:

Takeshi Kitano

Duración:

113 min

Reparto:

Miko Kanno, Hidetoshi Nishijima, Tatsuya Mihashi, Chieko Matsubara, Kyoko Fukada, Tsutomu Tageshige

Datos del archivo:

Idioma:

Japonés con subs en español (srt) e inglés (sub)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576x312

Formato:

AVI

Tamaño:

698 MB


Sinopsis:
Tres historia de amor y dolor: Sawako y Matsumoto eran una pareja feliz, pero las presiones de sus entrometidos padres les obligarán a hacer una vital elección. Hiro es un anciano jefe de la yakuza. 30 años atrás era un pobre trabajador en una fábrica que abandonó a su amada novia por sus sueños de prosperar. Ahora vuelve al parque donde ambos se encontraban. Haruna se pasa parte del tiempo mirando al mar, su bello rostro está ahora cubierto de vendas. No hacía mucho tiempo, ella era una cantante de pop de éxito que vivía entre shows de televisión y sesiones de autógrafos. Su más devoto fan, Nukui, se dispone a demostrárselo... (FILMAFFINITY).

A Kitano no le gusta tomar por los atajos corrientes. Va caminando despacio entre los árboles, pausadamente, sin plantearse a dónde quiere llegar, sin permitir que las presiones y aceleraciones de la vida actual alteren su ritmo parsimonioso.

A Kitano no le interesa la coherencia del relato, no le interesa la linealidad, ni la estructura narrativa habitual de presentación-nudo-desenlace.

Tampoco pretende ofrecer explicaciones ni porqués de las reacciones de sus personajes.
Sin complicaciones, sin estridencias, minimizando los diálogos para conceder un casi exclusivo protagonismo a la potencia visual, que es sobresaliente, Kitano filmó su peculiar análisis de las almas rotas.

Las almas humanas son tan frágiles... Cualquier soplo puede romperlas, y el director japonés se centra en ese instante en que se quiebran para siempre, para no volver a recomponerse.

Tan delicadas como esos muñecos del teatro de marionetas japonés, manejados por manos ajenas, esas almas quebradas se dejan arrastrar por la inercia de la corriente que las conduce, como si fuesen maderos inertes, hacia esas orillas olvidadas en las que embarrancan todas las cosas que carecen de voluntad propia para luchar contra la corriente o para dirigirse hacia una meta concreta.

Kitano introduce su cámara en esa orilla simbólica de las personas embarrancadas. Que en algún momento han entrado en una dimensión en la que el tiempo no existe, en la que el espacio no conoce límites ni coordenadas, en la que la vida corriente se deja atrás, el contacto con el exterior se abandona casi por completo, y se da paso al mundo interior, regido por las puras sensaciones, por los recuerdos más arraigados y por los sentimientos más viscerales. Con todo lo superficial hecho trizas, sólo queda la esencia del dolor, de la búsqueda de un refugio íntimo donde lo intolerable se haga llevadero. Cuando un corazón humano se lastima hasta extremos severos, tiende a buscar un lugar en el que se sienta seguro y protegido, y a menudo huye a algún reducto recóndito al que nadie más tiene acceso.

Kitano convierte la soledad, el dolor, el sufrimiento y la fragilidad humanas en hermosas imágenes donde una Naturaleza explosiva y exuberante despliega los más bellos colores que susurran en su especial lenguaje acerca de las propiedades curativas del mundo natural que nos rodea, de todos esos brotes de vida aún no adulterados por la mano del hombre y que resultan un consuelo para el espíritu.

El cineasta expone los traumas de cada uno con ojo sensible, compasivo e intimista, con esa mirada que sugiere un finísimo trozo papel que un soplo de viento estropea, un castillo de naipes que se viene abajo con el mínimo movimiento erróneo.

