jueves, 20 de septiembre de 2012

Urga (Nikita Mikhalkov, 1991)



Urga, el territorio del amor / Cerca del paraíso

Ficha Técnica:

Título original:

Urga

Año:

1991

País:

Francia / Rusia

Género:

Drama

Dirección:

Nikita Mikhalkov

Guión:

Jacques Gary, Rustam Ibragimbekov (sobre una historia de Rustam Ibragimbekov, Nikita Mikhalkov)

Duración:

113 min

Reparto:

Badema, Bayaertu, Vladimir Gostukhin, Baoyinhexige, Larisa Kuznetsova, Babushka, Jon Bochinski, Yongyan Bao, Wurinile

Datos del archivo:

Idioma:

Mongol, ruso y mandarin con subs en español (srt)

Calidad:

DVDrip gracias a Taxi11

Resolución:

608x336

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
La amistad entre un pastor mongol y un camionero ruso, perdido en la estepa asiática a causa de una avería, sirve de pretexto para mostrar el abismo cultural y económico entre el campo y la ciudad. (FILMAFFINITY)


1992: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1992: Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa
1992: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
1992: 2 premios en el Festival de Venecia: León de Oro, premio OCIC

La película es muy entrañable, y en concreto para los españoles o judíos sefardíes que la vean, por esa escena tan nostálgica (que en cierto modo nos recuerda también al filme de V. Erice "El Sur", cuando se oye un pasadoble y dicha música nos traslada cultural y sentimentalmente a un espacio memorístico de lo español) en la cual están todos cenando dentro de la tienda en medio de la estepa, la familia mongol de padre, madre, la abuela, dos niños y una niña, además del invitado ruso que ha llegado allí circunstancialmente y, entonces, éste le pide a la chavala, que sabe darle uso al acordeón, que toque algo y les alegre la velada. La muchacha coge su acordeón y se pone a tocar nada más y nada menos que el pasodoble "España cañí" de Pascual Marquina Narro (n. Calatayud, Zaragoza, 1873 – f. Madrid, 1948), algo sorprendente que nos deja con la boca abierta y nos eriza los pelillos de la piel, incluso nos humedece los ojos (al menos así le pasa al protagonista ruso que asiste a la interpretación del pasadoble, pues al oírlo se le saltan las lágrimas ante esa preciosa y transportadora melodía), todo un regalo en medio de tan solitario e inmenso terrero como es la abierta Mongolia.

No sabemos por qué esta niña mongol ha aprendido esta pieza musical de raigambre española o quién se la ha enseñado, así como tampoco por qué el director Nikita Mikhalkov la hace formar parte de esta historia, pero suponemos que es porque dicho pasodoble es mundialmente famoso y considerados por muchos como el "rey de todos los pasodobles"; la cuestión es que resulta un gran acierto, pues independientemente de que sea un encantador y nostálgico pasodoble que nos zarandea el alma a los españoles o serfadíes con alma española, también sirve como música universal de las que se clavan en el corazón y suscitan recuerdos del pasado, de la patria chica de cualquiera, de lo que se dejó atrás, de lo que se tiene a mucha distancia o de aquello más entrañable que te remueve el más profundo y básico ADN. (Fej Delvahe, FilmAffinity)


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Shi gan (Kim Ki-duk, 2006)




Time

Ficha Técnica:

Título original:

Shi gan

Año:

2006

País:

Corea del Sur

Género:

Drama. Romance

Dirección:

Kim Ki-duk

Guión:

Kim Ki-duk

Duración:

97 min

Reparto:

Jung-woo Ha, Ji-Yeon Park, Hyeon-a Seong, Yeong-hwa Seo

Datos del archivo

Idioma:

Coreano con subtítulos en español (srt) aparte

Calidad:

DVDRip

Resolución:

592x320

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
Seh-hee y Ji woo forman una pareja muy enamorada. Llevan juntos dos años, pero, a causa del lento discurrir del tiempo, Seh-hee empieza a sentirse ansiosa y preocupada, temerosa de que Ji-woo pudiera cansarse de ella. Por eso se pone histérica cada vez que ve a Ji-woo prestando la más pequeña atención a otras mujeres. Un día sucede lo que ella se temía: Ji-woo no logra hacer el amor con ella, y sólo lo consigue cuando Seh-hee le propone que se imagine que está con otra mujer. Entonces, Seh-hee se siente ansiosa y frustrada, además de disgustada de que su rostro sea siempre igual y que su aspecto no pueda dar a su compañero una impresión nueva en cada encuentro. Por su parte, Ji-woo considera que la propuesta de Seh-hee de que piense en otra mujer cuando hacen el amor está fuera de lugar. (FILMAFFINITY)

Es difícil vislumbrar hacia qué terrenos se mueve el cine de Kim Ki-duk desde que realizase el que supone el tríptico y eje central de su filmografía: “Dirección desconocida”, “Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera” y “Hierro 3”.

