domingo, 11 de noviembre de 2012

Lolita (Stanley Kubrick, 1962)




Lolita

Ficha Técnica:

Título original:

Lolita

Año:

1962

País:

Reino Unido / Estados Unidos

Género:

Drama. Romance

Dirección:

Stanley Kubrick

Guión:

Vladimir Nabokov (Novela: Vladimir Nabokov)

Duración:

154 min

Reparto:

James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters, Peter Sellers, Marianne Stone, Diana Decker, Jerry Stovin, Gary Cockrell, Suzanne Gibs, Roberta Shore, Cec Linder, Lois Maxwell, William Greene, Eric Lane, Shirley Douglas, Roland Brand, Colin Maitland, Irvin Allen

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

796 x 480

Formato:

MKV

Tamaño:

730 MB


Sinopsis:
Adaptación de la novela homónima de Vladimir Nabokov. Humbert Humbert, un profesor cuarentón, llega a Ramsdale (New Hampshire) y alquila una habitación en casa de la viuda Charlotte Haze que tiene una hija de once años. Humbert se enamora perdidamente de la chiquilla y concibe un perverso plan: casarse con la madre para poder estar siempre cerca de la irresistible Lolita. (FILMAFFINITY)


1962: Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado

Film realizado por Stanley Kubrick. El guión, de Vladimir Nabokov y S. Kubrick (no acreditado), adapta la novela Lolita (1955), de Nabokov. Se rueda en exteriores de Inglaterra y en los platós de ABP Studios y Elstree Studios, durante 88 días, con un presupuesto de 2,1 millones de dólares. Es nominado a un Oscar (guión) y al León de Oro de Venecia. Producido por James B. Harris, se estrena el 13-VI-1962 (Nueva York).

La acción principal tiene lugar en Ramsdale (New Hampsire) y en Beardsley (Ohio), sede del Beardsley College. El relato se desarrolla en 1957/58 y en 1961. El profesor Humbert Humbert (Mason), de unos 40 años, europeo, especialista en literatura francesa del XIX, soltero, busca alojamiento temporal para el verano. Acepta la oferta de Charlotte Haze (Winters), viuda, madre de Lolita (Sue Lyon), de 14 años.

El film suma drama, comedia y romance. Harris y Kubrick ruedan en Inglaterra, donde los costes de producción son menores que en EEUU. Seleccionan para su adaptación una novela polémica, de éxito y de actualidad. Con el guión en la mano y el propósito de evitar las interferencias sufridas en Espartaco, firman contrato con la productora Associated Artists, de Eliot Hyman, quien les garantiza plena autonomía. El guión introduce algunos cambios en relación con la novela: Lolita pasa de 12 a 14 años, nada se dice en la cinta del episodio con una adolescente que ha provocado un trauma en Humbert, en la película éste se enamora de Lolita al conocerla (en la novela lo hace hacia el final). La película empieza por la escena en la que Humbert mata a Quilty (Sellers), con lo que el relato se sitúa en un contexto dramático.

El film narra la historia de un amor obsesivo, dominado por celos exagerados, alimentado por un deseo de posesión extralimitado y asociado a temores, inseguridades y frustraciones. Es, además, un amor intergeneracional: entre un hombre maduro y una muchacha inexperta y frágil. En la novela es un amor con connotaciones paidófilas, que en la película quedan marginadas, aunque no excluidas. Como en Espartaco y El beso del asesino, dos hombres luchan por el amor de una mujer. Es interesante observar la evolución de Humbert: seguro e ingenioso al principio, inseguro cuando está con Lolita, y frío, sombrío y sin autoestima al final.

Incorpora lances de humor, como el de la cama plegable, la tensión en el autocine, el ataque de nervios en el hospital, la pintura de las uñas de los pies, etc. Presenta citas cinéfilas (Psicosis) e imágenes de La momia (1959) y La maldición de Frankenstein (1957).

