lunes, 17 de septiembre de 2012

Novecento (Bernardo Bertolucci, 1976)



1900

Ficha Técnica:

Título original:

Novecento

Año:

1976

País:

Italia

Género:

Drama. Amistad. Histórico

Dirección:

Bernardo Bertolucci

Guión:

Franco Arcalli, Giuseppe Bertolucci, Bernardo Bertolucci

Duración:

302 min

Reparto:

Gérard Depardieu, Robert De Niro, Dominique Sanda, Stefania Sandrelli, Donald Sutherland, Burt Lancaster, Sterling Hayden, Francesca Bertini, Laura Betti, Werner Bruhns, Stefania Casini, Anna Henkel, Ellen Schwiers, Alida Valli, Romolo Valli

Datos del archivo

Idioma:

Inglés / Italiano con subs en español (srt) y español, inglés, alemán, italiano, francés, holandes, danes, finlandes, noruego, portugues, ruso (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 480

Formato:

MKV

Tamaño:

2,13 GB + 2,02 GB + 282 MB


Sinopsis:
En el año 1900, en una finca en el norte de italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero. La película les sigue a ellos y a sus familias durante ochenta años en la amistad y la alienación, sobre todo en lo relacionado con su actitud frente al fascismo, con el que burgués colabora pasivamente mientras el trabajador se convierte en partisano. Famoso drama que hace un complejo recorrido histórico, político y social de la Italia del siglo XX, muy alabado por la crítica y con un impresionante reparto.

Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. Escriben el guión Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli y Giuseppe Bertolucci. Se rueda en escenarios reales de la región Emilia-Romagna (Busseto, Guastalla, Parma, etc.), en la finca "La Piacentine" y en platós de Cinecittà Studios (Roma). Producido por Alberto Grimaldi para Artemis, Artistes Associés y PEA, se estrena en agosto de 1976 (Festival de Venecia).

La acción dramática principal tiene lugar en la finca rústica de 300 hectáreas de la familia Berlinghieri y en el pueblo vecino, de la región italiana Emilia-Romagna, situada al Norte de Italia. Sigue la historia italiana desde enero de 1901 hasta abril de 1945, con un epílogo situado en la primavera de 1976. Los principales acontecimientos históricos que jalonan el relato son la muerte de Verdi (27-I-1901), la gran huelga agraria de 1908 (de 1/V al 25/VI), la Primera Guerra Mundial (1914-18), la fundación del Partido Comunista Italinao (Livorno, 21-X-1921), la toma del poder por Mussolini (30-X-1922), la prohibición del PCI (5-XI-1925), la Segunda Guerra Mundial (1939-45) y el día de la liberación (25-IV-1945).

El film desarrolla el relato novelado de las historias de Olmo Dalcò, nieto de Leo Dalcò (Hayden), bracero residente en la finca, y de Alfredo Berlinghieri, nieto del último propietario de la explotación agraria que pudo gobernarla a la antigua usanza. Olmo (Depardieu) es un bracero airado y luchador, con madera de líder, que encabeza los movimientos de protesta de los trabajadores de la finca. Alfredo (De Niro) lleva una vida despreocupada y relajada hasta que, a la muerte del padre, Giovanni (Valli), se ve obligado a asumir las funciones de patrón.

El film suma drama, historia, romance y guerra. Desarrolla la acción en los alrededores del lugar de nacimiento de Bertolucci (Parma, Emilia-Romagna). De algunas localizaciones da el nombre y su posición (Madonna dei Prati, a 3 km. de la finca). De otras facilita sólo el nombre (Piacenza, Cremona...). Muestra, sin identificarlo explícitamente, el cauce parsimonioso del río Rabbi y las casas de la finca "La Piacentine". De ésta da el número de trabajadores y trabajadoras (un centenar) y los componentes de su producción: carne ovina, porcina y vacuna, leche, cultivos de riego (huerta, maíz, fruta...) y de secano (grano, viña...), etc.

