viernes, 21 de septiembre de 2012

Hwal (Kim Ki-duk, 2005)



El arco

Ficha Técnica:

Título original:

Hwal

Año:

2005

País:

Corea del Sur

Género:

Drama

Dirección:

Kim Ki-duk

Guión:

Kim Ki-duk

Duración:

90 min

Reparto:

Jeon Seong-hwan, Han Yeo-reum

Datos del archivo:

Idioma:

Coreano con subtítulos en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x352

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Un viejo pescador vive en medio del mar con una muchacha a la que recogió cuando era niña. El viejo pescador espera que ella cumpla 17 años para desposarla. Mientras tanto, prepara la dote, la protege contra los hombres que vienen a pescar a su barco e intentan propasarse con ella. Su única forma de protegerla es disparando con el arco, un arco que también le sirve para adivinar el futuro y como instrumento musical. Un buen día, un grupo de pescadores desconocidos sube al barco, entre los que se encuentra un joven universitario. El chico y la muchacha se enamoran. El viejo pescador sabe que su sueño ha llegado a su fin... (FILMAFFINITY)

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Ningen no yakusoku (Yoshishige Yoshida, 1986)



La promesa

Ficha Técnica:

Título original:

Ningen no yakusoku

Año:

1986

País:

Japón

Género:

Drama

Dirección:

Yoshishige Yoshida

Guión:

Fukiko Miyauchi, Yoshishige Yoshida

Duración:

119 min

Reparto:

Rentaro Mikuni, Sachiko Murase, Choichiro Kawarazaki, Orie Satoh, Koichi Sato, Tetta Sugimoto, Reiko Tajima, Choei Takahashi, Kumiko Takeda, Tomisaburo Wakayama

Datos del archivo:

Idioma:

Japonés con subs en español SE (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x400

Formato:

AVI

Tamaño:

1'36 GB


Sinopsis:
Yoshida vuelve a filmar tras un parón de 13 años con un trabajo arriesgado sobre la vejez y la cercanía de la muerte. La Promesa reafirma la habilidad de Yoshida para tratar temas tabú, en este caso la eutanasia, con profunda sensibilidad y personalidad. La película es una franca y poco habitual meditación sobre la muerte. (FILMAFFINITY)


1986: San Sebastián: Concha de Plata

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Akitsu Onsen (Yoshishige Yoshida, 1962)



Primavera en Akitsu

Ficha Técnica:

Título original:

Akitsu onsen

Año:

1962

País:

Japón

Género:

Drama

Dirección:

Yoshishige Yoshida

Guión:

Yoshishige Yoshida (Novela: Shinya Fujiwara)

Duración:

107 min

Reparto:

Mariko Okada, Hiroyuki Nagato, Sumiko Hidaka, Asao Koike, Shigeru Kôyama, Kojiro Kusanagi

Datos del archivo:

Idioma:

Japones con subs en español, inglés y francés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x304

Formato:

AVI

Tamaño:

1,38 GB


Sinopsis:
Durante el verano 1945, Shusaku se encuentra por casualidad en el balneario termal Akitsu. Enfermo y desesperado por la guerra, él trata de suicidarse, pero es salvado por Shinko, la camarera de la posada. Ellos se enamoran, pero Shusaku, una vez que recupera su salud vuelve a la ciudad. Los dos amantes no dejan de reunirse durante los próximos 17 años. A pesar del modo de vivir libertino de Shusaku, Shinko le permanece fiel.