La música, de Nelson Riddle, busca coherencia con las imágenes. Acompaña a Charlotte con un tema de West Side Story, a Lolita con una balada y a Humbert con Irma la dulce. Añade como tema de amor una composición de Bob Harris (créditos iniciales). La fotografía, de Oswald Morris, en blanco y negro, ofrece un eficiente trabajo de cámara, que facilita elipsis notables. Buenas interpretaciones de Mason, Sellers y Winters. Gran película. (Miquel: FilmAffinity)


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La grande bouffe (Marco Ferreri, 1973)




La gran comilona

Ficha Técnica:

Título original:

La grande bouffe

Año:

1973

País:

Francia

Género:

Comedia dramatica. Comedia negra

Dirección:

Marco Ferreri

Guión:

Rafael Azcona

Duración:

02:09:55

Reparto:

Michel Piccoli, Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Marcello Mastroianni, Andréa Ferreol

Datos del archivo

Idioma:

Francés con subs en español (sub)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 464

Formato:

avi

Tamaño:

709 Mb


Sinopsis:
Polémica película que narra como cuatro personas se reúnen en una casa para suicidarse en una orgía de comida y sexo. Cuatro amigos unidos por el hedonismo y el tedio más absoluto se reúnen en una mansión con la idea de suicidarse comiendo sin tregua. Pronto añaden a la gula otro pecado capital: la lujuria, y así empiezan a llegar las prostitutas. El sexo obsceno se entremezcla con los cerdos, los quesos, los jamones y el caviar... y cuando todos están cebados, comienzan las deserciones. (FILMAFFINITY)


1973: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI (ex-aequo)

Escrita por Rafael Azcona y Marco Ferreri, fue dirigida por éste. Se rodó en exteriores de una antigua mansión y en estudio. Obtuvo el FIPRESCI de Cannes y fue nominada a la Palma de oro. Se presentó en Cannes el 12-V-1973.

La acción principal tiene lugar en 1972/73, en una antigua mansión de las afueras de París, donde vivió el poeta Boileau. La acción ocupa unas dos semanas. Narra la historia de 4 varones de mediana edad, representantes del poder y del prestigio social, entregados a la gula, al exceso y al deso de comer hasta morir. Les acompañan durante unos 2 días 3 prostitutas convocadas por Marcello (Marcello Mastroianni), piloto de aviación, obseso sexual. Los otros personajes son Philippe (Philippe Noiret), un magistrado reprimido; Michel (Michel Piccoli), productor de cine homosexual; Ugo (Ugo Tognazzi), restaurador no aficionado al sexo. A ellos se añade la maestra del colegio vecino de enseñanza infantil (Andrea Ferreol), rolliza, ninfómana y tragona.

Para algunos la película es una sátira de la sociedad de consumo, que impulsa a las personas a consumir por encima de sus necesidades hasta provocarles le muerte. Para otros es un drama de 4 personas dominadas por la gula, que les lleva a comer compulsivamente, incluso cuando el placer entra en fase de rendimientos decrecientes. La obra contiene elementos de fábula sobre la fuerza del interés por la comida, cuando trasciende el interés por la preservación de la salud y la vida. También cabe entender que los 4 personajes forman un grupo movido por el hedonismo como medio de lucha contra el tedio que ha invadido sus vidas. La tensión entre hedonismo y tedio podría explicar la no pulsación regular de la ley de rendimientos decrecientes. El film se podría entender como una tragedia, la de unos personajes derrotados por la vida, que buscan una vía de salida en un suicidio friamente planeado. En todo caso, la obra no es un relato de gula y lujuria, aunque ésta se halle presente a petición de Marcello. La falta de interés de los anfitriones por el sexo hace que que las chicas abandonen la residencia. La obra juega con el surrealismo, el fetichismo y el absurdo, de los que extrae elementos hilarantes de humor ácido, negro e irreverente.

