viernes, 26 de octubre de 2012

American Guerrilla in the Philippines (Fritz Lang, 1950)



Guerrilleros en Filipinas

Ficha Técnica:

Título original:

American Guerrilla in the Philippines

Año:

1950

País:

Estados Unidos

Género:

Bélico (Segunda Guerra Mundial)

Dirección:

Fritz Lang

Guión:

Lamar Trotti (Novela: Ira Wolfert)

Duración:

101 min

Reparto:

Tyrone Power, Micheline Presle, Tom Ewell, Robert Patten, Tommy Cook, Juan Torena, Jack Elam, Robert Barrat

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x576

Formato:

MKV

Tamaño:

2,03 GB


Sinopsis:
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Durante 1942, las fuerzas japonesas avanzan sin encontrar apenas resistencia por parte de los americanos. Chuck y Jim, dos soldados que se han quedado aislados con otros compañeros, consiguen llegar hasta sus líneas después de una marcha de doscientos kilómetros. Sin embargo, lo único que encuentran es un pequeño destacamento que ha recibido orden de rendirse. (FILMAFFINITY)

Una de las grandes virtudes que posee el cine es el hecho que se haya erigido en el arte popular por excelencia del pasado siglo XX, continuando con su status en el presente siglo XXI, relegando y desplazando a otras manifestaciones artísticas a un segundo plano.

No es de extrañar que un instrumento como el cine haya sido utilizado para sus más diversos usos a lo largo de su historia. Desde entretenimiento popular hasta denuncia política, el cinematógrafo encontró en la propaganda política un arma que cada gobierno explotó según sus intereses bélicos, para ejercer una influencia masiva en el pueblo, que conscientemente sabían que no podrían alcanzar con medios más convencionales.

De este modo, según los regímenes acaecidos en el convulso siglo pasado, el cine ha servido para mostrar las diferentes posturas e ideas que florecieron durante ese tiempo, así mismo como vehículo de enseñanza y asentamiento de grandes cineastas.

Desde el servilismo de Leni Riefenstahl al partido nazi, pasando por la apología de la cinematografía soviética al comunismo, al partido y a la madre Rusia con Eisenstein a la cabeza (capítulo aparte merecería nuestro entrañable No-Do), la exaltación patriótica del gobierno norteamericano en las décadas de los años 40-50 fue sin duda la más productiva en cuanto a número de largometrajes y cineastas que lo abarcaron, siendo éstos nada más que un nombre en los créditos.

Desde directores que rodaron obras al servicio de su país por voluntad propia, que abarcaron desde el documental -John Ford y su genial Batalla de Midway (Battle of Midway, 1942), o Frank Capra, por ejemplo- hasta la ficción -otra vez Ford, con No eran imprescindibles (They Were Expendable, 1945)- muchos cineastas se vieron obligados a transigir en obras para los grandes estudios que despacharon con tanta profesionalidad como falta de interés, y que sin duda alguna no aportara nada a su trayectoria vital de directores de cine.

Nicholas Ray tuvo que ceder entregando la mediocre Infierno en las nubes (Flying Leathernecks, 1951) con John Wayne y Robert Ryan, así mismo como Fritz Lang, quien no sólo tuvo que ver como añadían una conclusión innecesaria a su excelente El hombre atrapado (Man Hunt, 1941) sino que rodó la presente película que nos ocupa.

Paradigma del cine de propaganda del ejército norteamericano, el largometraje constituye un claro ejemplo de película prefabricada y dirigida a ensalzar los valores del ejército así como sus intervenciones militares. Cuidada en extremo y rodada con una solvencia y profesionalidad digna de elogio (los estadounidenses pueden presumir de su inteligencia al encargar esta clase de trabajos a sus mejores cineastas), y amparada en el reclamo popular que supone contar con un par de estrellas en su elenco (en este caso con el señor Tyrone Power a la cabeza), la película narra las vivencias de un comando en Filipinas semanas antes de la intervención de los Estados Unidos en Corea, mientras esperan la vuelta del general MacArthur, siendo ayudados por la guerrilla nativa contra la invasión japonesa en 1942.