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Visions of Europe (VV. DD., 2004)



Visiones de Europa

Ficha Técnica:

Título original:

Visions of Europe

Año:

2004

País:

Dinamarca

Género:

Drama, Comedia, Experimental

Dirección:

Fatih Akin, Barbara Albert, Sharunas Bartas, Andy Bausch, Christoffer Boe, Francesca Comencini, Stijn Coninx, Tony Gatlif, Sasa Gedeon, Christos Georgiou, Constantine Giannaris, Theo Van Gogh, Peter Greenaway, Miguel Hermoso, Ágnes Hranitzky, Arvo Iho, Aki Kaurismäki, Damjan Kozole, Laila Pakalnina, Kenneth Scicluna, Martin Sulík, Malgorzata Szumowska, Béla Tarr, Jan Troell, Teresa Villaverde, Aisling Walsh

Guión:

Fatih Akin, Barbara Albert, Sharunas Bartas, Andy Bausch, Christoffer Boe, Francesca Comencini, Stijn Coninx, Tony Gatlif, Sasa Gedeon, Christos Georgiou, Constantine Giannaris, Theo Van Gogh, Peter Greenaway, Miguel Hermoso, Ágnes Hranitzky, Arvo Iho, Aki Kaurismäki, Damjan Kozole, Laila Pakalnina, Kenneth Scicluna, Martin Sulík, Malgorzata Szumowska, Béla Tarr, Jan Troell, Teresa Villaverde, Aisling Walsh

Duración:

140 min

Reparto:

Safia Aggoune, Abel Alves, Benzirar Baroudi, Ina-Marija Bartare, Vit Bednárik, Konrad Bugaj, Marieclaire Camilleri, Silvio Catania

Datos del archivo:

Idioma:

Varios idiomas con subs en español, inglés y turco (srt)

Calidad:

DvdRip

Resolución:

640x352

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB + 700 MB


Sinopsis:
Veinticinco cineastas, uno por cada estado de la Unión Europea, realizaron una película sobre sus respectivos países. Todas tenían el mismo presupuesto, debían estar ambientadas en el presente o en un futuro inmediato y durar cinco minutos. No había otras limitaciones, de modo que los autores tenían plena libertad para expresarse. Entre los directores figuran tanto nombres consagrados como voces nuevas dentro del panorama cinematográfico. Cada corto tiene su propia identidad, por lo que es posible establecer comparaciones fascinantes; pero, además, juntos ofrecen una imagen global de la Comunidad Europea a través de la fusión de esas distintas visiones conceptuales y creativas. (FILMAFFINITY)

He aquí un interesante experimento, notable diría yo. Algunos de los cortos alcanzan un nivel de calidad muy alta tanto en lo técnico como en el guión. Voy a ir uno por uno dejando un pequeño comentario, porque sería una pena que por falta de información alguien dejara de ver este hermoso pseudo-documental que contiene pequeñas joyas:

JAN TROELL, Suecia: Crítica a los afanes totalitarios de la Unión Europea en el control de alimentos y al proceso de burocratización que ésta está sufriendo, con la falta de flexibilidad que ello conlleva.

CHRISTOFFER BOE, Dinamarca: Tratamiento del conflicto generacional. Para las viejas generaciones Europa no es nada y para los jóvenes lo es todo en tanto que representa el futuro. Connotaciones negativas de Europa.

LAILA PAKALNINA, Letonia: Europa está compuesta por cientos de millones de caras que guardan tras de sí una memoria (simbolizada por las fotografías).

FATIH AKIN, Alemania: Uno de los cortos más hermosos del recopilatorio. Se nos muestra Europa junto a su pasado traumático como si de una horrible pesadilla se tratara, como un conflicto entre el amor y el odio que se desplega en un escenario en forma de melodrama. Se entona un canto que llama a enterrar el pasado en el fondo del mar, allá donde no pueda amenazar nuestra existencia.

TERESA VILLAVERDE, Portugal: Los traumas de la inmigración. Hombres que buscan un futuro mejor no son más que mera rutina burocrática para policías y funcionarios.

MARTIN SULIK, Eslovaquia: Otra de las hermosas historias de este recopilatorio. Observamos un conflicto entre tradición y modernidad del que una joven se aprovecha intencionadamente para salvar el pellejo en una situación comprometida ante sus padres. Vemos la pervivencia del cura como figura socialmente importante y la pervivencia de la superstición.

FRANCESCA COMENCINI, Italia: Cine puramente social en torno a los problemas medioambientales que amenazan a Europa y la lucha por el concienciamiento de la ciudadanía de pequeños movimientos sociales. Convivencia entre la fe y la modernidad.

