jueves, 8 de noviembre de 2012

The Ghost of Frankenstein (Erle C. Kenton, 1942)




El fantasma de Frankenstein

Ficha Técnica:

Título original:

The Ghost of Frankenstein

Año:

1942

País:

Estados Unidos

Género:

Terror. Ciencia-ficción. Fantástico. Monstruos. Secuela

Dirección:

Erle C. Kenton

Guión:

Scott Darling (Historia: Eric Taylor)

Duración:

65 min

Reparto:

Cedric Hardwicke, Lon Chaney Jr., Ralph Bellamy, Lionel Atwill, Bela Lugosi, Evelyn Ankers, Janet Ann Gallow, Barton Yarborough, Doris Lloyd, Leyland Hodgson, Olaf Hytten, Holmes Herbert

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 544

Formato:

AVI

Tamaño:

1,05 GB


Sinopsis:
Ygor, el colega sin escrúpulos de Frankenstein, resucita al monstruo y lo lleva ante el Dr. Bohmer, quien planea transplantar el cerebro de Ygor para poder dirigir el mundo usando el cuerpo de Frankenstein, pero el plan se trunca cuando el monstruo se vuelve malévolo y se escapa. (FILMAFFINITY)

Tras ''La sombra de Frankenstein'' (1939), Boris Karloff considero que la historia no daba para más y rechazo el papel en la siguiente y este fue substituido por Lon Chaney Jr. quien no sabe interpretar al monstruo con la misma magia y espíritu como Karloff. La añoranza con Karloff es imposible Chaney lo único que hace es dar vueltas por todas partes sin tener rumbo como si fuera un robot. Chaney ya habia interpretado a la momia y al hijo de Drácula, pero el papel por el que es recordado es por el del licántropo Larry Talbot. El film produce cierto entretenimiento aunque es una de las menos conocidas de todas, en esta el otro hijo del doctor Frakenstein es convencido por Igor para revivir al monstruo, y el científico planea cambiar al monstruo el cerebro para poder rehabilitarlo, pero Igor no piensa permitir que le hagan eso a su amigo. En el guión se encuentra numerosos fallos que nos hacen pensar que los guionistas no han visto las anteriores partes y que solo se la han comentado, en esta parte el doctor dice que el monstruo mato a su padre y a su hermano, pero el doctor Frankenstein no moría por causa del monstruo, nunca nos contaron por que murió pero la opción del monstruo es improbable por que en la anterior el monstruo estaba muy débil casi sin poder moverse en ''La sombra de Frankenstein'' (1939) debido a la explosión en ''La novia de Frankenstein'' (1935, la anterior), y el hijo tampoco moría por causa del monstruo ya que en la última tiraba al monstruo al azufre al final y en esta el monstruo sale de el azufre al comienzo. A pesar de todo el film merece ser visionado... eso si... sin unos ojos demasiado críticos. (Jesús Hermida, FilmAffinity)

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Hesus, rebolusyunaryo (Lav Diaz, 2002)




Hesus the Revolutionary

Ficha Técnica:

Título original:

Hesus, rebolusyunaryo

Año:

2002

País:

Filipinas

Género:

Drama. Acción. Ciencia ficción

Dirección:

Lav Diaz

Guión:

Lav Diaz

Duración:

104 min

Reparto:

Mark Anthony Fernandez, Donita Rose, Joel Lamangan, Ronnie Lazaro, Pinky Amador, Ricardo Cepeda, Bart Guingona, Richard Joson, Orestes Ojeda, Marianne de la Riva, Lawrence Espinosa, Tado, Dido De La Paz, Diding Andres, Forsythe Cordero

Datos del archivo:

Idioma:

Filipino y Tagalog con subs en español (srt)

Calidad:

VCDRip

Resolución:

704x524

Formato:

AVI

Tamaño:

766 MB


Sinopsis:
En el futuro cercano entre calles y callejones vacios, puestos de control , ciudadanos errantes que se juntan a cantar el Himno Nacional y una literatura y un arte florecientes bajo la opresión fascista, el General Racellos controla al pueblo a través de la televisión y la radio donde anuncios y trozos de propaganda se difunden mecánicamente. Mientras, los verdaderos artistas luchan por la libertad bajo tierra liderados por Hesus, un poeta y pistolero.