Porque tal vez no somos más que eso. Un castillo de naipes que a veces se mantiene en pie de puro milagro, amenazado por cualquier roce presto a derribarlo sin piedad. (Vivoleyendo, FilmAffinity)


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The Wind (Victor Sjöström, 1928)




El viento / La rosa de los vientos

Ficha Técnica:

Título original:

The Wind

Año:

1928

País:

Estados Unidos

Género:

Drama, Melodrama

Dirección:

Victor Sjöström

Guión:

Frances Marion (Novela: Dorothy Scarboroguh)

Duración:

75 min

Reparto:

Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming, Edward Earle, William Orlamond

Datos del archivo:

Idioma:

Muda con intertítulos en inglés y subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a pgmele

Resolución:

720x544

Formato:

AVI

Tamaño:

1,53 GB


Sinopsis:
Letty, una inocente joven de Virginia, se traslada del Este a las praderas de Texas, donde parece que el viento nunca deja de soplar y donde la arena llega a todas partes. Allí vivirá con algunos de sus parientes, pero no se sentirá querida y se verá abocada a un matrimonio que no desea. (FILMAFFINITY)

Película muda dirigida por el realizador sueco Victor Sjöström (1879-1960). El guión, de Frances Marion, se basa libremente en la novela “The Wind” (1925), de Dorothy Scarborough. Se rueda en California (Bakersfield, Mojave Dessert …). Producido por Victor Sjöström para MGM, se estrena el 23-XI-1928 (EEUU).

La acción dramática, que en la novela tiene lugar en 1880, la película la traslada a la época actual (1927-1928). En la novela y en la película los hechos suceden en el rancho imaginario Sweet Water de Texas y alrededores. Letty Mason (Gisch) es una muchacha de Virginia que al quedar sola en la vida se traslada a vivir en el rancho de su primo Beverly (Earle), casado con Cora (Cumming) y padre de 3 hijos. Lige Hightower (Hanson) reside en el rancho vecino al de Beverly y se dedica a la captura de caballos salvajes. En el tren que la lleva a Texas Letty conoce a Wirt Roddy (Love). Letty es joven, atractiva, ingenua, delicada y luchadora. Lige es fuerte y rudo. Wirt es violento y mujeriego.

El film pertenece al grupo de obras (literarias, plásticas, cinematográficas, etc.) que se inspiran en concepciones que consideran la naturaleza como fuente de fuerzas hostiles, opresivas y destructivas. En los años 20 proliferaron concepciones de este tipo, que hallaron en el movimiento modernista un espacio de acogida, apoyo y afirmación. La película que comentamos constituye un ejemplo elocuente de una visión inhóspita y trágica de la naturaleza, de su influencia sobre la psicología, el carácter y la conducta de las personas y de los extremos a los que pueden llegar sus fuerzas devastadoras y ciegas. Por otro lado, la obra constituye también un exponente de las concepciones que postulan la belleza de los aspectos más duros y perturbadores de la realidad que rodea al ser humano. El film se esmera en jugar con delicadeza y sumo cuidado con la ambigüedad de un viento enfurecido, capaz de crear adicción y de aportar, a la vez, cosas buenas y malas, problemas y soluciones, penas y alegrías.

El viento, incesante y agobiante, que envuelve la acción se comporta como un elemento que el realizador emplea para crear atmósferas y para reflejar estados de ánimo. En el film el viento cumple varias funciones a la vez y todas las cumple de un modo que en mi opinión es impecable y soberbio.

En línea con otras obras de la época (últimas manifestaciones del cine mudo), el film aporta un conjunto de sugestiones sonoras que sorprenden al espectador. Sustituye en ocasiones la ausencia de sonido mediante la visión gráfica de sus efectos sobre las personas y su entorno. Por otro lado, el realizador, para resaltar los aspectos inquietantes y perturbadores, hace uso de toques de dulzura, candidez, ternura, etc. También recurre al humor, un humor sencillo y obvio, socarrón e irónico, fresco y directo. Al respecto el realizador se muestra ocurrente y eficaz.

Los problemas que rodearon las diferencias entre la productrora y el realizador demoraron el estreno del film. Este hecho motivó que su acogida por parte del público se viera perjudicada por el avance del cine sonoro y la preferencia que suscitaba entre el público. El estreno de la obra se saldó en fracaso comercial, pese a la calidad del film y el interés de sus soluciones. Victor Sjöström dejó los EEUU pare retornar a Suecia y Lillian Gisch quedó apartada de los platós durante un tiempo. Tuvieron que pasar años para que se le reconocieran sus valores y su interés. Hoy el film está considerado por la crítica especializada como un trabajo culminante del cine mudo.