SHARUNAS BARTAS, Lituania: Estéticamente es posible que sea el más bello de los cortometrajes. El filtro marrón da un efecto muy cálido y decadente que recuerda a "Stalker" en muchos momentos, tanto por el emplazamiento como por la textura.

CONSTANTINE GIANNARIS, Grecia: Sobre un futuro multicultural para Europa. Los inmigrantes exponen sus visiones en torno a la UE y se quejan por el encuadramiento en los marcos de referencia que deben sufrir en algunas ocasiones y la insuficiencia de las políticas de integración.

BÉLA TARR, Hungría: Posiblemente el mejor cortometraje de todos los aquí contenidos. Crítica a los graves problemas sociales que quedan por resolver en Europa. La música y la imagen están perfectamente combinadas para dar una cruda visión de gente que tenemos muy cercana en el día a día.
spoiler:
AISLING WALSH, Irlanda: Logradísima crítica a las políticas anti-inmigración de la UE. Alegato en pos de la empatía y la fraternidad hacia aquellos que son nuestros vecinos: los inmigrantes.

MALGORZATA SZUMOWSKA, Polonia: Sobre la pervivencia de las costumbres. Vemos un Cristo que preside un cruce de caminos en mitad de la nieve, punto de encuentro de la comunidad y testigo mudo de todo. Al final vemos como Dios está hecho a imagen y semejanza del hombre.

TONY GATLYF, Francia: Sobre los sueños de los inmigrantes una vez llegados a Occidente y el constante miedo de los sin papeles a la policía.

THEO VAN GOGH, Holanda: Crítica a la conversión de la televisión en un gran circo mediático entregado al sensacionalismo barato.

CHRISTOS GEORGIOU, Chipre: Sobre el esperanzador futuro de Chipre en base a una posible reconciliación/reunificación de la isla. En el film vemos como la gente no desea la división y cómo el sentimiento de acercamiento se va extendiendo entre los greco-chipriotas de boca a boca.

PETER GREENAWAY, Reino Unido: Observamos el bien avenido matrimonio entre Francia y Alemania (curiosamente los más gordos) y las dificultades existentes ya en la Europa de los 15 para repartir se ven acrecentadas por la llegada de los nuevos socios del este que marchan a la cola. Todo ello escenificado en una ducha. Muy bueno.

ARVO IHO, Estonia: Critica la inaccesibilidad de Bruselas y las interminables trabas burocráticas puestas por la Unión Europea al acercamiento del ciudadano. Al final concluye que Estonia está condenada a ser una prisionera de Rusia.

BARBARA ALBERT, Austria: Mientras hay graves problemas que resolver en nuestras propias sociedades occidentales se sigue gastando una millonada en cosas menos prioritarias como la exploración espacial.

KENNETH SCICLUNA, Malta: Sobre la pervivencia de la tradición y el rechazo de la modernidad.

STIJN CONINX, Bélgica: Sobre lo que caracteriza al joven europeo de hoy: entusiasmo, tolerancia, curiosidad y rechazo del radicalismo.

ANDY BAUSCH, Luxemburgo: Sobre la relación de los parlamentarios europeos con las grandes redes de prostitución.

DAMJAN KOZOLE, Eslovenia: Uno siempre quiere lo que no tiene como bien muestra la conversación entre un campesino croata y dos trabajadores de obras públicas del estado esloveno.

SASA GEDEON, Chequia: Algo tan nacionalista como el himno checo se convierte en motivo de encuentro.

AKI KAURISMAKI, Finlandia: Sobre la despoblación de las zonas económicamente deprimidas y el envejecimiento de la población.