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

Isadora (Karel Reisz, 1968)




Isadora / Loves of Isadora

Ficha Técnica:

Título original:

Isadora

Año:

1968

País:

Reino Unido

Género:

Drama. Musical. Ballet

Dirección:

Karel Reisz

Guión:

Melvyn Bragg, Clive Exton

Duración:

138 min

Reparto:

Vanessa Redgrave, James Fox, Jason Robards, Ivan Tchenko, Vladimir Leskovar, Cynthia Harris, Bessie Love, Tony Vogel, Libby Glenn, Ronnie Gilbert, Wallas Eaton, Nicholas Pennell

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688x368

Formato:

AVI

Tamaño:

1,31 Gb


Sinopsis:
Retrato de la atormentada vida de la bailarina Isadora Duncan, pionera del ballet moderno americano. (FILMAFFINITY)


1968: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Vanessa Redgrave)
1969: Festival de Cannes: Mejor actriz (Vanessa Redgrave)

Isadora Duncan (1878-1927), fue una expresión de la polémica, y de la inquieta persecución del pasado, de la espiritualidad y del epicureísmo. Influenciada por las fuerzas de la Naturaleza (adoraba el mar), el arte griego clásico y su manera liberal de concebir la vida y el arte, se alejó de los encorsetados patrones de la danza clásica, e inventó un estilo natural en el que cuerpo y espíritu van en consonancia, sin amarras. Los decorados eran sencillos, su vestuario se limitaba a imitar la moda de la antigua Grecia de túnicas ligeras, no se maquillaba, muchas veces se dejaba el pelo suelto y no se ponía ningún calzado en los pies. Su danza era una manifestación de espontaneidad, en contra de la antinaturalidad del ballet que condena a las bailarinas a muchísimo esfuerzo y sacrificio. También las temáticas de sus espectáculos poseían la fuerza auténtica de los sentimientos en su estado primigenio. Así el dolor era abrasador, la muerte se notaba próxima, las emociones eran intensas, sin más restricciones que los límites físicos del cuerpo de Isadora.

El público se soliviantaba ante semejante audacia.

Y, para ser consecuente, la artista vivió según su manera de concebir el baile. Pero no la persiguió la fortuna. La desgracia marcó, golpe a golpe, su escandalosa vida.

Buena recreación, con una entregada Vanessa Redgrave, de la revolucionaria bailarina, mostrando su turbulento paso por el mundo. (Vivoleyendo, FilmAffinity)


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Flandres (Bruno Dumont, 2006)




Flandres

Ficha Técnica:

Título original:

Flandres

Año:

2006

País:

Francia

Género:

Drama. Bélico.

Dirección:

Bruno Dumont

Guión:

Bruno Dumont

Duración:

93 min

Reparto:

Adélaïde Leroux, Samuel Boidin, Henri Cretel, Jean-Marie Bruveart, David Poulain, Patrice Venant, David Legay, Inge Decaesteker

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español, portugues e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688x288

Formato:

AVI

Tamaño:

800 MB


Sinopsis:
Ambientada en la actualidad, narra la historia de un grupo de jóvenes soldados que abandonan su pueblo en el norte de Francia para ir al frente a luchar en una guerra lejana. (FILMAFFINITY)

2006: Cannes: Gran Premio del Jurado

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Una mujer sin amor (Luis Buñuel, 1952)




Una mujer sin amor

Ficha Técnica:

Título original:

Una mujer sin amor

Año:

1952

País:

México

Género:

Drama

Dirección:

Luis Buñuel

Guión:

Jaime Salvador (Novela: Guy de Maupassant)

Duración:

81 min

Reparto:

Rosario Granados, Tito Junco, Julio Villarreal, Joaquín Cordero, Xavier Loyá, Elda Peralta, Jaime Calpe, Eva Calvo

Datos del archivo:

Idioma:

Español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Una travesura infantil de su hijo Carlitos provoca que Rosario, una joven casada con un hombre mayor, conozca a Julio, un ingeniero por el cual se siente atraída de inmediato. Convertidos en amantes, Rosario planea huir con Julio, pero la enfermedad de su esposo se lo impide... (FILMAFFINITY)

Wikipedia afirma que “el director dice que es su peor película” y con esa aseveración da por terminada su sagaz información, a excepcion de unas gotas argumentales... Caramba, eso es una información concisa y sesgada al mismo tiempo, que no invita precisamente a verla.