Lo complicado es encontrar un nexo de unión o coherencia entre sus últimos trabajos: el tema recurrente en su obra de la prostitución en “Samaritan Girl”, pasando al retorno del silencio en “El arco” y finalizando en “Time”; en esta última puede ser el poster de “Wild animals” que aparece en la habitación del protagonista, aunque poco tiene que ver en realidad con las aventuras erótico-parisinas del coreano.

El planteamiento de “Time” es tan interesante como descabellado y surrealista, tan alejado y cercano al mismo tiempo a argumentos visuales/narrativos ya utilizados por Hitchcock o Buñuel. Pero la historia se decanta muchas veces por el culebrón o entra en los terrenos del vodevil en su inicio con esos celos, escenitas en público y proposiciones indecentes.

Pero también está la parte interesante desde que se inicia el viaje a un quirófano y la desaparición. Es ahí donde el filme de Kim Ki-duk coge fondo: el del de un drama romántico atípico y original.

Hollywood con este mismo material realizaría un espectáculo baboso y edulcorado sobre el destino y la fuerza interior. Charlie Kaufman escribiría una nueva y bizarra “Olvídate de mí!” y Kim Ki-duk realiza un retrato desgarrador de la locura con mucha mala baba e ironía.

Como suele ser habitual en su filmografía destacan sus originales y llamativos planteamientos visuales. Algunos son tan preciosos que bordan el ridículo. Me explico: la imagen de los enamorados, ya sean solos o acompañados, en esa escultura de las manos fundiéndose en la playa simboliza muchas cosas y es preciosa. Pero lo de la marea, metáfora acertada del paso del tiempo, borda el ridículo. ¿¡Van a estar cinco horas ahí hasta que baje!?

También contiene una de las elipsis más divertidas (involuntariamente) de esta década en una original y brillante secuencia, construida sobre el montaje y la oscuridad. ¡Nunca en un apagado/encendido de luz dieron tiempo a hacer tantas cosas!

Pero el cine de Kim Ki-duk es así, historias de amor desgarradas (esta vez, a golpe de bisturí) con metáforas, mucha poesía y acertados planteamientos visuales. Y esta vez el interesante y cíclico desenlace denota pretensiones y mensajes mayores sobre nuestra sociedad de consumo y sus cambios no hormonales previa visita a un quirófano. (Maldito Bastardo, FilmAffinity)


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Samaria (Kim Ki-duk, 2004)




Samaritan Girl

Ficha Técnica:

Título original:

Samaria

Año:

2004

País:

Corea del Sur

Género:

Drama

Dirección:

Kim Ki-duk

Guión:

Kim Ki-duk

Duración:

95 min

Reparto:

Lee Uhl, Kwak Ji-min, Seo Ming-jung

Datos del archivo

Idioma:

Coreano con subtítulos en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720x400

Formato:

MKV

Tamaño:

1,25 GB


Sinopsis:
Jae-Young y Yeo-Jing son dos jóvenes estudiantes que sueñan con viajar a Europa. Para conseguir el dinero, Jae-Young decide prostituirse con hombres mientras Yeo-Jing arregla sus citas. Con el tiempo, Jae-Young parece acostumbrarse a esta doble vida. Por su parte, Yeo-Jing se siente cada vez más culpable y también más celosa del interés de su amiga por los clientes. Una tarde, Jae-Young es sorprendida por la policía mientras está con un hombre... (FILMAFFINITY)


2004: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor director

Escrita, montada, producida y dirigida por el coreano Ki-Duk Kim ("Hierro 3"). Ganó el Oso de plata a la mejor dirección del Festival de Berlín.