La música, de Philippe Sarde, es atrapadora, pegadiza, intrigante y sensual. La fotografía destaca la atmósfera siniestra de la mansión, el clima opresivo de la acción, el humor visual (imitación de Marlon Brando en el "El padrino") y los elementos provocativos (cópula, masturbación, desnudos frontales). El guión incluye unos diálogos con expresiones populares y vulgares, que hacen próximos a los personajes. La interpretación se beneficia de la presencia de 4 de los mejores actores europeos del momento. La dirección busca la provocación como medio para dar paso a la reflexión.

La película levantó protestas, que no impidieron su éxito comercial. Con el tiempo se ha convertido en una película de culto. (Miquel, FilmAffinity)


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Mistérios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)




Misterios de Lisboa

Ficha Técnica:

Título original:

Mistérios de Lisboa

Año:

2010

País:

Portugal

Género:

Drama. Intriga. Siglo XIX.

Dirección:

Raoul Ruiz

Guión:

Carlos Saboga (Novela de Camilo Castelo Branco)

Duración:

266 min

Reparto:

Adriano Luz, Maria João Bastos, Ricardo Pereira, Clotilde Hesme, Afonso Pimentel, João Luís Arrais, Albano Jerónimo, João Baptista, Martin Loizillon, Julien Alluguette, Rui Morisson, Joana de Verona, Carloto Cotta, Maria João Pinho, José Manuel Mendes, Léa Seydoux, Melvil Poupaud, Malik Zidi

Datos del archivo:

Idioma:

Portugués con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 368

Formato:

AVI

Tamaño:

1,55 GB + 1,94 GB


Sinopsis:
Siglo XIX. A través de un viaje de Portugal a Francia, Italia e incluso Brasil, asistimos a una vorágine de aventuras y fugas, coincidencias y revelaciones, romances, pasiones violentas y venganzas. En Lisboa, una ciudad llena de intrigas e identidades falsas, varios personajes están vinculados de una u otra manera al destino de Pedro da Silva, un huérfano que vive en un internado: el padre Dinis, un descendiente de aristócratas libertinos, que se convierte en héroe defensor de la justicia, una condesa enloquecida por los celos y sedienta de venganza, un próspero hombre de negocios que hizo fortuna como pirata sanguinario... Todos estos personajes tienen un interés común: averiguar la verdadera identidad de Pedro da Silva. (FILMAFFINITY)


2010: Festival de San Sebastián: Mejor Director
2011: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa. 3 nominaciones


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Mistérios de Lisboa (Raúl Ruiz, 2010-2011)




Misterios de Lisboa

Ficha Técnica:

Título original:

Mistérios de Lisboa (Miniserie TV)

Año:

2010-11

País:

Portugal, Francia

Género:

Drama, Intriga, Siglo XIX, Miniserie TV

Dirección:

Raúl Ruiz (AKA: Raoul Ruiz)

Guión:

Carlos Saboga (Libro: Camilo Castelo Branco)

Duración:

318 min (6 episodios de 53 min c/u)

Reparto:

Adriano Luz, Ricardo Pereira, Maria João Bastos, João Arrais, Vânia Rodrigues

Datos del archivo:

Idioma:

Portugués con subs en español, francés, inglés y portugués (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x526

Formato:

MKV

Tamaño:

772 MB + 775 MB + 783 MB + 755 MB + 764 MB + 757 MB



Sinopsis:

Miniserie de seis episodios que nos sumerge en una vorágine de aventuras y escapadas, coincidencias y revelaciones, sentimientos y pasiones violentas, venganzas que se desarrollan en Portugal, Francia, Italia, y Brasil. En Lisboa nos encontramos con una serie de personajes, todos ellos relacionados de alguna manera con el destino de Pedro da Silva, un huérfano que vive en un internado: el padre Dinis, descendiente de libertinos aristocráticos, que se convierte en un héroe defensor de la justicia; una condesa enloquecida por los celos y sedienta de venganza; un próspero hombre de negocios que hizo fortuna como pirata sanguinario. Todos tienen algo que ver con la identidad de Pedro da Silva. (FILMAFFINITY)