MIGUEL HERMOSO, España: Los niños son el futuro de Europa, ellos son los que han de aprender desde pequeños el gran valor de la convivencia. (davilochi, FilmAffinity)



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Whisky (Juan Pablo Rebella & Pablo Stoll, 2004)




Whisky

Ficha Técnica:

Título original:

Whisky

Año:

2004

País:

Uruguay

Género:

Comedia

Dirección:

Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll

Guión:

Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll y Gonzalo Delgado

Duración:

01:33:17

Reparto:

Andrés Pazos, Mirella Pascual, Jorge Bolani, Ana Katz, Daniel Hendler

Datos del archivo

Idioma:

Español con subs en inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x416

Formato:

.avi

Tamaño:

1,26 GB


Sinopsis:
Montevideo, Uruguay. Jacobo Köller, el dueño de una modesta fábrica de calcetines, arrastra una vida gris y de una monotonía asfixiante. Su relación con Marta, su empleada de confianza, es estrictamente laboral y está marcada por el silencio y la rutina. Esta monotonía se ve súbitamente amenazada por el anuncio de la inesperada visita de Herman, el hermano de Jacobo, que vive en el extranjero, y con el que ha perdido contacto desde hace años. Es entonces cuando Jacobo le pide ayuda a Marta para afrontar una situación tan incómoda. Tres personalidades aparentemente inofensivas: tres clases de soledad. (FILMAFFINITY)



2002: Sundance: Premio al mejor guión latinoamericano
2004: Festival de Cannes: FIPRESCI (sección "Un Certain Regard")

Segunda película de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stroll, obtuvo el Goya a la mejor película extranjera de habla hispana y otros premios en Cannes y Sundance.

Narra la historia de Jacob Kröll (Andrés Pazos), de unos 60 años, propietario de un pequeño taller de fabricación de calcetines, apocado, introvertido, reservado, frío y distante, que vive aferrado a la rutina como tabla de salvación para no pensar, no cambiar, no aprender. En el taller trabajan unas pocas empleadas, una de las cuales, la más antigua (Marta) lleva unos 20 años en la empresa. Ella, de unos 48 años, es la persona de confianza de Jacob, quien le resuelve los problemas cotidianos del taller y, además, hace las veces de responsable de sus compañeras de trabajo. Las relaciones entre Jacob y Marta se han limitado siempre al ámbito laboral: nunca ha habido entre ellos el menor destello de afecto o simpatía. La monotonía de ambos se ve alterada cuando Herman (Jorge Bolani), el hermano menor de Jacob, regresa a Uruguay, tras más de 20 años de ausencia, para asistir a las exequias por su madre, fallecida un año antes. Jacob, que siempre se sintió inferior a su hermano menor y al que envidia, decide pedir a Marta (Mirella Pascual) que finja ser su esposa por unos días, al objeto de aparentar seguridad y ganar respetabilidad. Marta acepta con la esperanza de iniciar, tal vez, una relación en la que tenga cabida el afecto o, incluso, algo más.

Las relaciones que se establecen entre los tres protagonistas se basan en el silencio más que en la explicación, en el disimulo más que en la sinceridad, en la ocultación más que en la verdad. La convivencia entre ellos pone en evidencia la profundidad de sus soledades y la imposibioidad de afrontarlas. Jacob no quiere agradecer nada a Herman y éste no quiere deber nada a su hermano. Marta se siente dolida por los desaires de Jacob, por ello cuando éste le entrega un dinero en pago de sus servicios, ella lo recibe friamente.

La historia es un relato de soledades, silencios, resentimientos ocultos, fustraciones disimuladas, que la película expone con una parquedad sublime de medios, un juego insólito de cámara en posiciones estáticas y encuadres fijos, un uso muy limitado de la música, una fotografía que muestra espacios cerrados y sombríos o abiertos y desolados. Los recursos expresivos se utilizan para insinuar, sugerir y apuntar contenidos que el espectador ha de completar e interpretar.