La acción tiene lugar en Seúl y alrededores en términos de presente (2002/03). Dividida en 3 capítulos (Varsunitra, Samaria y Sonata), narra la historia de dos amigas adolescentes, soñadoras e inexpertas, que buscan los medios para viajar y descubrir las maravillas del mundo y de la vida. Un primer tema que plantea la película es el del afán desmesurado de aventuras, como el que inspira a las dos amigas, compañeras de clase, que tras los cambios hormonales de la edad, descubren el propio cuerpo, sus nuevas sensibilidades y sus arrebatos. Comparten deseos de libertad, autonomía, independencia y autoafirmación. Conciben un plan fantasioso, que incluye la aventura final de los viajes y la aventura previa de la obtención del dinero necesario mediante la práctica de la prostitución, sin conciencia de los riegos que asumen. El segundo tema que se expone es el del sentimiento de culpa. Una menor, aturdida por la tragedia a la que le ha llevado su fantasía, se ve en la necesidad de afrontar el desgarro interior derivado de un complejo de culpa que suma remordimiento, arrepentimiento, fustración y autoinculpación. Para librarse de él, traza un plan en el que mezcla afanes de aventura y propósitos de redención, que emprende con grandes riesgos. El tercer tema es el de la paternidad comprensiva. Un padre viudo, agente de la policía con destino en la brigada de lucha contra la explotación de menores, conocedor de los malos caminos que recorre la hija, opta por seguirla, vigilarla de lejos y con sigilo, pero sin intervenir, consciente de que su posición es frágil: se expone a un fracaso sin retorno. No es un padre irresponsable, sino lúcido y prudente, que tolera y consiente para mantener intacta la relación con la hija a la espera del momento oportuno.

La música, de corte occidental, llena el metraje de sentimientos de temor, compasión y comprensión, con melodías rítmicas y fragmentos de gran sutileza. La banda sonora presenta alguna estridencia. La fotografía desarrolla una narración visual eficaz, que contiene momentos culminantes: la huída por la ventana, el suicidio fuera de campo y la lección de conducir junto al río. El guión, sobrio y fluído, elabora unos diálogos breves, muy expresivos. Exalta la naturaleza y ofrece una visión pesimista de la ciudad. La interpretación de los tres protagonistas es convincente. Sobresale la naturalidad de Kwak Ji-min, en su debú cinematográfico. La dirección construye un relato vibrante, que mezcla elementos terribles (prostitución, amigos que cobran favores por adelantado, suicidio, explotación de menores, etc.) con referencias a valores espirituales y religiosos.

Película bien construída, que habla de los problemas de la adolescencia y del papel de los padres en relación a los hijos en un mundo complejo y convulso. (Miquel, FilmAffinity)


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Ko to tamo peva (Slobodan Sijan, 1980)



Línea no regular

Ficha Técnica:

Título original:

Ko to tamo peva

Año:

1980

País:

Yugoslavia

Género:

Comedia - Comedia negra

Dirección:

Slobodan Sijan

Guión:

Dusan Kovacevic

Duración:

86 min

Reparto:

Pavle Vujisic, Dragan Nikolic, Danilo 'Bata' Stojkovic, Aleksandar Bercek, Neda Arneric, Milivoje Tomic, Tasko Nacic, Boro Stjepanovic, Slavko Stimac

Datos del archivo:

Idioma:

Serbocroata con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a purita

Resolución:

576x352

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
La película, una comedia negra tan absurda como irreverente, ambientada en 1941, narra las peripecias de un grupo de pasajeros de un autobús que hace su camino desde el interior hasta Belgrado, durante el inicio de la II Guerra Mundial. (FILMAFFINITY)

Una película hermosa, sin lugar a dudas. El viaje de estos personajes tan variopintos y sus avatares para llegar a Belgrado sería la representación de la enrevesada senda que Serbia (si bien podríamos hablar en general de los pueblos balcánicos) tuvo que recorrer durante la primera mitad del siglo XX. Esta película de 1980 bien podría servir como recordatorio de la estabilidad y paz de la que disfrutaban los yugoslavos casi cuarenta años después del bombardeo de Belgrado que dio comienzo a su particular Segunda Guerra Mundial. El puente que no se sostiene sería la representación de las dificultades para tender tales construcciones simbólicas en Yugoslavia, porque no lo olvidemos, el puente tiene un fuerte carácter unificador y civilizador desde los albores de la civilización y en este caso no lo es menos. Rodeos y más rodeos en un viaje que nunca parece acabar, circunstancias que se suceden (un funeral, cómo no; una pelea entre familias enfrentadas; sexo; etc.) a cual más sorprendente. Sí, ese fue sin duda el difícil destino de los serbios durante aquella primera mitad del siglo XX de sangre y fuego.