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):
 1.- O Menino Sem Nome
2.- O Conde de Santa Bárbara
3.- O Enigma do Padre Dinis
4.- Os Crimes de Anacleta dos Remédios
5.- Blanche de Monfort
6.- A Vingança da Duquesa de Cliton
https://mega.nz/#!Pk9xRLoC!Nn4OWTKSqeCOcIowVxorVZWAd-vSVibQqud5NAK1YZg
https://1fichier.com/?apz6gpnniv
http://uptobox.com/ot9cgcpjlqzr

Days of Wine and Roses (Blake Edwards, 1962)




Días de vino y rosas

Ficha Técnica:

Título original:

Days of Wine and Roses

Año:

1962

País:

Estados Unidos

Género:

Drama

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

J.P. Miller

Duración:

117 min

Reparto:

Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford, Jack Klugman, Alan Hewitt, Tom Palmer, Jack Albertson, Debbie Megowan

Datos del archivo

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 368

Formato:

AVI

Tamaño:

1,31 GB


Sinopsis:
Joe Clay, jefe de relaciones públicas de una empresa de San Francisco, conoce durante una fiesta a la bella Kirsten Arnesen. La muchacha se muestra cautelosa al principio, debido a la afición de Joe a la bebida, pero después sucumbe ante su simpatía y se casa con él. (FILMAFFINITY)


1962: Oscar: Mejor canción. 5 nominaciones
1962: 4 nominaciones Globos de Oro: Película drama, director, actor, actriz
1962: 3 nominaciones BAFTA: Película, actor extranjero (Lemmon), actriz extranjera (Remick)
1963: Festival de San Sebastián: Mejor actor (Lemmon) y actriz (Remick)

Potente drama de Blake Edwards (“La pantera rosa”, 1963), especialista en comedias. El guión, de J. P. Miller, se basa en el film de televisión “Days of Wine and Roses” (1958), de John Frankenheimer. Se rueda en escenarios naturales de San Francisco y alrededores (CA) y en los platós de Warner Studios. Nominado a 5 Oscar, gana uno (canción). Producido por Martin Manulis para la Warner, se estrena el 26-XII-1962 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en San Francisco y alrededores, y brevemente en Huston (Texas), a lo largo de unos 6 años (1955-1962). Joe Clay (Lemmon), hijo de un actor y una cantante, de los que está distanciado, trabaja como jefe de relaciones públicas de una empresa importante. Su trabajo le obliga a organizar fiestas, con compañía femenina y abundante consumo de alcohol, para ejecutivos de la casa y de empresas relacionadas con ella como clientes o proveedores. A causa de una confusión conoce a Kirsten Arnesen (Remick), secretaria de un directivo de la casa, hija de una familia de origen noruego, educada en el rigorismo luterano. Poco después se casan y tienen una hija, Debbie. Él es simpático, campechano, de trato agradable, solitario, diligente y aficionado en exceso a la bebida. Ella es guapa, atractiva, cautelosa, abstemia y aficionada al chocolate. Vive sola en San Francisco, tras dejar la casa del padre, Ellis (Bickford), viudo, callado, serio y rigorista, que explota un vivero de flores en San Mateo (Bahía de San Francisco).

El film suma romance, drama y algunos apuntes documentalistas. La obra, décimo largometraje de Edwards, construye un análisis sincero y detallado del alcoholismo y sus efectos devastadores sobre las personas. Es éste un tema recurrente en la filmografía del realizador.

Apunta los posibles factores causales: relaciones familiares problemáticas, falta de cariño de los padres, educación estricta, predisposición congénita, personalidad frágil, fuerte presión social de la cultura de la resignación, etc. Explica las consecuencias: abandono de las responsabilidades familiares, degradación física, malos tratos, intentos vanos de recuperación, soledad, delirios, etc. Lo que más interesa al autor no son los episodios que jalonan la vida del alcohólico, sino la exploración global de su imparable proceso de autodestrucción.