Quienes aconsejados por la socorrida enciclopedia no lo hagan, se perderán una pieza de interés para conocer una parte importante de la filmografia del director de Calanda, que en ese momento estaba creando algunas de sus claves y desarrollando otras. Porque no es, sin duda, la mejor de este periodo cinematográfico de Luis Buñuel, pero eso no significa que sea una mala película, diga lo que diga el propio director, y suscriba con conciso entusiasmo Wikipedia, que en esta ocasión no se ha esforzado demasiado en el análisis.

Creo que todo esta en ella correcto, y que una interpretación intensa y convincente salva algunas deficiencias. Es cierto que el guión es literario, pero el director le ha sabido dar un convincente dramatismo a una historia que proviene de una novela de Guy de Maupassant y tal vez reclama demasiado su procedencia.

Hay un punto efectivamente de impersonalidad, pero Bunuel sabe ya el oficio, tiene una trayectoria a sus espaldas y las circunstancias económicas le han llevado a hacer este cine comercial que tal vez no era el que el hubiera deseado. Pedir más es como si esperásemos de un dibujo inicial de Goya la profundidad existencial de sus grabados o las excelencias pictóricas de su última etapa.

Con todo, la película contiene ya mucho de la cosmovisión del director en cuanto a los contenidos. En concreto hay una lúcida y bastante mordaz reflexión sobre la institución familiar y los comportamientos hipócritas y viciados que normalmente encontramos en ella. Hay tambien una crítica a la figura de ese padre autoritario, incapaz de comprender y perdonar, anclado en el orgullo y la ciega autoridad que parece corresponderle en ese contexto. Y tambien, de la ofuscación que los celos, el orgullo herido y el honor maltrecho pueden ocasionar entre unos hermanos a partir de que ciertos fantasmas familiares aparecen. Todo ello conecta con la corrosión crítica de algunas películas anteriores y otras que habrian de venir con los tiempos por las que recordaremos eternamente la figura de Buñuel.

No sólo se puede ver: todo tiene buena factura y la película mantiene nuestra atención perfectamente, incluyendo momentos excelentes. Hay oficio por todas partes, sabiduría con la camara y, sin duda, una excelente tratamiento fotográfico. Todo eso, y, especialmente, ese trabajo aludido con unos actores sencillamente estupendos, algo que, por otra parte, es una constante en esta etapa mexicana, son sus principales bazas. (Paco Ortega, FilmAffinity)


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City Girl (F. W. Murnau, 1930)



El pan nuestro de cada día

Ficha Técnica:

Título original:

City Girl

Año:

1930

País:

EEUU

Género:

Drama

Dirección:

F. W. Murnau

Guión:

Berthold Viertel, Marion Orth (Obra: Elliott Lester)

Duración:

88 min

Reparto:

Charles Farrell, Mary Duncan, David Torrence, Edith Yorke, Dawn O'Day, Tom McGuire, Richard Alexander, Patrick Rooney

Datos del archivo

Idioma:

Muda con intertitulos en inglés y subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

528x400

Formato:

AVI

Tamaño:

1,37 GB


Sinopsis:
Primer film sonoro de Murnau (y último de ficción). Durante su producción y rodaje (en tierras americanas, donde había realizado ya la obra maestra "Sunrise"), surgieron importantes divergencias del director alemán con el dueño de la Fox, William Fox. La más importante fue la imposición de ser un film hablado (Murnau comenzó la película siendo muda), dado el fulgurante éxito del cine sonoro, así como la incapacidad del estudio por conseguir a la estrella Janet Gaynor (protagonista de "Amanecer"). Murnau, desencantado, decidió una vez acabada la película asociarse con el documentalista Robert J. Flaherty, para rodar "Tabu" sin ningún tipo de imposición de los estudios. "El pan nuestro de cada día" está basada en la obra "The Mad Turtle", de Elliott Lester, y narra la historia de un joven de Minnesota que va a Chicago y se enamora. (FILMAFFINITY)