De argumento simple y masticado para hacer más directo y digerible su visionado, con el technicolor ayudando en su grandilocuente vistosidad que realza su propósito, la película no es más que un vehículo de lucimiento para sus actores y orgullo de los norteamericanos, que no supone ningún tipo de acercamiento a la obra de Lang, quien se deshizo del proyecto con la sabiduría que ostentaba y la frialdad que se le suponía.

Frente a reflexiones más serias en torno a la guerra de la misma época -Raoul Walsh y su insuperable Objetivo Birmania (Objective Burma!, 1945)- es una pena que Lang como cineasta extranjero en Hollywood no aprovechara la ocasión como otros sí han hecho -y si no que se lo pregunten a Billy Wilder o Ang Lee- para diseccionar la vida y costumbres norteamericanas desde un prisma privilegiado, apoyándose en el prisma que su condición le ampara.

A pesar de ello, Guerrilleros en Filipinas supondrá una curiosidad cinéfila para aquellos amantes y estudiosos de la obra del cineasta alemán, que de nuevo demuestra su capacidad para abordar cualquier género (drama, noir, thriller, western, épico...), pero que no supone ningún eslabón perdido -debido a su hoy nula distribución- para aquellos que ni siquiera la conozcan. (Emilio Martínez-Borso: Miradas de Cine)


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Mulholland Dr. (David Lynch, 2001)




Mulholland Drive / El camino de los sueños / Sueños, misterios y secretos

Ficha Técnica:

Título original:

Mulholland Dr.

Año:

2001

País:

Estados Unidos / Francia

Género:

Intriga / Drama

Dirección:

David Lynch

Guión:

David Lynch

Duración:

141 min

Reparto:

Naomi Watts, Laura Elena Harring, Ann Miller, Dan Hedaya, Justin Theroux, Brent Briscoe, Robert Forster, Katharine Towne, Lee Grant, Scott Coffey, Billy Ray Cyrus, Chad Everett, Rita Taggart, James Karen, Lori Heuringher

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 400

Formato:

AVI

Tamaño:

1,12 GB


Sinopsis:
Betty, una joven aspirante a actriz, llega a Los Ángeles para convertirse en estrella de cine y se aloja en el apartamento de su tía. Allí conoce a Rita, una mujer que padece amnesia a causa de un accidente sufrido en Mulholland Drive. Las dos juntas deciden investigar quién es Rita y cómo llegó hasta allí. (FILMAFFINITY)


2001: Oscar: Nominada a Mejor dirección
2001: Globos de Oro: 4 nominaciones: Mejor Película, director, guión y BSO
2001: BAFTA: Mejor montaje. Nominada a mejor música banda sonora
2001: Cesar: Mejor película extranjera
2001: Festival de Cannes: Mejor Director (David Lynch). 2 nominaciones
2001: Festival de Toronto: Mejor director
2001: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película
2001: Círculo de Críticos de New York: Mejor Película
2001: Círculo de Críticos de Chicago: Mejor película, director, actriz. 5 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director
2001: National Board of Review: Mejor actriz (Naomi Watts)
2001: Independent Spirit Awards: Mejor fotografía

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La classe operaia va in paradiso (Elio Petri, 1972)




La clase obrera va al paraíso

Ficha Técnica:

Título original:

La classe operaia va in paradiso

Año:

1972

País:

Italia

Género:

Drama

Dirección:

Elio Petri

Guión:

Elio Petri, Ugo Pirro

Duración:

111 min

Reparto:

Gian Maria Volonté, Mariangela Malato, Gino Pernice, Luigi Diberti, Donato castellaneta, Giuseppe Fortis, Salvo Randone

Datos del archivo:

Idioma:

Italiano con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

512x272

Formato:

AVI

Tamaño:

690 MB


Sinopsis:
Ejemplo del cine denuncia, en este caso de las condiciones laborales en las fábricas, a través de la historia de un obrero modelo que, a raíz de un accidente, se convierte en sindicalista. (FILMAFFINITY)



1972: Cannes: Palma de Oro
1971: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo)

Muy valorada en su momento, como así lo prueban los importantes premios obtenidos, esta película de Petri es paradigmática dentro del cine político y denuciatorio, que experimentó una auténtica eclosión en Italia a partir de los años 60. El objetivo que persigue el filme es criticar la condición de la clase obrera mostrando la alienación de un trabajador que, siendo en principio modélico (va a lo suyo y es un ejemplo de productividad), acaba convirtiéndose en un subversivo (tras sufrir un accidente laboral), toma de conciencia a la que se apareja el deterioro de su vida familiar, e incluso de su salud mental.