La fotografía, de John Arnold (“La melodía de Broadway”, Beaumont, 1929), en B/N, hábilmente construida, aporta imágenes sobrecogedoras que retienen la mirada del público. Se beneficia de una puesta en escena magnífica y de una dirección de actores admirable. Por otro lado, la eleva a gran altura la decoración espléndida de Cedric Gibbons y la apabullante economía de medios que administra el realizador. Las imágenes de las praderas inmensas azotadas por el viento componen una visualidad memorable, de extraordinaria fuerza y de inusual originalidad. La cámara muestra una serie riquísima de recursos y soluciones: encuadres precisos, planos sobresalientes, movimientos de gran modernidad, planos generales asombrosos, planos de detalle cargados de significado y secuencias de grupos (vecinos a caballo, manada de caballos salvajes, toros bravos …) de sorprendente dinamismo.

Esta es, en mi opinión, una película indispensable para todo tipo de cinéfilos, incluidos los que no han descubierto todavía el enorme interés de las grandes obras del cine mudo. (Miquel, FilmAffinity)


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Przesluchanie (Ryszard Bugajski, 1989)




El interrogatorio / Interrogación

Ficha Técnica:

Título original:

Przesluchanie

Año:

1989

País:

Polonia

Género:

Drama carcelario. Politica

Dirección:

Ryszard Bugajski

Guión:

Ryszard Bugajski, Janusz Dymek

Duración:

118 min

Reparto:

Krystyna Janda, Adam Ferency, Janusz Gajos

Datos del archivo:

Idioma:

Polaco con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1.36 GB


Sinopsis:
Durísimo retrato de la opresión política. Krystyna Janda encarna a una actriz de cabaret que mantiene relaciones con altos oficiales militares. Esos encuentros la hacen sospechosa y la policía secreta la encarcela. Mediante una interrogación brutal, se convencen de que el breve encuentro entre la actriz y un comandante del ejército ha fomentado un complot contra el gobierno... (FILMAFFINITY)


1990: Festival de Cannes: Mejor actriz (Krystyna Janda)

Me suele gustar el cine que veo, alguna vez ya lo he dicho, me siento afortunado porque siempre encuentro algo que hace que merezca la pena haberse sumergido en tal o cual película, se puede decir que soy un buscador de pequeños matices que engrandecen todo el resultado final, pero en este caso toda la película es una verdadera obra maestra, de principio a fin. El compañero Anacleto ya ha definido sintéticamente bastante bien lo que se encontrará todo aquel que decida adentrarse en este film de Ryszard Bugajski.

Sea como sea nos encontramos ante un producto ambientado en el año 1951, justo en el glorioso 34 aniversario de la Revolución de Octubre celebrado en toda la realidad paralela del socialismo real del este de Europa. En un principio parece que Antonina va a ser una personaje más bien frívola, pero conforme avanza la película vamos tomando conciencia de la excelente actuación de la bella y carismática Krystyna Janda, una mujer con todas las letras, una mujer de postín. Para alguien familiarizado con la historia polaca el destino de la protagonista es a todas luces trágico: Antonina nació en Lvov, ciudad étnicamente polaca hasta 1945, momento en que pasó a formar parte de la República Socialista de Ucrania y buena parte de su población fue expulsada hacia la nueva Polonia, cuyas fronteras fueron trasladadas al oeste. Durante aquellos procesos de ingeniería demográfica se produjeron excesos de todo tipo, seguramente éstos se llevaron las vidas de todos los familiares de Antonina. Como ocurre en la vida real los personajes aparecen mediatizados por su pasado traumático más inmediato, así veremos como sobre el teniente Morawski, uno de los interrogadores, sobrevuelan los fantasmas de su paso por Auschwitz. Sin embargo si algo no hace esta película es hacerle la cama al comunismo, de tal modo que niega cualquier tipo de determinismo (algo muy propio del materialismo histórico en que se basaba la cosmovisión de todo buen comunista, si algo es el totalitarismo es negación del individuo) hasta el punto de mostrarnos algo tan simple como que cada persona encaja los acontecimientos de pasados traumáticos (con el fin de defenderse de ellos) de modo muy diferente. De este modo Antonina, joven bailarina de cabaret, afronta la vida con alegría e incluso temeridad, llegando a parecer en ciertos momentos que vive apartada de la realidad en que vive sumido su país, es decir, la deriva en un régimen totalitario que cree tener la razón de su parte (algo que cambia conforme avanza el film, pues irá desarrollando una idea de la dignidad tan bella como suicida paralela a su toma de conciencia de la situación): "Aquellos que se oponen a la corriente de la historia tienen que morir" (llegados a este punto tengo que recomendar paralelamente a esta película el visionamiento de la también excelente "La confesión" de Costa-Gavras).