Penúltimo título de la filmografía de Murnau, El pan nuestro de cada día (City Girl o Our Daily Bread en su versión sonorizada de 1930) supuso su ruptura con la Fox precisamente por las azarosas circunstancias que concurrieron en la oposición del gran realizador alemán a dicha sonorización. El pan nuestro… sucedió a Los cuatro diablos Four Devils (The Four Devils, 1928), uno de sus títulos lamentablemente perdidos y tras él tan solo rodaría la maravillosa Tabú (Tabu, 1931, en colaboración con Robert J. Flaherty). Pese a que el título que comentamos carece de las ambiciones —en el mejor sentido de la palabra— que fructificaran en la magistral Amanecer (Sunrise: A Son of Two Humans, 1927) —bajo mi punto de vista su obra cumbre y una de las cimas del cine mudo—, es un film excelente, propio de la maestría en el lenguaje cinematográfico que Murnau dominaba como pocos, y al mismo tiempo admirable en el contraste de dos entornos tan contrapuestos como el urbano y el rural, incidiendo en los elementos más alienantes —el de las grandes ciudades— y regresivos —el del campo—, para afirmar una vez más la apuesta por el amor.

Pocas películas como esta tienen una arranque tan rotundo. En plano general un tren recorre velozmente de izquierda a derecha el encuadre. Le sucede otro en plano medio ya en el interior de un vagón que nos presenta a Lem Tustine (una vez más, maravilloso Charles Farrell). El despiste a la hora de no encontrar su billete cuando el revisor lo reclama, además de aportar un elemento de comedia describe su carácter ingenuo. Algo que confirmará el plano posterior de una joven de vida alegre —su caracterización es inequívoca— observando las acciones de Lem —advierte al instante que se trata del clásico joven protegido por su familia—. Este acude a la ciudad a vender la cosecha de trigo de sus padres. Murnau inserta unos planos describiendo a sus progenitores. El padre (impecablemente hosco David Torrence), la madre (sensible Edith Yorke) y la pequeña hija, a la que el padre regaña por recocer un pequeño ramo de espigas de trigo evidenciando su carácter autoritario. Una vez en Nueva York, Lem acude a comer a un restaurante. Será allí en donde Murnau inserte dos de sus escasísimos travellings mostrando las masas abigarradas ante la barra. Muy pronto la apostura de Lem llama la atención de las camareras, atendiéndole finalmente Kate (magnífica Mary Duncan). La joven va observando los rasgos de nobleza del joven, que está escribiendo unas postales a sus padres. Una accidental caída de la bebida permite a la camarera conocer la procedencia del muchacho —lee la dirección en una postal ahora mojada—, y se inicia un cordial trato entre ellos que el granjero sella torpemente entregando una propina a la decepcionada camarera. Sin embargo, instantes después este le dice que volverá a verla. Ya en la calle Lem descubre en un diario la llegada de la depresión, elemento que destaca Murnau en un arriesgado travelling de retroceso que lo relaciona con el conjunto de viandantes que abarrotan la calle. La analogía está clara: ha hecho su entrada un elemento desasosegador que afectará a todos.

La película retorna a Kate, que vive en un triste apartamento flanqueado por los reflejos de letreros luminosos. La camarera añora la naturaleza —su visión de un anuncio lo asevera—. Al mismo tiempo cuida con mimo una pequeña planta y conserva un pajarito enjaulado, que es mecánico y solo funciona dándole cuerda, en otra metáfora de esa ausencia de lo auténtico en la masificación urbana. Las fluctuaciones de la bolsa —breves planos de las sesiones—, concluye en que el granjero obtenga menor beneficio del consignado por su padre. Decepcionado y preocupado acude de nuevo a comer al restaurante en el que sirve Katy. Allí se sincera con ella y en pocos instantes intuyen que entre ellos hay algo más. Muy poco después el granjero defiende a la camarera del acoso de un cliente… y todo confluye en una declaración de matrimonio. El queda conmocionado por el paso adelante que ha decidido dar y ella sigue sirviendo llorando. La cita a la una de la tarde en la estación y la espera. Los minutos pasan y el tren va a salir. Ella al mismo tiempo duda en dar el paso adelante. Lem está a punto de abandonar la gran urbe pero un elemento del destino —un boleto que adquiere y le indica que no deje escapar la mujer de su vida—, le permite esperar y finalmente ambos se encuentran y funden en un abrazo.

De regreso en el tren, un hermoso plano medio nos los muestra dormidos —se supone que ambos se han casado ya— y con los billetes de los dos en el sombrero del joven —otra metáfora de Murnau: su carácter ha madurado con este encuentro—. La nueva pareja llega a la granja cruzando los prados de trigo. Son recibidos por la madre, emocionada. Su pequeña hija le entrega un ramo de espigas y Katy le obsequia con el pajarito mecánico que los cuatro contemplan en un entrañable momento familiar que se enturbia definitivamente con la llegada del padre, tirando el ramo de espigas. En una situación tan tensa, el realizador inserta el contrapunto de un apunte de comedia al mostrar a la niña huyendo no sin antes coger rápidamente el pájaro mecánico.