En el trasfondo de la obra se descubre la fuerte pulsación de una ironía tragicómica, que deriva del patetismo de los personajes, sus relaciones y sus comportamientos. En suma, la película constituye un espectáculo absorbente, sugerente y conmovedor, que deja al espectador enfrentado a la necesidad de pensar, imaginar y fabular. (Miquel, FilmAffinity)


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Veneno para las hadas (Carlos Enrique Taboada, 1984)



Veneno para las hadas

Ficha Técnica:

Título original:

Veneno para las hadas

Año:

1984

País:

México

Género:

Terror

Dirección:

Carlos Enrique Taboada

Guión:

Carlos Enrique Taboada

Duración:

90 min

Reparto:

Ana Patricia Rojo, Elsa María Gutiérrez, Leonor Llausás, Carmen Stein, María Santander, Ernesto Schwartz, Rocío Lazcano, Blanca Lidia Muñoz, Sergio Bustamante, Lilia Aragón, Hilda Pérez Carbajal, Marcela Páez, Araceli de León, Patricia Acevedo.

Datos del archivo:

Idioma:

Español con subs en inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

544x400

Formato:

AVI

Tamaño:

743 MB


Sinopsis:
Las historias de brujería que cuenta la cocinera de su casa despiertan la imaginación de la pequeña Graciela, quien presume de que ella misma es una bruja ante su condiscípula Fabiola. Ante la incredulidad de su amiga, Graciela aprovecha una serie de circunstancias fortuitas para convencerla de que ha sido ella quien las ha provocado, valiéndose de sus artes mágicas. La inocencia de estos juegos adquiere un cariz macabro, cuando Graciela insiste en que Fabiola la invite a unas vacaciones en el rancho de su familia, en donde podrá preparar un veneno para las hadas. (FILMAFFINITY)
Si existe un grupo de personas que deba de quejarse por la forma en que los abordan en el cine mexicano, ése es el de los niños. Cuando no son la causa del conflicto, son las víctimas -y eso cuando les va bien-, porque la mayoría de las veces se les retrata como si fueran unos verdaderos idiotas, incapacitados para todo o, más bien, capacitados únicamente para lo que los adultos creen que deben saber.

Por lo mismo, es raro ver películas con personajes infantiles que se salgan de la típica historia pseudo heroica (Atlético San Pancho), que casi siempre llega a caer en la estupidez total (no por culpa de los niños, sino de los realizadores) y tiene como trasfondo inculcar ciertos valores morales, o de la historia de travesuras (La guerra de los niños), que siempre cae en el lado cómico y totalmente escapista, por no mencionar lo inverosímiles que pueden llegar a ser.

Es innegable que lo anterior se debe a un miedo inconsciente a lo que los niños puedan o quieran saber, además de que al igual que los borrachos siempre dicen la verdad (o eso queremos creer) o a lo que puedan demostrarnos en cuestiones de sexualidad, moral, educación y diversión.

Por eso, Veneno para las hadas es una película única, además de que está escrita expresamente para personajes infantiles, es de los pocos ejemplos donde se deja que sean las pasiones y sentimientos netamente infantiles (y no por eso tontos) los que hablen, y si este tratamiento se presta para crear una de las mejores películas de terror hechas en México, mejor que mejor.

Carlos Enrique Taboada es uno de los desconocidos más famosos de la tele mexicana. Sus películas Hasta el viento tiene miedo, El libro de piedra y la misma Veneno para las hadas gozan del prestigio de ser aquellas de las que todo el mundo debajo de 30 años ha oído hablar pero nunca ha visto, o las vio de niño y quedó tan espantado que juró no volver a verlas (además de que no las volvieron a pasar en un ratote). Es considerado el único director mexicano que hizo cine de terror por gusto e iniciativa propia y no por encargo como el caso de Chano Urueta o Alfonso Corona Blake (que no dudo que también les gustara), y esto se nota tanto en el trabajo de guión como en las atmósferas que llega a lograr.

Veneno para las hadas es algo así como un cuento de hadas -valga la redundancia- muy en el estilo de las historias de los hermanos Grimm (pero las historias originales, no las versiones aligeradas modernas estilo Disney), llenas de sangre, violencia y perversión, donde el objetivo era que los niños aprendieran a cuidarse de los horrores que acechan en el bosque, en la gente extraña o en familiares con tendencias maniáticas y, si es verdad que la letra con sangre entra, dichos cuentos no pudieron ejemplificarlo mejor.