Vista hoy, es imposible negar que la cinta ha envejecido, tanto en la forma como en el fondo, circunstancia que no impide que el argumento sea interesante y que aún tenga vínculos con el tiempo presente. El retrato que se hace del trabajo fabril, marcado por el imperio de la productividad y la vigilancia de los supervisores, se asemeja a lo que ya Chaplin propusiera en su estupenda "Tiempos Modernos" (perspectiva que había tomado de la anterior y excelente "Viva la Libertad" de René Clair), aunque despojándolo de humor y acentuando sus aspectos más desagradables y deshumanizadores. Lo cierto es que es una película crispada, en la que los personajes discuten y gritan constantemente, dejando poco margen para la reflexión, y en la que se retrata la división existente entre los obreros, al tiempo que contrapone las formas de lucha de los sindicatos y de los estudiantes de extrema izquierda revolucionaria, sin que ninguno salga especialmente bien parado (a los sindicatos se les acusa de reformistas y a los estudiantes de utópicos revolucionarios "que se lo pueden permitir"). En medio de este caos el protagonista parece condenado a la confusión y la desesperación, que lo llevan hasta la locura, por lo que el mensaje de la historia resulta claramente pesimista.

La película es crispada en todos sus aspectos; desde las interpretaciones, con un excesivo Volonté a la cabeza, pasando por los movimientos de cámara (con frecuencia nerviosos, enfatizando la incertidumbre de las situaciones mostradas, que a veces rozan la violencia), y culminando en la música, a cargo de Morricone. El guión resulta desigual, perdiendo efectividad en los momentos más surrealistas del filme, como los fragmentos de humor absurdo y algunas alusiones ideológicas, que se plantean de forma un tanto confusa.

Por todo ello un filme interesante, y que hoy, "cautiva y desarmada" la clase obrera europea, parece hablarnos desde un pasado remoto, cuando "apenas" han pasado cuarenta años desde su realización. (Quatermain80, FilmAffinity)


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Nazareno Cruz y el lobo (Leonardo Favio, 1975)




Nazareno Cruz y el lobo

Ficha Técnica:

Título original:

Nazareno Cruz y el lobo

Año:

1975

País:

Argentina

Género:

Drama, Fantástico

Dirección:

Leonardo Favio

Guión:

Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury, Juan Carlos Chiappe

Duración:

85 min

Reparto:

Juan José Camero, Marina Magali, Alfredo Alcón, Lautaro Murúa, Nora Cullen, Elcira Olivera Garcés, Saul Jarlip, Juanita Lara, Yolanda Mayorani, Marcelo Marcote

Datos del archivo

Idioma:

Español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x544

Formato:

AVI

Tamaño:

1,45 GB


Sinopsis:
Un campesino tiene la desgracia de ser séptimo hijo. En virtud de esta generosidad genealógica, recae sobre él una maldición, que lo convierte en lobizón (hombre lobo de las Pampas) durante la luna llena. Sin embargo ha estado toda su vida viviendo alegremente sin tener problemas, hasta que se enamora de una joven rubia del pueblo. A partir de ese momento, se le aparece el Diablo, quien le advierte que el amor provoca un efecto negativo en Nazareno, que es la consecusión de aquella legendaria maldición. Ya no hay vuelta atrás: o deja de lado sus sentimientos por la joven, o afronta vagar como lobo durante las noches de plenilunio. Claro, el problema es que siendo lobo, Nazareno no puede evitar degustar el ganado ovino y a algún que otro pastor. (FILMAFFINITY)

En el comienzo de los setenta, Leonardo Favio había devenido de joven revelación del cine nacional, en el más popular cantautor latinoamericano del momento, intérprete visceral de canciones pasionales de menor calidad que la obra realizada en la década anterior. Atrás había quedado su magnífica trilogía de películas en blanco y negro, que siguen siendo un referente ineludible para todo interesado en el cine argentino ("Crónica de un niño solo", "El romance de Aniceto y la Francisca", "El dependiente").