Y en el autobús tenemos un "simpático" veterano de las guerras balcánicas y la Gran Guerra, para mi uno de los mejores personajes de la película, aunque hay que decir que todas las actuaciones están bordadas, lo cual es el principal valor de la película. Pues bien, este venerable anciano extremadamente irritable representa el orgullo serbio en todo su esplendor, confiado de la victoria porque Serbia siempre ha salido triunfante de todas las adversidades. Su condición de veterano parece hacerle suponer que él tiene derecho a todas las contemplaciones posibles y al máximo respeto. Especialmente divertida es la escena en la que pide cinco billetes para probar su poder adquisitivo, a lo que el Krstic le dirá: "Deja de volverme loco".

Después nos encontramos con el germanófilo, papel realizado por Bata Stojkovic, cuyas maneras tratarían de imitar al primer ministro de Yugoslavia entre 1935 y 1939, Milan Stojadinovic, político pro-germano donde los hubiera en el periodo. Éste personaje siempre dispuesto a realizar críticas de todo el mundo es altamente derrotista y no duda en afirmar que nada pueden hacer los yugoslavos frente a los alemanes que han conquistado media Europa. He aquí una crítica al colaboracionismo que también existió en Yugoslavia durante el conflicto, a pesar del gran peso de la resistencia. Evidentemente el director trata de centrar las iras del espectador en este personaje. (davilochi, FilmAffinity)



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Hell in the Pacific (John Boorman, 1968)



Infierno en el Pacífico

Ficha Técnica:

Título original:

Hell in the Pacific

Año:

1968

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. II Guerra Mundial

Dirección:

John Boorman

Guión:

Alexander Jacobs & Eric Bercovici

Duración:

103 min

Reparto:

Lee Marvin, Toshiro Mifune

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (ssa)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576x256

Formato:

AVI

Tamaño:

898 MB


Sinopsis:
Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), los dos únicos supervivientes de una batalla naval, un soldado norteamericano y un oficial japonés, se ven obligados a convivir en una isla desierta del Océano Pacífico. (FILMAFFINITY)

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Black Fury (Michael Curtiz, 1935)



Infierno negro

Ficha Técnica:

Título original:

Black Fury

Año:

1935

País:

Estados Unidos

Género:

Cine negro. Drama. Crimen

Dirección:

Michael Curtiz

Guión:

Abem Finkel, Carl Erickson

Duración:

94 min.

Reparto:

Paul Muni, Karen Morley, William Gargan, Barton MacLane, John Qualen, J. Carrol Naish, Vince Barnett, Tully Marshall, Henry O'Neill, Joseph Crehan, Mae Marsh, Sara Haden, Willard Robertson

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a roisiano y rojiblanca

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Una mina de carbón donde trabajan inmigrantes es el centro de una amarga disputa laboral entre los trabajadores y sus propietarios. (FILMAFFINITY)


1936: Nominada al oscar: Mejor actor protagonista.
En las primeras dos décadas del siglo XX, millones de inmigrantes llegaron a los Estados Unidos con la esperanza de compartir el American Dream… pero muchos no pudieron lograrlo, pues tenían sueños de equidad, de justicia social y de un trato digno para todos sin que importase la raza, la religión o la nacionalidad.

Entonces chocaron con la realidad: En el paraíso prometido sólo se buscaba mano de obra barata, había afán de explotación y de enriquecimiento fácil, y lo único que les importaba de los seres humanos era su fuerza o su talento. Para sostener tales propósitos, los empresarios hacían uso de las presiones, las amenazas y la represión necesaria para mantener el control a como diera lugar. En hechos de esta índole, se cobró la vida de gente buena como el sueco Joe Hill, un cantante, compositor y líder obrero, ejecutado en Utah el 19 de Noviembre de 1915, acusado de un crímen que no cometió. El 2 de enero de 1920, 500 hombres y mujeres miembros del Sindicato de Trabajadores Industriales, fueron encadenados y humillados, obligándoles a caminar así por las principales calles de Boston. Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti, dos anarquistas italianos que luchaban por la justicia social, fueron ejecutados el 23 de agosto de 1927, y también eran inocentes del crimen por el que se les condenó… Y en 1929, tres policías llamados para reprimir a los mineros del carbón, asesinaron injustamente en Imperial, Pennsylvania, al sindicalista húngaro John Barkowski.