La película se centra en dos niñas con caracteres diametralmente opuestos. Por un lado está Verónica (Ana Patricia Rojo), una solitaria niña aburrida de los convencionalismos en los que vive. Es huérfana y esta bajo los cuidados de una abuela que no tiene ni el tiempo ni la energía para convivir con ella, así que es criada por una nana que de igual manera no tiene la obligación de educarla "bien". Como ha tenido que madurar a la fuerza, Verónica ha desarrollado una personalidad dominante disfrazada de independencia, pues en el fondo lo único que desea es compañía; además, ha suplido la falta de atención con una imaginación extremadamente vívida.

Por el otro lado tenemos a Flavia (Elsa María), una niña modosa, inocente y bastante ingenua, que no ha tenido complicaciones en su corta vida. Posee a sus dos padres, los cuales la llenan de mimos y le cumplen todos sus deseos, por lo que piensa que todo el mundo es feliz, pero no se da cuenta que tales mimos reemplazan otros aspectos más importantes del cuidado paternal.

Como puede suponerse, la interacción que se da entre estas dos personas no puede ser muy sana, pues Verónica envidia todo lo que Flavia posee llegando al extremo de obligarla a que le regale sus objetos mediante la amenaza de hechizarla, pues en su mente ella se cree una bruja cuyo objetivo es crear una pócima que sea un veneno para las hadas. De hecho, toda la historia gira en torno a esta dominación y es la causante del clímax, el cual llega cuando Flavia, harta del acoso de Verónica, decide rebelarse y acabar con la tiranía de ésta (¡y en qué forma!).

La película plantea una metáfora sobre la falta de atención de los adultos hacia los niños y también sobre el poco cuidado que tienen lo padres en su educación, pues al creerlos puros e inocentes o peor aún, incapaces de entender lo que les rodea, no se dan cuenta de la necesidad de conocimiento que estos tienen, por lo que no se molestan en explicar o corroborar nada. De hecho los personajes adultos no tienen rostro, lo cual me parece una forma de mostrar la poca confianza que generan en los infantes. También se nos habla de lo incorrecto que es un sistema educativo basado en el premio y el castigo, donde siempre el premiado es el más dócil y el que cuestiona o no sigue la reglas es el castigado.

Pero como dije, Veneno para las hadas es una película de terror y totalmente psicológica, pues todo el miedo que se va creando en la mente de Flavia proviene de las ideas que Verónica le ha ido metiendo en la cabeza, además del cansancio emocional que sufre, pues tiene que vivir para complacer a ésta.

La atmósfera lúgubre y llena de ansia que Taboada crea es muy acertada. Todo aquel que haya sido abusado por otros niños así lo reconocerá, pues se llega al extremo de simpatizar con la víctima y justificar su última acción. Además el guión es bastante coherente y deja que los personajes hablen de manera verosímil.

El modelo de bruja que utiliza Taboada embona muy bien con la idiosincrasia mexicana, pues aunque se basa en el estilo clásico europeo (con todo y risas macabras), en algunos momentos tiende a parecer una yerbera, lo que está muy acorde con el escenario provinciano en que se desarrolla la última parte de la película.

Veneno para las hadas representa lo inteligente y creativo que puede llegar a ser el cine mexicano de terror cuando se quiere hacer bien y sin pretender nada más que contar una historia, adecuándola a un entorno totalmente mexicano sin querer copiar fórmulas o ideas extranjeras. Ojalá hubiera más gente como Carlos Enrique Taboada. (Rodrigo Vidal Tamayo R.: Revista Cinefagia)

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Phantom of the Paradise (Brian De Palma, 1974)



El fantasma del paraíso

Ficha Técnica:

Título original:

Phantom of the Paradise

Año:

1974

País:

Estados Unidos

Género:

Musical, Terror.