Los politizados años setenta lo encuentran regresando al cine, con una mirada muy militante y crítica que transmite en su "Juan Moreyra" (1973). Pero ya en 1975, el peronismo, la tendencia política con la que se identificaba, había caído en un cono de sombra, divisiones y enfrentamientos. En este contexto, debe comprenderse "Nazareno Cruz, el Lobo", una fábula atemporal sobre el mal, el bien y el amor como redención, que parecía casi una extravagancia en un momento en que los jóvenes discutían acerca de un cine ideologizado y militante. Con ese transfondo, Fabio realiza una metáfora que roza la idealizada ética de un cristianismo elemental y muy interesante con una visión del mal, encarnada en un diablo que está algo cansado de su rol y aspira a una segunda oportunidad para repartirse "como un pan entre los hombres".

Desde una mirada actual esta temática tiene una aura de ingenuidad naive, con sus paisajes idílicos, personajes de cuentos de hadas, brujas autóctonas y un diablo muy particular que habita el infierno más interesante que se haya mostrado en el cine nacional.

La dirección de Favio es absolutamente innovadora para ese momento, aquí, en Argentina, decadas antes que cineastas tan ecléticos como Tarantino o Wong Kar Waig nos acostumbraran a un uso desprejuiciado de la música, del romanticismo desbordado, de la desnaturalización morosa de los rallenti (la escena del raccord de miradas alrededor del fuego, cuando Griselda y Nazareno se conocen y enamoran). La fotografía (realizada por Juan José Stagnaro) es, cuanto menos, excelsa para construir la relevante estética del film que aprovecha como nunca nadie antes la orografía del noroeste con sus cuevas y lagunas subterráneas, sus ásperos arbustos, puestas de sol y noches de luna para una historia de estas características.


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Mort d'un pourri (Georges Lautner, 1977)




Muerte de un corrupto

Ficha Técnica:

Título original:

Mort d'un pourri

Año:

1977

País:

Francia

Género:
Thriller

Dirección:

Georges Lautner

Guión:

Michel Audiard, Raf Vallet

Duración:

118 min

Reparto:

Alain Delon, Ornella Muti, Stéphane Audran, Maurice Ronet, Klaus Kinski

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

782x480

Formato:

MKV

Tamaño:

588 MB


Sinopsis:
Un hombre de negocios, Xavier Maréchal, acepta encubrir a un amigo suyo que le confiesa el asesinato de un artista, virtuoso de la corrupción y del chantaje. Al día siguiente, le toca al supuesto amigo morir asesinado. Maréchal se encontrará entonces en medio de una maquinación en la que políticos y gángsters estarán dispuestos a cualquier cosa con tal de recuperar un expediente comprometedor. (FILMAFFINITY)

Acertado filme cuyo argumento gira en torno a la corrupción, analizando la profundidad con la que esta afecta a la política, la sociedad y las actitudes individuales. En el mundo que aquí se describe, lleno de equívocos, medias verdades, intereses y ambiciones, parece no quedar espacio para la ética o la honradez, ya que incluso los personajes que podríamos asociar a tales valores son retratados desde la ambigüedad y la sospecha.

La muerte de un diputado, poseedor de documentos muy comprometedores para otros colegas y también para los poderes que los dirigen y manipulan, desata una carrera entre varios personajes influyentes y corruptos, carrera trufada de muertes, en la que Marechal, el protagonista, se verá envuelto por razones de amistad. A medida que se desarrollan los acontecimientos percibimos que todo su entorno está interesado en hacerse con los citados documentos y en conocer el "precio" de Marechal, quien sin embargo tiene otras motivaciones, bastante alejadas de las que le suponen los demás. Aunque en algunos tramos la película tiende a la peripecia o a subrayar demasiado la dudosa moral de los personajes, lo cierto es que posee una apreciable lógica en su desarrollo, que culmina en varias secuencias, como la conversación que mantienen Marechal y Tomsky (muy reveladora acerca de la concepción del mundo, el poder y la sociedad que tienen las clases dirigentes), o la del final.