Sobre este caso, el famoso juez Michael A. Musmanno (quien también apelara el caso de Sacco y Vanzetti), escribió un libro titulado “Furia Negra”, el cual, al momento de ser adaptado al cine, se complementó con la obra de Harry R. Irving “Bohunk” (término peyorativo que señala a un bo-hemio hún-garo k-omunista).

Con el guión en la mano, y acompañado por su camarógrafo Byron Haskin, el director Michael Curtiz se fue de inmediato al lugar donde ocurrieron los hechos, para tener una visión precisa de los mineros del carbón y de los lugares donde se movían, y así, logró un filme objetivo y veraz sobre las luchas obreras, que pronto levantó roncha entre las autoridades de Pennsylvania y fue prohíbido en varios Estados norteamericanos donde se temía que pudiera motivar otros levantamientos en las minas, pues las injusticias tenían asiento en el este y el oeste, en el norte y en el sur… y la complicidad de los gobernantes era el común denominador.

“INFIERNO NEGRO” (“Black hell” título que nos parece más atinado y que fue el que le dieron a su guión Finkel y Erickson hasta que, Jack Warner, decidió imponer el del libro de Musmanno “Black fury”) es un filme con una logradísima ambientación, con alta eficacia en la elipsis y en el montaje general, y con una historia redonda para conocer más de fondo el mancillado esfuerzo de los sindicatos. Otro gran acierto para un director con fama de sometido, quien, con gran perspicacia, logró preservar una coherencia ideológica admirable. (Luis Guillermo Cardona, FilmAffinity)



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Uncertain Glory (Raoul Walsh, 1944)



Tres días de gloria

Ficha Técnica:

Título original:

Uncertain Glory

Año:

1944

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Thriller. Bélica

Dirección:

Raoul Walsh

Guión:

László Vadnay, Max Brand (Historia: Joe May, László Vadnay)

Duración:

102 min

Reparto:

Errol Flynn, Paul Lukas, Lucile Watson, Faye Emerson, James Flavin, Douglass Dumbrille, Dennis Hoey, Sheldon Leonard, Odette Myrtil, Francis Pierlot, Jean Sullivan

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip de jafonseca gracias a pgmele

Resolución:

720x480

Formato:

MKV

Tamaño:

1,28 GB


Sinopsis:
Un criminal fugado condenado a muerte es vuelto a capturar. Una vía del tren vital para los alemanes es saboteada, y los nazis como represalia secuestran a 100 franceses que amenazan con ejecutar si los aliados no entregan al saboteador. Picard, para intentar salvar su vida, se ofrecerá para hacerse pasar por el saboteador para intentar salvar a los capturados. (FILMAFFINITY)

Aunque sus propias cualidades la hagan merecedora de ello, es indudable que a la hora de referirnos a la producción de cine antinazi emanada por los estudios de Hollywood, no cabría olvidar esta extraña, atípica y, por momentos, admirable UNCERTAIN GLORY (1944, Raoul Walsh) –lógicamente no estrenada comercialmente en nuestro país, como sucedió con la inmensa mayoría de productos de estas características-. Quizá esta valoración tendría que hacerse extensible al conjunto de cuatro títulos que Walsh rodó dentro de estas coordenadas –de las cuales solo he podido acceder a dos de ellas- siempre en el seno de la Warner, pero esta adscripción debiera tenerse en cuenta dentro de un material de partida, a partir del cual el veterano pionero se adentró en terrenos bastante alejados de la parábola política. Por el contrario, estos productos le permitieron centrarse por un lado en propuestas cercanas al cine de aventuras, al tiempo que discurrir por derroteros dramáticos sorprendentes, que en el título que nos ocupa bordean el apólogo moral. UNCERTAIN… se inicia como uno de tantos –y, por lo general, brillantes- exponentes del thriller combativo de aquella época en USA, revelando en sus secuencias iniciales el ritmo inherente al mejor cine de su autor. Con una planificación llena de precisión, y un entorno definido en el París de la ocupación nazi, nos describirá las dos personalidades que dominarán el conjunto de la película. De un lado se encuentra Jean Picard (Errol Flynn), delincuente buscado por asesinato que ha sido finalmente detenido por la sureté francesa, y está a punto de morir guillotinado. Junto a él se encuentra el inspector Marcel Bonet (Paul Lukas), el hombre que finalmente lo detuvo pero que, sobre todo, conoce íntimamente a Picard, hasta el punto que su captura ha supuesto para él un auténtico objetivo personal. El escepticismo con el que Picard se enfrenta a la muerte le proporcionará finalmente una sorprendente prórroga en su existencia. Un bombardeo británico en torno a la prisión salvará al condenado de la guillotina, pudiendo escaparse de la misma. Picard buscará ayuda de manos de un amigo suyo, que no dudará en delatarle, logrando pronto Bonet volverlo a apresar. Sin embargo, y cuando ambos se disponen a regresar hasta París –Picard había huido a Burdeos-, una circunstancia llevará la extraña relación de dependencia entre los dos protagonistas a un derrotero insólito. Ambos conocerán que se ha cometido un sabotaje en un puente, estando los mandos nazis a la búsqueda de los responsables del atentado y llevando como rehenes a cien ciudadanos, a los que ejecutarán si el autor del mismo no se entrega. Picard se planteará la posibilidad de simular él ser el autor del sabotaje, logrando interesar a Bonet en esa sugerencia. Y es que aunque el veterano comisario dude de las intenciones del delincuente, en el fondo se planteará en su conciencia la viabilidad de ese sacrificio que llevaría a cien inocentes a ser salvados, por alguien que en el fondo está simplemente sustituyendo su manera de morir; pasar de ser guillotinado a ser fusilado y, sobre todo –y aunque esta circunstancia quede planteada de manera muy sutil a lo largo de la película-, la posibilidad de redimir una trayectoria vital nada estimulante por un sacrificio hacia la comunidad.