El guión presenta a unos personajes bien desarrollados psicológicamente. Explica los procesos con coherencia y verosimilitud. Mantiene un nivel alto de tensión dramática, que se despliega en un crescendo administrado con habilidad y mesura. Se expresa en términos sobrios y austeros, con renuncia a grandes efectismos. Hace uso en varias ocasiones de referencias documentalistas. La dilatada extensión temporal del relato (6/7 años) obliga a realizar saltos de tiempo, que se identifican con suficiente claridad.

El título se toma de los versos de un poema del autor inglés Ernest Dowson (1867-1900), que recita Kirsten de forma premonitoria. Dicen: “Recoged las rosas mientras podáis: largos no son los días de vino y rosas. De un nebuloso sueño surge nuestro sendero, que se pierde en otro sendero”. Son escenas memorables, la irónica escena del vecindario concentrado en la escalera en defensa de la resignación ante el acoso de las cucarachas, el ataque de delirium tremens de Joe, la búsqueda de una botella en el vivero de flores, la última conversación de Kirsten y Joe, los planos finales y otras. Son espléndidas las interpretaciones de Lemmon y Remick.

El cine ha dedicado atención al alcoholismo en numerosas ocasiones. De modo monográfico lo ha hecho, entre otros, en los siguientes films: “Campeón” (Vidor, 1931), “Días sin huella” (Wilder, 1945), “Mañana lloraré” (Daniel Mann, 1955), “Leaving Las Vegas” (Figgis, 1995).

La música, de Henri Mancini (“El guateque”, 1968), ofrece una partitura de cortes ligeros y bailables de acompañamiento, dramáticos y estremecedores (solo de corno francés a cargo de Vincent de Rosa). Incorpora la canción de voces mixtas “Days of Wine and Roses” (Mancini y Mercer). Añade dos temas ajenos: “Rock-a-Bye Baby” y “I Only Have Eyes for You” (Warren). La fotografía, de Philip Lothrop (“La pantera rosa”, 1963), en B/N, aporta imágenes de luces contrastadas, emocionantes claroscuros y una descripción visual sincera, meticulosa, sobria y realista, de aires clasicistas. Destacan los planos picados y contrapicados de la escalera de vecinos, del delirio de Joe y del final.

Film bien construido, correctamente documentado y bien interpretado, de elevado nivel dramático, con música adecuada y excelente fotografía. (Miquel, FilmAffinity)


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A Woman Under the Influence (John Cassavetes, 1974)



Una mujer bajo la influencia

Ficha Técnica:

Título original:

A Woman Under the Influence (The Criterion Collection)

Año:

1974

País:

EEUU

Género:

Drama

Dirección:

John Cassavetes

Guión:

John Cassavetes

Duración:

155 min

Reparto:

Gena Rowlands, Peter Falk, Katherine Cassavetes, Fred Draper

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

608x320

Formato:

Avi

Tamaño:

700 MB + 685 MB


Sinopsis:
Nick (Peter Falk), un hombre de la construcción, tiene que cargar con la responsabilidad de cuidar a su mujer (Gena Rowlands) que padece inestabilidad emocional. Continuamente lucha por mantener la normalidad ante su extraño comportamiento, hasta que éste afecta sus hijos y será necesario que tome medidas. (FILMAFFINITY)

1974: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Gena Rowlands), director
1975: Festival de San Sebastián: Concha de Plata y Mejor actriz (Rowlands)
Teniendo como marco una América convulsa, en la que las masas de jóvenes habían perdido el ánimo épico y heroico de preguerra que fue convertido en repulsa antibélica, Cassavetes inicia su guerra particular contra la industria hollywoodense, cuando ésta pretendió boicotear su trabajo negándose a distribuir y exhibir A woman under the influence.

Reunir un grupo de amigos, entre profesionales y familiares del equipo, y recaudaciones abiertas al pública, entre las que se recuerda una hecha por radio en la que prometía "un cine como tu vida", fueron los pasos determinantes para que Cassavetes no se doblegara ante el boicoteo y finalmente cree su propia compañía distribuidora para entregarle, al menos, a una pequeña parte del mundo su obra.