Correctamente dirigida por Lautner, con una apreciable fotografía de Henri Decae, una hermosa banda sonora en la que destaca el melancólico y triste Saxofón de Stan Getz, y sobre todo un complejo y rico guión a cargo de Michel Audiard, la película se ambienta primordialmente en el París moderno de La Defénse, con sus altos, fríos e impersonales edificios de oficinas, que simbolizan esa nueva manera de entender el poder y los negocios, concebidos desde una óptica corrupta y globalizada (hay algunas alusiones corrosivas sobre el mercado común europeo). Con un extenso reparto, debe destacarse la interpretación breve, pero siempre inquietante y ambigüa, de Kinski, que por otra parte tiene el mejor diálogo de la cinta. Los demás actores están correctos, y Ornella Muti guapísima. (Quatermain80, FilmAffinity)


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Le fantôme de la liberté (Luis Buñuel, 1974)




El fantasma de la libertad

Ficha Técnica:

Título original:

Le fantôme de la liberté

Año:

1974

País:

Francia, Italia

Género:

Comedia, Drama

Dirección:

Luis Buñuel

Guión:

Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière

Duración:

100 min

Reparto:

Michel Piccoli, Jean Rochefort, Michel Lonsdale, Monica Vitti, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Pierre Maguelon, François Maistre, Hélène Perdriére, Claude Pieplu, Bernard Verley, Milena Vukotic

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1,16 GB


Sinopsis:
Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas. Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador. (FILMAFFINITY)

Penúltima película de Luis Buñuel (1900-83). Escribe el guión Luis Buñuel con la ayuda de su colaborador habitual en estos años, Jean-Claude Carrière (“La vía láctea”, Buñuel, 1969). Se rueda en escenarios exteriores de París y en los platós de Paris Cinema Studios (Billancourt, Paris). Gana el Silver Ribbon al mejor director extranjero. Producido por Serge Silberman (“El discreto encanto de la burguesía”, 1972) para Euro Internacional Film y Greenwich Films, se estrena el 11-IX-1974 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Toledo (España) en 1808 y París, Argenton-sur-Creuse y otras localidades francesas, en 1974. Reúne 14 viñetas tenuemente relacionadas, que explican hechos absurdos, surrealistas, imposibles o disparatados. Un padre denuncia a la policía la desaparición de la hija pequeña que le acompaña. El jefe de policía aconseja al denunciante que no habla de los hechos con la policía. Un francotirador que ha matado indiscriminadamente a 18 transeúntes es detenido, juzgado, condenado a la pela capital e inmediatamente liberado. El subtexto del relato habla de la estupidez de las personas bienpensantes, acomodadas y convencionales. Denuncia la hipocresía, el culto de las apariencias y las perversiones que practica la burguesía. Desvela la arbitrariedad y la corteza de miras de las convenciones sociales. Expone el sinsentido y la vacuidad de la religión y la moral; etc.

El film suma drama y comedia. Trata numeroso temas que forman parte de las preocupaciones constantes y repetitivas de Buñuel, como la religión, el culto religioso, el poder, el ejército, las convenciones sociales, la burguesía, la familia, el sexo, el individualismo, las relaciones de pareja, las parejas de edades muy desiguales (chico de 18 años y mujer de 70). Sus exposiciones incorporan críticas ácidas, burlas y chanzas. Muestra cómo las personas representativas de la sociedad acomodada, o pequeño-burguesas, viven inmersas en un mundo de perversiones, que practican sigilosamente en privado o bien ostentosamente en público.