La acritud del padre se extiende hacia su hijo, al que reprocha el bajo precio logrado por la cosecha y teniendo posteriormente una disputa con su nueva nuera, de la que solo tiene una opinión negativa. En esta situación llega el periodo de la cosecha. Acuden a la granja un grupo de contratados. Uno de ellos —Mac—, acosa a la joven mientras que Lem se encuentra ausente y totalmente abatido. La noticia de la llegada de una tormenta obliga al dueño de la granja a que la recolección de la cosecha se culmine en plena noche, para lo cual duplica el sueldo a los operarios. Mac mientras tanto sigue su acoso a Katy, a la que conmina a que huya junto a él, mientras esta le venda su mano herida. El anciano dueño descubre a ambos pero ello no evita que la muchacha reproche en off a su suegro su actitud hostil, no sin antes decidir abandonar a su esposo para no crearle más problemas y huir de un ámbito que no es el suyo. Lem finalmente recobra sus impulsos al luchar y pelear con Mac tripulando ambos en una carreta y en una densa y oscura secuencia dominada por la luz de un quinqué. En ella el joven protagonista logra vencer a su contrincante pero el padre dispara pensando que lo hace con un obrero que huye. El tiro destruye el quinqué; se hace la oscuridad. Sin embargo su hijo queda indemne y su progenitor se arrepiente de su intransigencia aceptando los sentimientos del noble joven. En medio del viento el granjero recupera a su esposa —que ya había iniciado su huída— y ambos entran en la granja con el abrazo arrepentido del anciano, que conduce el carro que ellos tripulan en un momento de especial emotividad.

Es evidente que a la hora de comentar los títulos de grandes directores como es el caso de Murnau, en muchas ocasiones el ejercicio crítico es ocioso y la descripción de sus obras intenta reflejar tímidamente el sentimiento que se desprende de sus imágenes. Se podrían detallar mil y un elementos; la utilización de la iluminación, las sombras, el movimiento de los actores, la utilización de un inserto para definir un carácter… o el destino que se decide con una tarjeta en una cabina de acertijos. El pan nuestro de cada día es un ejemplo de ello y al mismo tiempo de una preocupación social que se comenzaba a concretar en la cinematografía de aquel periodo. Puede decirse que tanto en sus contenidos como en sus formas la película del realizador alemán puede erigirse como uno de sus precedentes más lúcidos al tiempo que menos difundidos de esa tendencia. La película se caracteriza por la presencia de bastantes intertítulos —conviene subrayara que la copia que comento es la muda— pero no es menos cierto que buena parte de ellos son absolutamente innecesarios, puesto que la sabia narrativa de Murnau nos lleva hacia aquello que quiere expresar con la imagen en su lucha constante por lo visual. Una muestra admirable la tenemos en la conversación de los protagonistas en el restaurante —su segundo encuentro—. Apenas hacen falta más que la cuidadosa pero sencilla planificación y la dirección de los actores. La inserción de la defensa de Lem hacia el cliente que se propasa con Katy sirve como referente para proponerla en matrimonio. Los instantes que se suceden se sitúan a mi juicio entre lo más memorable, íntimo y conmovedor legado por el cineasta alemán en toda su trayectoria; mientras el granjero se mantiene inmóvil y transfigurado tras la barra —quizá hasta atormentado, fruto de su educación familiar—, la camarera sigue sirviendo con extraña musicalidad pero sin poder dejar de llorar. Parece que ambos hayan logrado casualmente encontrar aquello que tanto han deseado y no sepan como expresarlo. Esa manifestación de una extraña felicidad, de estar flotando en una nube, que es uno de los rasgos de estilo del maestro alemán.