En A woman under the influence, el mentor del cine independiente americano, por encima de nuestra voluntad, nos coloca en el lugar de un simple voyeurista que tiene en su objetivo el posible hogar de una familia vecina de clase media, con una vista más que privilegiada; nos introduce a los lazos y nudos que unen y obstruyen la comunicación entre mujer y marido, madre e hijos, hijos y padre.

La actuación de Gena Rowlands en el papel de madre y mujer con claras muestras de desequilibro emocional es fantástica, desbordante, desquiciante y finalmente inquietante, tanto por el lado oral, el gestual y la excelente dinámica corporal. A ésta se suman los trabajos también notables de Peter Falk, en el papel de marido delirante y padre frustrado, los abuelos unas veces desatinados y otras tantas también desequilibrados, y la labor de los niños, quienes al fin y al cabo son los más cuerdos dentro de la caótica familia.

Ayudan en gran parte al resultado los planos utilizados por Cassavetes, totalmente desprovistos de paisajes grandilocuentes o escenarios pomposos, que reemplaza por encuadres cerrados en los que prevalecen los rostros, las miradas, las muecas, los ademanes por encima de todo lo demás.

El aspecto sonoro juega también un papel sumamente relevante, puesto que complementa el lenguaje visual y nos envuelve en las distintas atmósferas de las situaciones que en conjunto denotan la condición de esta familia. Resulta especialmente entrañable el uso de sinfonías orquestales para los momentos de intensidad y las piezas de jazz para los de placidez.

Una mujer con la facilidad de desplegar su interior mediante su comportamiento, de comprender y de ser comprendida por los niños, pero a la que le cuesta adaptarse a las pautas de la vida adulta en sociedad, y un marido obrero de carácter prepotente que no tiene mayor dificultad para lograr amistades y reunir a 60 personas en su casa pequeña, pero que su lenguaje no conecta con el de sus hijos, quienes no lo entienden y a quienes no sabe comprender, son el eje sobre el cual gira este filme.

El cine de Cassavetes está caracterizado por la libertad de sus actores. "Necesito que lo destruyan, que se hagan daño", escribió él mismo sobre su cine. Razón por la cual escribía y reescribía sus guiones tras cada ensayo, para alcanzar y atrapar la espontaneidad, la naturalidad y, sobre todo, la verdad que iba surgiendo tras cada exploración a la que sometía a sus actores. Es por ello que incluso hasta ahora se rumorea la falsa concepción de que su cine es producto de la "improvisación": parece la vida misma.

"Nunca diré que lo que hago es entretenimiento. Es investigación, exploración (...) Una buena película te planteará interrogantes que nadie te ha planteado antes, sobre cada día de tu vida. Una película es una investigación sobre la vida, sobre lo que somos."

En esencia, Cassavetes no filma historias, sino estados de ánimo. (Javier de Tar, FilmAffinity)


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Weekend (Andrew Haigh, 2011)




Weekend

Ficha Técnica:

Título original:

Weekend

Año:

2011

País:

Reino Unido

Género:

Romance. Drama. Homosexualidad

Dirección:

Andrew Haigh

Guión:

Andrew Haigh

Duración:

91 min.

Reparto:

Tom Cullen, Chris New

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

624x336

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
Un viernes noche, tras una fiesta en casa con sus amigos heteros, Russell visita un club gay donde a última hora conoce a Glen. Ambos comienzan entonces una relación de fin de semana, pero lo que parecía que iba a ser el rollo de una noche comienza a tener la intensidad de un shock emocional de largo alcance. (FILMAFFINITY)

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Two Lovers (James Gray, 2008)



Two Lovers / Los amantes

Ficha Técnica:

Título original:

Two Lovers

Año:

2008

País:

Estados Unidos

Género:

Romance. Drama. Familia

Dirección:

James Gray

Guión:

James Gray, Ric Menello

Duración:

100 min

Reparto:

Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Elias Koteas, Moni Moshonov, Bob Ari, John Ortiz, Julie Budd