La pantalla recoge acciones y hábitos de necrofilia, exhibicionismo, voyeurismo, pedofilia, coprofilia, sadomasoquismo, incesto, incesto necrófilo, sadomasoquismo exhibicionista, etc. De modo similar muestra el comportamiento de un grupo de frailes carmelitas, sus devociones bobaliconas, sus patéticas oraciones en grupo, sus aficiones a los juegos de azar, el tabaco y la bebida, etc. Muestra la enorme capacidad de fingir que tienen las personas burguesas, la fuerza de cohesión de grupo que moviliza la hipocresía, las connivencias que suscita y las complicidades que con facilidad encuentra entre las autoridades, como sucede en el caso de la niña falsamente desaparecida. Dedica un apartado contundente a la denuncia de la arbitrariedad y ausencia de objetividad de las normas sociales y de los prejuicios, no sólo morales, sino también estéticos (confusión de belleza con simetría).

Entre líneas deja establecidas afirmaciones que pueden servir de orientación y motivo de reflexión y contraste. Entre ellas la referencia al azar, como instancia que lo gobierna todo, incluso más allá y por encima de la necesidad. La observación de que el azar condiciona y limita la libertad. No existe la libertad plena e ilimitada: la libertad es una aspiración, el resultado de una conquista, el fruto de un trabajo personal y colectivo hecho con esfuerzo y ahínco. La libertad es un valor superior, pero no es el único. Junto a él se dan valores tan importantes que pueden mover comportamientos heroicos, como los del 2 y 3 de mayo de 1808. La independencia puede ser un valor más apreciado que la libertad cuando se plantean como términos en conflicto. La libertad no se impone por la fuerza, con detenciones, prisión y ejecuciones sumarias. El grito “¡Arriba las caenas!” equivalente a “¡Abajo la libertad!” clama por la independencia y denuncia la libertad impuesta. La libertad es frágil, perecedera, quebradiza. Muchas veces se confunde con remedos, sucedáneos, imitaciones, parodias y fantasmas (sueños, quimeras, fábulas, ilusiones...). Hacia el final una avestruz atónita mira al público contemplando con sorpresa las dimensiones de la estupidez de los seres humanos, representados por el público.

Buñuel plantea al espectador preguntas concretas, que no acompaña de respuestas. Interroga sobre lo que es decente y lo que no lo es; sobre los contenidos y los límites de la libertad; sobre la licitud o no de cualesquiera medios puestos al servicio de valores superiores, como la libertad. También pregunta si la libertad es un valor absoluto. Incluye imágenes de sus constantes iconográficas, como zapatos, cuchillos, arañas, animales doméstico (gallo) y de la selva (leona, rinoceronte, hipopótamo, avestruz ...).

El título podría ser un homenaje al “Manifiesto Comunista” (1848), que comienza diciendo: “Un espectro se cierne sobre Europa: el espectro del comunismo”. La versión francesa del documento sustituye espectro por “fantôme” (fantasma).

La música aporta la canción militar francesa que los soldados cantan en Toledo, el baile por sevillanas de una huésped del hostal, la canción de los gendarmes mientras esperan al profesor y un breve corte instrumental. La fotografía, de Edmond Richard (“Ese oscuro objeto del deseo”, Buñuel, 1977), ofrece una narración sobriamente realista, en la que las imágenes surrealistas se presentan de modo objetivo y verista. La contextualización de las mismas, a través de los diálogos y la banda sonora, determina su valor surrealista, disparatado o absurdo. El soundtrack aporta un largo repertorio de efectos sonoros realistas. (Miquel, FilmAffinity)


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The Rising of the Moon (John Ford, 1957)




La salida de la luna / Relatos de Irlanda

Ficha Técnica:

Título original:

The Rising of the Moon

Año:

1957

País:

Irlanda, Estados Unidos

Género:

Comedia. Vida rural. Película de episodios.

Dirección:

John Ford

Guión:

Frank S. Nugent (Argumento: Frank O'Connor, Martin J. McHugh, Lady Gregroy)

Duración:

81 min

Reparto:

Tyrone Power, Maureen Connell, Eileen Crowe, Cyril Cusack, Maureen Delaney, Donald Conelly, Frank Lawton, Edward Lexy, Jack MacGrowran