Frente a Antonina está el teniente Morawski. Ambos dos componen un verdadero duo en constante lucha dialéctica, si bien el film tiene muchos otros matices, como las relaciones entre las prisioneras, donde lo que más nos puede sorprender es la presencia de una comunista convencida que justifica su encarcelamiento y las medidas represivas irracionales adoptadas por las autoridades en pos de un futuro supuestamente mejor, llegando a recomendar a Antonina que si de veras no hizo nada haga una confesión falsa (como dijo el gran Isaiah Berlin la revolución era como un barco navegando sobre mar embrabecido, de tal manera que el individuo era como un camarero que en dicho barco portara una bandeja cargada de copas, si este no sabía medir sus pasos conforme a los balanceos del barco estaba perdido). Sea como fuere y volviendo a la relación dialéctica entre Antonina y Morawski toda lucha de opuestos acaba generando una síntesis, resultado que en este caso resultará fatal para las convicciones del teniente. Para muchos fue casi imposible de digerir el hecho de que los sueños de la razón generan monstruos, que la propia revolución era un sueño que se había convertido en un monstruo y que éste había escapado al control de los individuos. Morawski es uno de ellos, sus férreas convicciones se van derrumbando ante la constatación de que simplemente es un hombre y conforme se vaya enamorando de Antonina y mostrando una verdadera admiración (casi envidia) por la valentía de una mujer que simplemente quiere defender su existencia como individuo particular las fallas del sistema de creencias del teniente se irán haciendo evidentes. Morawski no va a ser capaz de soportar sus contradicciones, su sentimiento de culpa y tras dejar embarazada a Antonina y verla dar a luz a su propio hijo como si de un animal se tratara decide pegarse un tiro en la cabeza.

Entretanto había muerto Stalin, lo cual va a producir una cierta relajación en las costumbres políticas de todo el bloque de Europa del este y de paso las lágrimas de tantos millones de personas (sorprende la imagen en la celda en que la mayor parte de las prisioneras lloran por la muerte del georgiano, figura idealizada allá donde las hayan, un auténtico mito del libertador). El deshielo también acabó poniendo a Antonina en la calle, pudiendo volver a reclamar a su hija (la cual le había sido arrebatada en la cárcel - en lo que es una costumbre muy propia de este tipo de regímenes: el secuestro de niños). Especialmente emotivo será el momento en que será incapaz de reconocer a su hija, varios años después de serle arrebatada y, también, la vuelta a casa de su marido (quien en principio la había repudiado tras ver las acusaciones falsas que habían obligado a firmar a Antonina). Desde ese momento - tal y como deja ver el final abierto - se enfrentará a un futuro incierto dominado por la autorepresión de una memoria prohibida e impronunciable. (davilochi, FilmAffinity)


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Tlayucan (Luis Alcoriza, 1962)




Tlayucan

Ficha Técnica:

Título original:

Tlayucan

Año:

1962

País:

México

Género:

Comedia dramatica

Dirección:

Luis Alcoriza

Guión:

Luis Alcoriza (Novela: Jesús Murcielago Velázquez)

Duración:

101 min

Reparto:

Júlio Aldama, Norma Angélica, Jorge Martínez de Hoyos, Andrés Soler, Anita Blanch, Noé Murayama, Dolores Camarillo, Pancho Córdova

Datos del archivo:

Idioma:

Español

Calidad:

SATRip

Resolución:

448x336

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
Desesperado por la enfermedad de su hijo, el campesino Eufemio roba una perla de la imagen de Santa Lucía en la iglesia del pueblo. Unos turistas fotografían el robo, y Eufemio está a punto de ser linchado por sus vecinos. La perla desaparece tragada por uno de los cerdos que cría Chabela, la mujer de Eufemio. (FILMAFFINITY)


1962: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa

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