Sin duda un magnífico planteamiento de base, para una película que sabe tratar con destreza los vericuetos de la oposición de caracteres que se establece entre el astuto y aventurero delincuente y el cartesiano y reflexivo comisario, dando paso a una cinta que combina con sorprendente agilidad su condición de relato de aventuras, su elemento preponderante de drama psicológico centrado en dos personajes opuestos y, muy especialmente, en la sensibilidad demostrada a la hora de plasmar un marco de tensión en el que la sensación del final de la existencia y el acceso a un entorno rural, dominado por la placidez y la lejanía del ambiente de la ciudad, así como el encuentro con una joven, abrirán a Ricard nuevas perspectivas a su hasta entonces muy codificada trayectoria vital. Es indudable que a la hora de plasmar ese antagonismo de partida entre Picard –quien finalmente modificará su identidad, como elemento previo de cara a su entrega como saboteador- y Bonet, existe un elemento que Walsh logra expresar con auténtico placer, como es el magnífico duelo interpretativo manifestado por dos intérpretes tan opuestos como Errol Flynn y Paul Lukas, hasta el punto de erigirse en uno de los elementos más singulares del conjunto. Una propuesta, por otra parte, que en esa diversidad de objetivos, sabe plantear elementos llenos de interés que van desde la manera con la que ambos protagonistas intentan desafiarse uno a otro, la complicidad que, sin ellos pretenderlo, irán extendiendo en esa forzosa, densa y al mismo tiempo efímera convivencia entre ambos, plasmando igualmente esa reflexión entre individualismo y colectividad que estará bien presente a lo largo de todo el relato. Y es una característica que se manifestará cuando en la localidad rural a la que recalan los protagonistas, se plantea por parte de la madre de uno de los aldeanos tomados como rehén. Se trata de una mujer en apariencia piadosa –y la visión que se plantea en la película de la hipocresía escondida en una falsa religiosidad es realmente demoledora-, que no dudará en tomar a Picard como base para preparar una falsa acusación contra él, intentando con ello salvar especialmente a su hijo, aunque encubriendo esta circunstancia dentro de una vertiente colectiva.

Lo cierto es que la película logra entremezclar diferentes perspectivas y elementos, lográndolo casi a la perfección mediante la adopción de puntos de vistas y rasgos narrativos contrapuestos y complementarios, combinando secuencias definidas en la acción, otras en su vertiente de observación psicológica y, finalmente, otras en donde el ritmo de la película dejará paso a una sensación de placidez, serenidad e incluso romanticismo –esos momentos que a Picard le llevarán a una visión más sosegada, y un alcance espiritual del que hasta entonces carecía por completo-, hasta cierto punto inhabituales en el cine de Walsh –aunque bien es cierto que una mirada más atenta a su cine, nos llevará a apreciar fragmentos como este en su dilatada filmografía-. En cualquier caso, ese duelo entre comisario y delincuente alcanza una fuerza irresistible –en ningún momento se abandona la sensación de asistir a un constante juego del gato y el ratón-, en medio de una puesta en escena magnífica, que sabe alternar y valorar situaciones, emplazamientos y personajes, mostrando en su conjunto una reflexión existencial, al tiempo individual y colectiva, combinada a la perfección en su expresión como extraño exponente de cine de aventuras.