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

SATRip gracias a pgmele

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,15 GB


Sinopsis:
Película compuesta por tres historias independientes presentadas por Tyrone Power y con Irlanda como telón de fondo. En la primera, basada en un relato de Frank O'Connor titulado "The Majesty of the Law", se aborda el tema del orgullo y las viejas costumbres: un campesino prefiere ir a la cárcel antes que pagar una multa por haber dado una paliza a un vendedor de whisky de mala calidad. En la segunda, adaptación de la obra teatral de Martin J. McHugh "A Minute's Wait", se retrata el lento ritmo de la vida irlandesa utilizando como metáfora el sistemático retraso de un tren. La tercera, según un relato de Lady Gregroy, "The Rising of the Moon", trata la historia de un patriota irlandés que va a ser ejecutado. (FILMAFFINITY)

Obra extraordinaria de Ford, que a pesar de estar realizada en uno de los momentos mas brillantes de su carrera sigue siendo una gran desconocida para muchos. Pocas veces han quedado tan bien resumidas la personalidad y estilo del director que en este bello canto a Irlanda. Toda la poesía de Rio Grande, la nostalgia y el sentido del humor Quiet Man o el compromiso social de The Informer están presentes en estos tres breves relatos. También su capacidad de mostrarnos las entrañas emocionales de sus personajes en unos pocos planos y frases de diálogo. Y por supuesto, en un momento de madurez narrativa absoluta, la puesta en escena es magistral, sutil, poderosa y compleja pero aparentando sencillez y cercanía con la que siempre realizaba sus films. Planos llenos de sutilezas y detalles que poseen una belleza innata que siempre han estado al alcance de muy pocos. Los tres relatos brillan a gran altura, incluido el último, que genera cierta división de opinión por los atípicos encuadres que utiliza, algo atípico en Ford, aunque indudablemente es un film fordiano hasta la médula. Historias pequeñas y sencillas sobre gente normal y que traduce la visión de Ford sobre irlanda y sus gentes. Los actores, aunque poco conocidos, están simplemente perfectos. Creo que Rising of the Moon es un trabajo magistral y entrañable, que va creciendo con el tiempo como una de las obras más personales de director. Un film de referencia en los formatos pequeños (corto y medio) y a nivel personal, uno de mis favoritos del director. (jairechu, FilmAffinity)

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Ivanhoe (Richard Thorpe, 1952)




Ivanhoe

Ficha Técnica:

Título original:

Ivanhoe

Año:

1952

País:

Estados Unidos

Género:

Aventuras

Dirección:

Richard Thorpe

Guión:

Eric Roth, Michael Mann (Artículo: Marie Brenner)

Duración:

107 min

Reparto:

Robert Taylor, Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders, Emlyn Williams, Finlay Currie, Guy Rolfe, Robert Douglas

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

624 x 464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
A su vuelta de las Cruzadas, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que así puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate. (FILMAFFINITY)


1952: 3 nominaciones al Oscar: Mejor película, fotografía, banda sonora

Primer film de la trilogía de género histórico que rueda en el Reino Unido la Metro-Goldwyn-Mayer durante los primeros años 50. El guión de Noel Langley y Marguerite Roberts (no acreditada) desarrolla un argumento de Aeneas MacKenzie que adapta la novela Ivanhoe (1819), de sir Walter Scott. El rodaje se lleva a cabo en escenarios reales de Escocia (castillo de Doune) e Inglaterra y en los platós de Elstree Studios (Borehamwood, Inglaterra). Es nominado a 3 Oscar (película, música y fotografía). Producido por Pandro S. Berman para Metro-Goldwyn-Mayer y Loew’s Incorporated, se estrena el 31-VII-1952 (EE.UU.).

La acción dramática tiene lugar en Inglaterra en los años 1193-94, en las postrimerías del s. XII. En el camino de regreso a Inglaterra, tras la finalización de la III Cruzada, Ricardo Corazón de León (Norman Wooland) es apresado por el duque Leopoldo de Austria, que pide un rescate de 150.000 marcos de plata. Juan Sin Tierra (Guy Rolfe), hermano de Ricardo y regente del Reino, no quiere pagar el rescate. El caballero sajón Wilfried de Ivanhoe (Robert Taylor) busca y localiza al monarca y con la ayuda de colaboradores reúne la suma exigida. Ivanhoe se mueve entre dos amores, el de su antigua prometida lady Rowina (Joan Fontaine) y el de la joven judía Rebeca (Elizabeth Taylor). Ivanhoe es valiente, decidido, serio y leal. Rowina, tras casi 10 años de espera, se aproxima a los 30 años, es rubia, tímida e ingenua. Rebeca es muy joven, guapa, seductora y curandera.