Pese a la sobriedad que demuestra sobre sus obras precedentes El pan nuestro… se caracteriza por un ritmo trepidante en sus fragmentos urbanos, mientras que en el más amplio metraje rural adquiere un tempo más relajado, que se interrumpe con las secuencias de la lucha final entre Lem y Mac, —acentuada por el peso dramático de la tormenta— hasta recuperar en sus instantes finales esa ascesis de felicidad que la pareja protagonista siempre había deseado. Nadie puede dudar que F. W. Murnau fue uno de los grandes maestros del cine. Era uno de aquellos directores que poseía la llave de los sentimientos en sus películas, plenas de referencias artísticas de toda índole y de inventiva tanto en la técnica, la utilización dramática de la iluminación o la progresión de sus argumentos. Bajo mi punto de vista, el único elemento de debilidad de la película se produce en un cierto bache de ritmo existente tras la llegada de la pareja a la granja y hasta la llegada del elemento dramático de esa tormenta que está por llegar. Es por ello que en una trayectoria de la que poco a poco van editándose con especial cuidado diversas de sus películas —fundamentalmente las de su periodo alemán, más prolija en títulos—, me gustaría que estas líneas sirvieran como llamada de atención para hacer lo propio con El pan nuestro…, que en nuestro país apenas ni es considerada salvo en entornos muy vinculados con el estudio de su obra. A ella tan solo con posterioridad Murnau legaría Tabú. En ella exploraría nuevos terrenos estéticos y de forma trágica e inesperada con su muerte, le hacía entrar en la leyenda. (Juan Carlos Vizcaìno, Miradas de Cine)


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Suna no utsuwa (Yoshitaro Nomura, 1974)




The Castle of Sand

Ficha Técnica:

Título original:

Suna no utsuwa

Año:

1974

País:

Japón

Género:

Thriller

Dirección:

Yoshitaro Nomura

Guión:

Yoshitaro Nomura, Shinobu Hashimoto, Yôji Yamada (Novela: Seicho Matsumoto)

Duración:

143 min

Reparto:

Tetsuro Tamba, Go Kato, Kensaku Morita, Yôko Shimada, Karin Yamaguchi, Ken Ogata, Seiji Matsuyama, Yoshi Kato, Chishu Ryu, Shin Saburi, Kiyoshi Atsumi

Datos del archivo:

Idioma:

Japonés con sub en español (srt) e inglés (sub/idx)

Calidad:

DVDRip gracias al magnifico trabajo de la gente de Allzine

Resolución:

720x356

Formato:

AVI

Tamaño:

2,06 GB


Sinopsis:
Dos detectives son asignados a la investigación del asesinato de un viejo ex-policía en la estación de ferrocarril de Tokio sin ninguna motivación aparente. Poco a poco, la investigación acabará conduciendo al descubrimiento del pasado oculto de un joven y prometedor músico... (FILMAFFINITY)

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Amator (Krzysztof Kieslowski, 1979)



El aficionado

Ficha Técnica:

Título original:

Amator

Año:

1979

País:

Polonia

Género:

Drama. Sobre cine

Dirección:

Krzysztof Kieslowski

Guión:

Krzysztof Kieslowski

Duración:
107 min

Reparto:

Jerzy Stuhr, Malgorzata Zabkowska, Ewa Pokas, Stefan Czyzewski, Jerzy Nowak

Datos del archivo:

Idioma:

Polaco con subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

576 x 432

Formato:

AVI

Tamaño:

1.37 GB


Sinopsis:
Filip Mosz es un obrero que descubre gracias a una súper 8 los poderes de las grabaciones cinematográficas. Destinada a grabar los primeros pasos de su bebé, la cámara se convierte en herramienta de exploración y análisis del mundo: fábricas, obreros, ciudades, poblaciones, recuerdos, relaciones de poder y trabajo A medida que Filip encuentra nuevos temas, el mundo cambia. Esta actividad lo aleja de su mujer, empeora su relación con su jefe y provoca rupturas y malentendidos. Tanto su vida privada como su vida social se vuelven inestables como si el cine influyera en la realidad. (FILMAFFINITY)

Película sencilla pero no muy cómoda, el espectador (pese a que no es un film especialmente complejo) ha de sobreponerse al ritmo lento y a unas reflexiones que, por esa aparente sencillez, pueden descolocar a más de uno. Ahora bien, el que esté dispuesto a dejarse llevar encontrará sobrados motivos de satisfacción.

Desde el punto de vista de la aparición del ansia por registrar la realidad y de “crear”, la película es interesantísima, sobre todo al principio. Nos hablan de la perspectiva del cine como registro de la memoria, como exploración de la realidad, como “responsabilidad” y compromiso del autor. En este sentido hay momentos como las primeras grabaciones del protagonista, el estallido de emoción tras ver el documental de uno de los trabajadores en TV... que son muy intensos y esbozan las cuestiones que, en mi modesta opinión, debieron ser el eje de la cinta.