Dirección:

Brian De Palma

Guión:

Brian De Palma

Duración:

92 min

Reparto:

Paul Williams, William Finley, Jessica Harper, George Memmoli, Gerrit Graham

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a Dr.Brown

Resolución:

720x 400

Formato:

AVI

Tamaño:

1,08 GB


Sinopsis:
Paul Williams escribió la partitura de este clásico del cine musical de terror, en el cual participa interpretando el papel del malvado magnate de la música perseguido por un compositor desfigurado al que mete en prisión para robarle sus composiciones. Una vez en libertad, el fantasma se enamora de la nueva estrella de la canción promocionada por el magnate, comenzando así su particular venganza. (FILMAFFINITY)



1974: Nominada al Oscar: Mejor canción original de la BSO

«Me gusta la fantasía; Me gusta la ciencia-ficción; Me gusta crear mundos. Y el rock presentaba la posibilidad de crear un mundo fantástico completamente nuevo» Brian de Palma

El fantasma del paraíso estaba "condenado" a convertirse en obra de culto ya desde su estreno, en la noche de Halloween de 1974. Tan sólo contemplando los cinco primeros minutos, cualquiera puede darse perfecta cuenta de que no va a ver una película al uso. Es más, hoy en día, más de 30 años después, pocas películas desde entonces han sido capaces de ofrecer algo parecido. En ese espectacular comienzo, mientras contemplamos el sello de "Death Records" (un pájaro muerto que se me antoja el reverso tenebroso del de "Swan Song", el de Led Zeppelin), una voz en off nos anuncia lo que vamos a presenciar. Aunque por supuesto las palabras se quedan cortas, sirven bien para anunciar lo que se avecina dando ya desde el principio cierta dimensión a la historia.

A continuación vemos a los Juicy Fruits desgranando en directo Goodbye, Eddie, Goodbye, el primero de los números musicales de la película, mientras van sucediéndose los títulos de crédito. Al acabar la actuación, veremos la presentación de los dos personajes principales: A Swan, una especie de Phil Spector que convierte en oro todo lo que produce, que aparece como un malvado de opereta; mediante el empleo de la cámara subjetiva el director nos coloca desde su perspectiva, donde observamos la mirada temerosa de su esbirro Philbin, que escucha atentamente las maquinaciones del villano, del que sólo podemos ver sus guantes blancos, reservándose su rostro para más tarde. Después, llega Winslow Leach, el héroe de la historia, el que se convertirá en el fantasma, sentado a su piano mientras el segundo número musical no se hace esperar.

Efecivamente, la película es un musical, más exactamente un musical de horror, haciendo caso a una definición del propio director, pero alejado del género como se le entiende habitualmente, pues a diferencia de otros musicales, las canciones se integran en la narración permitiendo que ésta avance de un modo lógico, no siendo, como en otros musicales (no todos), meros descansos narrativos en los que no ocurre nada con la historia. Poco importa que las actuaciones sean el centro de atención de lo narrado o que por momentos pasen a un segundo plano, centrándose la acción en las conversaciones de los personajes (la del comienzo entre Swan y Philbin) o simplemente en hechos ajenos al número musical (la secuencia de la bomba, por ejemplo), lo importante es que los protagonistas no se ponen a cantar porque sí (como en la mayoría de musicales; ya sé que es una convención del género, pero qué le voy a hacer, esas cosas me ponen nervioso y nunca los disfruto como debiera), sino porque es parte de la historia.

Con un tono paródico (no hay más que ver la captura de Winslow y su ingreso en prisión, más aún, su imposible huida), de Palma envuelve una historia que a nivel argumental bebe directamente de El fantasma de la ópera (no sólo desde el título), tanto de la novela como de cualquiera de las versiones cinematográficas y de Fausto, desde la cantata inspirada en la obra que compone Winslow hasta la propia historia de Swan, que vendió su alma al diablo a cambio de su eterna juventud y su éxito, y que a su vez hará el papel de Mefistófeles ofreciéndole a Winslow un trato que no podrá rechazar.