Presta atención a la progresiva mecanización del campo con el desplazamiento del arado de bueyes o mulos a raíz de la introducción del tractor, el rastrillo, etc. Explora la evolución del papel del terrateniente desde la época superada del abuelo Alfredo (Lancaster), pasando por los cambios impuestos por la creciente organización sindical del campo que obliga a negociar y a reconocer derechos, hasta la delegación de las tareas de gestión en manos de asalariados como Attila (Sutherland), crueles y violentos.

El relato se divide en cuatro etapas, que tienen lugar en cada una de las cuatro estaciones del año. La infancia de Olmo y Alfredo se presenta en verano, la adolescencia en otoño, la madurez en invierno y la vejez en primavera. Así mismo, la infancia de los protagonistas coincide con la emergencia del movimiento obrero, la adolescencia con la aparición de la lucha obrera (reivindicaciones, huelgas...), la madurez con la derrota del fascismo y el triunfo de la democracia y la vejez con los sueños de liberación. A lo largo de las cuatro etapas va disminuyendo el número de trabajadores de la finca. Las bajas pasan a trabajar en otros lugares (ciudad) y en otras ocupaciones (industria). A lo largo de su recorrido, el relato está hecho desde el punto de vista de los trabajadores (el de Leo al principio y el de Olmo después), que se inspira en los ideales, concepciones y sentimientos del Partido Comunista Italiano, principal impulsor del movimiento obrero en Italia.

Bertolucci analiza otros temas, como la crueldad de los "camisas negras", la importancia y precocidad del sexo en el mundo agrario, el envejecimiento en una explotación agrícola, las condiciones de trabajo y de vida de los trabajadores del campo, el papel de la mujer en las tareas agrícolas, el proceso de reivindicación obrera y la evolución de sus objetivos, etc. Algunas escenas, de gran realismo, causan fuerte impresión, como el sacrificio del cerdo, el lanzamiento de excrementos a Attila, la represalia de éste, el acompañamiento al cementerio de los muertos en el incendio de la Casa del Pueblo, el asesinato de un niño, los suicidios, la muerte violenta de un gato, el bracero que se corta una oreja y se la entrega al terrateniente, etc.

El film presenta una descripción sesgada de la inviabilidad de las posiciones liberales, que no se identifican ni con el autoritarismo fascista, ni con las ansias revolucionarias obreras. Encarnan estas posiciones Octavio (Bruhns) y Ada (Sanda), a los que se asignan papeles de derrota, embriaguez y locura. Al margen del sentimentalismo ideológico y del sesgo emocional que lo informan, el film cuenta con muchos elementos que fundamentan su solidez e interés.

La música, de Ennio Morricone, ofrece una partitura vibrante, sencilla y grata, que hace uso de violines, grupos de cuerda y de cuerda y metal, solos de ocarina, voz, coros, etc. La melodía central tiene formato de himno de exaltación y glorificación. Va acompañada de cortes incidentales, que resaltan su centralidad y preeminencia. Añade el canto de "Giovinezza" (marcha fascista). La fotografía, de Vittorio Storaro (Apocalypse Now, 1979), en color (technicolor), presenta una narración visual muy cuidada y atractiva, de gran perfección. Son excelentes las interpretaciones de De Niro y Depardieu. (Miquel: FilmAffinity)



EXTRA: Como se hizo (28: 16) (282 MB) (Varios con subs en inglés, italiano y ruso en contenedor MKV)


PARTE I:

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PARTE II:

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Blue Velvet (David Lynch, 1986)



Terciopelo azul

Ficha Técnica:

Título original:

Blue Velvet

Año:

1986

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Intriga. Cine negro

Dirección:

David Lynch

Guión:

David Lynch

Duración:

116 min

Reparto:

Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dean Stockwell, George Dickerson, Jack Nance

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1918x816

Formato:

MP4

Tamaño:

1,77 GB


Sinopsis:
Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte. (FILMAFFINITY)


1986: Nominada al Oscar: Mejor director (David Lynch)
1986: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor película, fotografía
Cuarto largometraje de David Lynch, es una de sus obras más personales. El guión es original del propio Lynch. Se rueda en escenarios naturales de Lumberton y Wilmington (Carolina del Norte) y en los De Laurentiis Studios (Wilmington), con un presupuesto estimado de 6 M USD. Es nominado a un Oscar (director). Producido por Fred Caruso para De Laurentiis Entertainment Group, se proyecta por primera vez en público en agosto de 1986 (Montreal World Film Festival).