Me encantó ver la fascinación del protagonista por su cámara, por las imágenes registradas, por su búsqueda de algo elevado en esa actividad que, por azar, ha descubierto y su ansia por averiguar el sentido y los objetivos que la creación cinematográfica incorpora.

Pero la película va abandonando esas consideraciones (nunca del todo, pero pierden el papel preponderante del principio) y comienza a dejarnos apuntes sobre su crisis matrimonial y, sobre todo, se centra en la consideración del cine como propaganda e instrumento del que hacer uso para fines concretos que nada tienen que ver con lo artístico ni con la búsqueda de la “verdad”.

Esa perspectiva de cine de autor vs. control e injerencia del poder (realidad vs. adulteración y ocultación) acaba siendo el motor principal y a esa cuestión se dedica gran parte el metraje. Quizás mi pega (el 7 y no un 8) sea debido a eso. No trato de ser objetivo pero el inicio de la película me insinuó otro camino, creí que las reflexiones sobre la creación y el hecho cinematográfico desde una perspectiva más reflexiva pero apasionada a la vez (el poder de las imágenes sin más, sin explicaciones) serían lo fundamental. Tanto desde la perspectiva de la creación, fascinación y conflicto a la hora de decidir lo que es y lo que no es arte, lo que merece la pena registrar, el compromiso del director con la realidad, con el público, la libertad del artista... Pero al final (pese a que hay un poco de todo) lo que se impone es el conflicto ético del protagonista con el director de la fábrica (censura). Así que la película toma ese camino mucho más directo. Y es cierto que eso es también parte del conflicto de ese director en ciernes de documentales, pero no es la parte que más me interesaba.

También hay un homenaje al director de cine Zanussi, a los cineclubs y a los debates posteriores al visionado de una película, cierta intención paródica en el festival de cine (con algunos personajes ridiculizados) etc. (Bloomsday, FilmAffinity)


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Qing shao nian nuo zha (Ming-liang Tsai, 1992)



Rebeldes del dios neón

Ficha Técnica:

Título original:

Qing shao nian nuo zha

Año:

1992

País:

Taiwan

Género:

Drama

Dirección:

Tsai Ming-liang

Guión:

Tsai Ming-liang

Duración:

102 min

Reparto:

Lee Kang-sheng, Chen Chao-jung, Wang Yu-wen, Jen Chang-pin, Miao Tien, Lu Hsaio-lin

Datos del archivo

Idioma:

Mandarin con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

544x288

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
El joven Hsiao Kang, excéntrico e introvertido, abandona la aldea donde vive con sus padres y se traslada a la deslumbrante Taipei. Allí se ve arrastrado a la vida en las calles de la ciudad y sus salas de máquinas. Muy pronto su vagabundeo le hará encontrarse por azar con Ah Tze, un joven delincuente que corteja a la bella Ah Kuei, que trabaja en la sala de patinaje sobre hielo. Hsiao Kang verá su vida perversa e indisolublemente ligada a la de Ah Tze y su novia Ah Kuei, a los que acechará desde las sombras. (FILMAFFINITY)


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Siglo ng pagluluwal (Lav Diaz, 2011)



Century of Birthing

Ficha Técnica:

Título original:

Siglo ng pagluluwal

Año:

2011

País:

Filipinas

Género:

Drama. Experimental

Dirección:

Lav Diaz

Guión:

Lav Diaz

Duración:

358 min

Reparto:

Angel Aquino, Joel Torre, Perry Dizon, Hazel Orencio, Roeder Camanag, Soliman Cruz, Dante Perez Modesta

Datos del archivo:

Idioma:

Filipino y Tagalog con subs incrustados en inglés

Calidad:

DVDRip gracias al magnifico trabajo de la gente de AllZine

Resolución:

720x416

Formato:

AVI

Tamaño:

757 MB + 720MB + 1,04 GB + 1,41 GB


Sinopsis:
Un artista se esfuerza por terminar su trabajo. Una historia acerca de un culto le ronda en la cabeza. El fundamentalismo va a destruir el mundo. El artista destruye su musa en el proceso. Él le redime al final. (FILMAFFINITY)

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