Estéticamente, el director de Carrie (id., 1976) despliega una vez más un catálogo de recursos que, unidos, son a día de hoy, probablemente la mejor seña de identidad de su cine. Emplea la pantalla dividida que tanto le gusta en la secuencia de la bomba, en un homenaje no demasiado explícito a la secuencia inicial de Sed de mal (Touch of Evil, Orson Welles, 1958), o al menos no tan explícito como el que le hace a su admirado Hitchcock, al parafrasear la famosa secuencia de la ducha de Psicosis, de un modo bastante divertido, ya que no sutil; también la cámara subjetiva en varias ocasiones como la citada presentación de Swan, o la incursión del fantasma en Swanage (la mansión del malvado), que a su vez es un pequeño plano secuencia, de esos con los que también suele obsequiarnos. Además de un montaje plagado de recursos como las cortinillas de diseño entre secuencias o la superposición de imágenes (memorables los relojes con forma de vinilo o viceversa), a la hora de, por ejemplo, mostrar el transcurso del tiempo mientras Winslow termina su cantata encerrado en la mazmorra que Swan le reserva.

Siempre digo que me gustan las historias de venganza. Por pobre que sea el argumento, y este no es precisamente el caso, sólo por el hecho de narrar una venganza se engrandece la historia. Por supuesto, se puede fallar en otros puntos, pero este tampoco es el caso. Porque la venganza, como el amor o el odio, o tal vez porque casi siempre surge de la conjunción de ambos, es uno de los sentimientos más fuertes que existen, y se consume ésta o no, si la película consigue transimir ese deseo, y este sí es el caso, gana muchos puntos a su favor. El fantasma del paraíso, de todos modos, conjuga todo en su historia, amor, traición, y la subsiguiente venganza. Y además lo adereza con música, mucha música: Desde el glam rock que estaba en pleno apogeo en esa época, el surf y el doo-wop de los cincuenta o el rock más setentero, o fusionando todos ellos, la banda sonora de Paul Williams (que encarna además al malvado Swan) es de una excelencia musical que no sólo no desmerece a la película, sino que contribuye a convertirla en lo que es hoy en día, sobre todo teniendo en cuenta que la música es uno de los protagonistas más importantes de la historia. Ella, junto con el montaje, es el principal motor impulsor del endiablado ritmo que la mueve. Una vez más nos podríamos remitir a la secuencia inicial o a la de la captura-ingreso en prisión-fuga de Winslow, que probablemente sea la más rápida de la historia del cine (a pesar de los seis meses que transcurren entre uno y otro momento), o al menos la sensación que deja al espectador. La audición de Phoenix (Jessica Harper, que canta de maravilla, por cierto) o la actuación de Beef y su banda son también ejemplos donde la música ejerce como catalizador, tanto si está en primer plano (la audición) o en segundo plano (cuando el fantasma prepara su ataque a Beef, mientras éste "canta" con toda su alma).

La combinación de géneros es otra de las bazas que juega a favor de la película. Una combinación en la que quizá con el predominio del musical (un musical especial, como hemos dicho) y la comedia, una comedia que, a pesar de todo, no impide que el final resulte conmovedor, permite la irrupción del terror y el género fantástico que dimensionan la historia, completándola, convirtiéndola lo mismo en una caja de sorpresas que en una bomba de relojería de imprevisibles consecuencias.

Tenemos que sumar a esto un elenco de actores para quitarse el sombrero, pues están increíbles tanto los secundarios George Memmoli (Philbin) y Gerrit Graham (Beef), como William Finley (El fantasma). Pero merecen destacarse Paul Williams en el papel del villano Swan, que imprime la maldad y la sorna adecuadas a un personaje que parece hecho a su medida, y sobre todo Jessica Harper (Phoenix), en lo que supuso su descubrimiento para la gran pantalla. Su interpretación transmite perfectamente la fragilidad del personaje, que, sin embargo, se muestra completamente desenvuelto cuando se sube al escenario, logrando perfectamente la contraposición de ambos caracteres.

El fantasma del paraíso, con un portentoso derroche de imaginación y fantasía, transporta al espectador a ese mundo fantástico completamente nuevo del que hablaba De Palma. Un mundo en el que priman la música, el espectáculo y la aventura. (Sergio Vargas - miradas.net)


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