Cierto es. UNCERTAIN GLORY no es un film redondo. Hay un elemento –procedente de ciertas convenciones de guión-, que llega a chirriar un poco. Me estoy refiriendo al recurso marcado por parte de nuestros protagonistas al enterarse de las novedades existentes manejadas por los mandos nazis, en base a los comentarios que –en apariencia espontáneamente-, mantienen con los mandos franceses en las calles de la pequeña localidad. Podría ser creíble en un momento determinado, pero la acumulación de estos permite que esta circunstancia resulte un formulismo de guión bastante cuestionable. Pese a esa objeción, la película llega a resultar apasionante en varios de sus pasajes, incisiva en las reflexiones que plantea, y magnífica en su conjunto. Sus minutos finales pueden llevarnos a pensar en lo innecesario de la secuencia que muestra la entrega final de Picard dentro del cuartel nazi, pero la misma va preludiada con el bellísimo travelling en el que Picard y Bonet conversarán, se despedirán y se mostrarán finalmente su afecto, antes de que el primero se entregue. Aún más, la culminación del film va revestida de los sonidos de paz y alegría de los campanarios –al aceptarse la entrega del protagonista, los rehenes han quedado liberados-, mientras Bonet recuerda a la joven que ha amado Picard durante unos días –Louise (Faye Emerson)-, que actuó como un auténtico francés. Una conclusión digna del mejor melodrama de Frank Borzage, para una película semioculta dentro de la amplia filmografía de Walsh que personalmente me ha supuesto toda una sorpresa.

CINEMA DE PERRA GORDA (http://thecinema.blogia.com/2008/102302-uncertain-glory-1944-raoul-walsh-gloria-incierta-.php)



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Our Daily Bread (King Vidor, 1934)



El pan nuestro de cada día

Ficha Técnica:

Título original:

Our Daily Bread

Año:

1934

País:

Estados Unidos

Género:

Drama social, Pobreza

Dirección:

King Vidor

Guión:

Elizabeth Hill, Joseph L. Mankiewicz (Historia: King Vidor)

Duración:

78 min.

Reparto:

Karen Morley, Tom Keene, Barbara Pepper, Addison Richards, John Qualen, Lloyd Ingraham, Sidney Bracey

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español y portugués (srt)

Calidad:

DVDrip

Resolución:

592x432

Formato:

AVI

Tamaño:

935 Mb


Sinopsis:
Estados Unidos, años 30. En plena Depresión económica, John y Mary, una pareja joven que vive abrumada por las deudas y el desempleo, abandona la ciudad y se establece en una granja abandonada. A pesar de la inexperiencia de John, deciden explotarla. Y este proyecto se hará realidad a medida que vayan llegando a la finca personas de los más diversos oficios que huyen de la miseria urbana. El resultado es la creación de una cooperativa agrícola y de un nuevo tipo de sociedad más solidaria. (FILMAFFINITY)

Pocas veces repetirán los estudios de Hollywood una experiencia como la de "El pan nuestro de cada día", cine reivindicativo en el que sus autores tuvieron la libertad necesaria para llevar hasta sus últimas consecuencias el hilo narrativo y de paso su compromiso con la época (EE.UU. estaba en los años de la gran depresión). King Vidor ("El gran desfile" 1925, "Y el mundo marcha" 1928, "Aleluya" 1929, "Duelo al sol" 1946, "Guerra y Paz" 1956…) descubrió esta historia de convivencia cooperativa en la revista Reader's Digest, viendo en ella un ejemplo de cómo con la capacidad de unión de la población empobrecida se podían superar las limitaciones del individualismo para encarar el futuro con dignidad.

Presentó la idea a Irving Thalberg (vicepresidente y jefe de producción de la Metro Goldwyn Mayer donde hasta entonces había desarrollado su carrera), pero se negó a financiarla, como después hicieron el resto de productoras. Fue gracias al apoyo de Charles Chaplin que pudo conseguir el dinero necesario (Chaplin era uno de los fundadores del estudio en el que finalmente se realizaría, la United Artists).