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

608x256

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Leonard (Joaquin Phoenix) es un joven psicológicamente inestable que intenta recuperarse de su última crisis bajo la atenta mirada de sus padres. Inesperadamente entran en su vida dos mujeres: la encantadora y sencilla Sandra (Vinessa Shaw), hija del nuevo socio de su padre, y Michelle (Gwyneth Paltrow), una misteriosa vecina que parece no encajar en un barrio tan anodino. (FILMAFFINITY)


2008: Cannes: Nominado a la Palma de Oro

Los romances plasmados en el celuloide, a menudo, tienden a descollar capacidades amatorias fuera del alcance de la vida real. Esta exageración se manifiesta en forma de pasiones descontroladas, actos extravagantes que reproducen legiones de imitadores o, simplemente, vericuetos de aires modernos en la praxis relacional. Debido a estos factores, las ganas de reformular el género han conducido a una rápida aproximación al desvarío emocional, a la intensidad en el fluir de la pasión. Es decir, ha procedido a la presentación de historias perpetradas por seres poco comunes, alterados física o psicológicamente, o cuyo cometido sobre la pantalla radica en virar hacia lo desconocido los códigos del cine romántico.

Entonces, ¿no todo está dicho sobre el amor en el cine? ¿Quién es capaz de prometer una historia diferente? James Gray ha sido uno de los últimos en lograr lo más parecido a una reforma del género, gracias a la consciente certeza de que el cambio debe aplicarse en la expresión -una fuente inagotable de posibilidades- y no en el manoseado e inmutable contenido -un libro gordo, aburrido y repetitivo de temas.

Leonard está triste. Abatido. La sombra del recuerdo le ha sumido en una loc ura íntima que, probablemente, también proyecte al exterior a través de una flamante bien escogida imagen de la inseguridad y el sufrimiento (Joaquin Phoenix). Indefenso y desvalido se resguarda en el calor del hogar paterno, el cual, además, le brinda la ocupación con la que sustentarse de por vida. Leonard tiene una gran carencia. Mejor dicho, ha sufrido una gran pérdida. Se le esfumó el amor. Pero, un buen día, se topa con una supuesta oferta. Y como toda buena oferta, exige una reflexiva decisión; entre la razón y el impulso, la realidad o la fantasía.

Two Lovers hace acopio de todo tipo de prejuicios y clichés sensibleros -también de los atribuidos a la comunidad judía, pero esa es otra historia-, los pasa por una túrmix y los introduce en la mollera de un individuo perturbado mental y sentimentalmente, víctima de una manipulación en su naturaleza masculina obrada por el principal requisito vital del ser humano (biológicos aparte), el afecto. Así, pese a sus constantes obviedades y a una previsibilidad acuñada de principio a fin del metraje, la película embelesa y establece su tempo dramático con cada movimiento de Leonard, el inmejorable trabajo de Phoenix que la dota de sentido, como si en su desquiciada noción pasajera de las relaciones sociales fuera a sorprendernos con una reacción inesperada que parece fraguarse, mas sabemos que nunca acontecerá.

Este signo rutilante sume el film en un hiperrealismo de raíz fotográfica, casi de encaje figurado en lo que podría considerarse un reality improvisado y solemne. El espectador sirve de ojo postizo de Leonard, de conciencia vaticinadora, en tanto en cuanto el personaje abre su corazón, variando de los rasgos sicóticos a los corrientes, dejando de mostrarse como germen de inquietud y miedo. Al lado de nuestra contrapuesta mirada equilibrada se encuentra la de sus protectores padres, dos pedazos de pan que me resuenan a los que ya nombrara en el número anterior de esta revista, los de Jenny en An Education (ídem, Lone Scherfig, 2009). Este tipo de progenitores tan cinematográfico no sólo busca lo mejor para sus vástagos, sino que apoya incondicionalmente los empecinamientos de éstos, hallando un balance remoto en lo que se podría calificar como la autoridad paternal perfecta. Y, ahora que viene a cuento, es particularmente llamativo el hecho de que estas dos cintas se hayan inclinado hacia la simplicidad expresiva como canal hacia la eficacia, en una estructura narrativa de cuyo parentesco no costaría convencernos. Datando su producción en 2008, quizás la cinta de James Gray hubiera merecido una mejor suerte de cara a los galardones.