El film suma acción, aventuras, drama y romance. Junto con Los caballeros del Rey Arturo (1954) y Aventuras de Quintín Duward (1955), forma la trilogía de films ambientados en la Edad Media que produce la Metro-Goldwyn-Mayer en el Reino Unido en los 50. En estos años el cine histórico (romanos, capa y espada, piratas y caballeros) vive una etapa de recuperación y relativo esplendor, en la que se enmarca el film. Dirigido por Thorpe, un artesano acomodaticio y convencional, contiene tres escenas principales sobre las que se asienta el film: las justas de Ashby, el asalto por Robin Hood del castillo de Torquilstone y el duelo entre el malvado templario Bois-Gilbert (George Sanders) e Ivanhoe. Destaca el brillante cromatismo de las imágenes, de intensas coloraciones azules y verdes, que en Ashby compone un espléndido panorama multicolor.

La historia mantiene un adecuado y atractivo tono heroico y aventurero. Hace uso de una ambientación elegante y festiva y se sirve de un realismo vibrante en las escenas de acción, especialmente en la del asalto al castillo. El vestuario es llamativo y vistoso, aunque según especialistas acreditados reproduce diseños posteriores al s. XII. La acción es rápida y el ritmo del film es intenso y trepidante. La historia es de ficción, si bien se enmarca en una época histórica definida, con referencias a protagonistas y hechos reales (Ricardo, Juan Sin Tierra, aristocracia normanda, aristocracia sajona...).

El relato se apoya en un romanticismo contenido que disimula, tras formas circunspectas, una lucha enconada entre Rowina y Rebeca por el amor del héroe. Se adapta con bastante fidelidad a la novela original, no evita un cierto aire de representación teatral y hace uso de unos diálogos abundantes, más literarios que realistas. Incorpora atractivo suficiente para agradar y emocionar (valentía del héroe, defensa de la inocencia, movilización a favor del monarca legítimo, reconciliación paterna, preeminencia del bien común sobre el interés personal, incluido el amor paternofilial, etc.). El texto está salpicado de humor. Las interpretaciones de Robert Taylor, Elizabeth Taylor, Joan Fontaine y George Sanders son gratas y convincentes.

El film apuesta por la colaboración y el entendimiento entre etnias diferentes, propone la integración y la igualdad de derechos de las mismas y aboga por la tolerancia religiosa. Con espíritu documental y crítico muestra las formas rudas y violentas de la Edad Media, los abusos de los poderosos y sus impunidades, las supersticiones (duelos convertidos en "Juicios de Dios"), las supercherías (brujería y hechicería), los códigos caballerescos y de honor, etc. Se complace en mostrar la igualdad y las equivalencias de las enseñanzas de distintas religiones. Reitera los tópicos que rodean a los personajes históricos que intervienen en el film. Presenta a Ricardo como un paladín de la justicia y la integración de sajones y normandos y a Juan Sin Tierra como un usurpador despótico, caprichoso y vengativo. Los tópicos citados no resisten el tamiz de un correcto análisis histórico. Se cometen algunos anacronismos, como las referencias a los conflictos entre sajones y normandos, que en tiempos de Ricardo I ya habían cesado.

La música, de Miklós Rózsa, ofrece una partitura marcial, épica y grandilocuente, de 18 cortes, que se acopla bien al desarrollo de la acción, con pasajes fúnebres, tensos, románticos y triunfales. Sobresalen los titulados "Torquilstone Castle", "Rebeca’s Love" y "Prelude". La fotografía, del inglés Freddie A. Young (La hija de Ryan, David Lean, 1970), destaca por la abundancia de encuadres de doble figura, las generosas perspectivas generales, escenas de lucha de gran realismo y planos virtuosos como el travelling sobre los ojos de Elizabeth Taylor.

Obtiene un notable éxito de taquilla. Es un film clásico de aventuras medievales. (Miquel: FilmAffinity)


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