"El pan nuestro de cada día" se convirtió inmediatamente en referente del cine social, uno de los pocos títulos de la década de los 30’ (Frank Capra rodaría poco después "Horizontes perdidos" 1937 y "Vive como quieras" 1938) que mostraría los valores e idearios comunales que diversos e influyentes grupos utilizaban como fórmula para luchar contra la desigualdad, la injusticia y la falta de futuro (recordemos, p.e., a Dorothy Day y su anarcocristianismo del Movimiento del Trabajador Católico, o la presencia sindical que la IWW tenía entre los intelectuales y la población). (jabi, FilmAffinity)


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Way Down East (David W. Griffith, 1920)



Las dos tormentas

Ficha Técnica:

Título original:

Way Down East

Año:

1920

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Muda

Dirección:

David W. Griffith

Guión:

Anthony Paul Kelly, David W. Griffith

Duración:

165 min.

Reparto:

Lillian Gish, Richard Barthelmess, Lowell Sherman, Burr McIntosh, Kate Bruce, Mary Hay, Creighton Hale, Emily Fitzroy, Porter Strong

Datos del archivo:

Idioma:

Muda con intertitulos en ingles y subtítulos en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

618x480

Formato:

MKV

Tamaño:

713 MB


Sinopsis:
Anna Moore es una joven que va a visitar a Bostón a su acaudalada tía para que ayude a su familia a salir de la pobreza, pero una vez allí un hombre rico la engaña con un matrimonio falso para poder aprovecharse de ella. Cuando Anna se queda embarazada se destapa el engaño y es abandonada a su suerte. (FILMAFFINITY)

Largometraje nº 19 de David W. Griffith. El guíón de Anthony P. Kelly y D.W. Griffith (no acreditado), adapta el drama teatral "Way Down East", de Joseph R. Grismer y William A. Brady, basado en la pieza teatral "Annie Laurie" (1898), de Lottie Blair Parker. Se rueda en exteriores de Connecticut, Florida, NY (Long Island) y Vermont (White River Junction), con un elevado presupuesto de 700 mil dólares. Producido por D.W. Griffith, se estrena el 3-IX-1920 (EEUU).

La acción tiene lugar en Boston y en las localidades rurales de Belden y Bartlett Village (Nueva Inglaterra), en 1910-20. La joven campesina Ann Moore (Gish) es enviada por su madre a pedir ayuda económica a los Tremont, sus familiares ricos de Boston. Allí es cortejada por el desaprensivo Lennox Sanderson (Sherman), hasta que la acoge en su casa el Sr. Bartlett (McIntosh), padre de David (Barthelmess).

El film suma drama y romance. Sorprende que Griffith, ante el declive comercial de su carrera por el cambio de gustos del público, cansado de dramas victorianos, optara de nuevo por entregar una realización melodramática. Con ella crea una de sus grandes películas y consigue, además, uno de sus mayores éxitos de público. Recrea el mundo bucólico y lírico del campo de la segunda mitad del XIX, que traslada al presente dramático. Fotografía con delectación amplios paisajes en estado natural, humildes casas de labranza y tareas agrícolas de marcado aire pastoral. Añade la descripción de personajes individuales y colectivos, que traspiran la ingenuidad y amabilidad de la vida rural. Las fiestas populares de la gente del campo exhalan compañerismo y alegría natural.

Contrapone campo y ciudad. En ésta abundan los engaños, la codicia, el egoismo y la vanidad. Denuncia los errores del puritanismo, el fanatismo y la intolerancia. Condena los prejuicios y la obstinación. Exalta la inocencia, la solidaridad, la búsqueda de la verdad y la sinceridad de las personas de bien.

La cinta exhibe un excelente ritmo narrativo, que se torna trepidante en la secuencia de la tormenta. Combina ternura, sensualidad e intensidad dramática. Incorpora lances de humor y divertidos personajes cómicos, como Martha Perkins, Hi Holler y Ruben. Las escenas arriesgadas traspiran un realismo admirable, que emociona y cautiva. Consigue un nivel asombroso de tensión emocional y de suspense. Incorpora tres escenas memorables: la representación de la maternidad, el bautismo del niño y la tormenta de nieve.

La música, de Louis Silvers, combina ritmos de ragtime, canciones populares ("Jingle Bells") y acertadas melodías descriptivas. La fotografía, de Billy Bitzer, Charles Downs y Hendrik Sartov, en B/N (con sucesivos tintados sepia, azul y azafrán) ofrece primeros planos impactantes, perspectivas panorámicas de gran belleza y tomas desde posiciones arriesgadas. Gran interpretación de Lillian Gish. (Miquel, FilmAffinity)



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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

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