A fin de cuentas, Two Lovers aspira a dejar huella, necesita ser reconocida como -lo que en realidad es- una lozana experiencia pasional disidente del género, al igual que el hombre, y en este caso concreto Leonard, necesita ser amado. Su lirismo es conveniente en su mayor parte, aunque a veces llegue a aturdir cuando se le suman esas composiciones musicales delicadas y dulces que empalagan un nítido retrato. No obstante, un apunte que no debe pasarse por alto: Gray salva el pellejo gracias a su casting. Un film que exhibe unos modos tan tenues de romper con la tradición romántica hubiera fracasado de no contar con unos actores que absorben la ternura que demanda el guión sin ninguna vacilación, y la tornan dolor con una pasmosa facilidad, para arrojarlo como un demoledor mazazo contra las estremecidas nucas del respetable. (http://www.elespectadorimaginario.com/pages/junio-2010/criticas/two-lovers.php)


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The Deep Blue Sea (Terence Davies, 2011)




The Deep Blue Sea

Ficha Técnica:

Título original:

The Deep Blue Sea

Año:

2011

País:

Estados Unidos / Reino Unido

Género:

Drama. Romance. Años 50

Dirección:

Terence Davies

Guión:

Terence Davies (Obra: Terence Rattigan)

Duración:

98 min

Reparto:

Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale, Karl Johnson, Barbara Jefford, etc.

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1280x688

Formato:

MP4

Tamaño:

998 MB


Sinopsis:
Londres, años 50. En una sociedad puritana e intolerante, Hester Collyer (Rachel Weisz), la mujer de un juez del Tribunal Supremo (Russell Beale), y un apuesto expiloto de la RAF (Hiddleston) viven un amor imposible. (FILMAFFINITY)


2011: Festival de San Sebastián: Sección oficial a concurso

Terence Davies no es uno de los cineastas británicos más conocidos pero goza de cierto prestigio entre la crítica y los festivales de cine. Sólo con sus tres primeros cortometrajes ya había demostrado mucho más que otros realizadores con varias películas pero si eso no era suficiente, se puso en el mapa definitivamente con su fantástica "Distant Voices, Still Lifes" (1988). Desde entonces ha realizado pocas películas pero todas ellas han estado centradas en la mirada al pasado para construir una narración entre lo clásico y lo moderno, desnudando las ciudades en las que éstan tenían lugar y convirtiéndolas en un personaje más. En "The Deep Blue Sea" recupera su mejor nivel aunque sin alcanzar a la citada película de 1988, conformando un hermoso y trágido drama romántico que nos educa sobre el sinsentido del amor.

Protagonizada por una radiante Rachel Weisz, la película nos cuenta la historia de una mujer bien situada, casada con un banquero, pero que de un día a otro se enamora de un joven ex-piloto (un irregular Tom Hiddleston) y decide irse con él. Su vida cambia radicalmente pero no le importa: el amor está por encima del confort. Weisz consigue que casi entendamos esa febril forma de actuar y entrega la que es su mejor interpretación en años, tras hacer el ridículo en películas absurdas como la flojísima "The Lovely Bones". Pero aquí también destacan muchas otras cosas, entre las que se encuentran su sobria fotografía, que se apoya muchísimo en un juego de luces basado en elementos naturales, sin artificios, como el uso de velas para iluminar zonas específicas y no todo el plano, y sobre todo, una dirección ajustadísima de Davies, que aún demuestra saber cómo mover la cámara. Para el recuerdo, instantes como el flashback del túnel y algunos planos largos que demuestran que la imagen, sin diálogos, puede transmitir tanto como la palabra. Recomendable aunque por su tono (no tanto parsimonioso como melancólico) no es para todo el mundo. (Caith_Sith, FilmAffinity)


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