La acción dramática tiene lugar en Lumberton (Carolina del Norte), pequeña ciudad maderera, tranquila, pacífica y segura. Jeffrey Beaumont (MacLachlan), estudiante universitario, de unos 20 años, acude a la localidad para visitar a su padre que acaba de sufrir un infarto. A la salida del hospital, mientras se entretiene lanzando a distancia piedras contra una botella abandonada, encuentra una oreja humana, que entrega al detective de la policía John Williams (Dickerson). Sandy (Dern), hija del policía, interesada en el caso, ofrece su colaboración a Jeffrey para investigar los hechos. Ambos se ven atrapados en la madeja de las relaciones de Dorothy Vallens (Rossellini) y Frank Booth (Hopper).

Jeffrey es curioso, aficionado a descifrar enigmas, aventurero y voyeur. Sandy, de unos 18 años, es novia de Mike, pero se siente atraída por Jeffrey, más tranquilo y pacífico. Dorothy, cantante del Slow Club, pequeña traficante de drogas, es víctima de chantaje y abusos por parte de Frank. Éste es el jefe sádico de una banda local de psicópatas, dedicada al crimen, el secuestro y la venta de drogas.

El film suma crimen, misterio, romance y thriller. Se sirve de elementos del cine negro y surrealistas para ofrecer una representación de la irrealidad, que sirve al autor como medio para desvelar el mundo turbulento, oscuro y perverso que se oculta tras las apariencias plácidas de la vida en una pequeña ciudad. Hace uso de una narración no convencional y crea una película oscura, misteriosa e inquietante. Con la ayuda de una cámara detallista y observadora, hace un recorrido minucioso por el submundo del crimen, el vicio y la delincuencia. Añade una descripción sobrecogedora de la crueldad, la locura y la depravación humana.

Presenta un retrato sobrecogedor del horror y del espanto que conviven ocultos junto a la placidez de una de las localidades más tranquilas del país. Su exploración muestra un universo de perversiones, aberraciones, truculencias, vilezas y ruindad, que supera los límites de lo imaginable. Propone un perturbador viaje a las tinieblas que anidan en las profundidades del alma y del corazón. El trayecto lleva al espectador a un estado onírico e irreal donde todo es posible, nada es definitivo y casi todo es inexplicable. Sueño, alucinación y realidad se confunden, se equiparan y se solapan. Es uno de los mejores trabajos de Lynch.

Como en otros films, el realizador juega con una doble pareja de personajes: Sandy y Dorothy, Jeffrey y Frank. ¿Son expresiones contrarias de una misma realidad? Posiblemente Dorothy sea el lado oscuro de Sandy o su “alter ego” y Frank el lado oscuro de Jeffrey o su “alter ego”. Lynch no es dado a aceptar la existencia de dos realidades opuestas y contradictorias. En el fondo del relato palpita una crítica mordaz del sueño americano y del bienestar falaz de la sociedad más próspera del planeta. La cámara observa escenas de perversiones sexuales: voyeurismo, violación, sadismo, masoquismo, fetichismo, humillación, etc.

El realizador construye una atmósfera densa, tensa, incierta y misteriosa, que lo envuelve todo con la ayuda eficaz de las imágenes y la banda sonora. La atmósfera que consigue Lynch constituye uno de los principales atractivos del film. Éste toma el título de la canción “Blue Velvet” y hace del terciopelo azul un elemento de fijación fetichista. Se inspira en Buñuel y Godard y, a la vez, les rinde homenaje. Coincide con Resnais en la burla que dedica a la realidad. Son memorables las escenas del ataque de Frank a Dorothy con unas tijeras, las amenazas cuchillo en mano de Dorothy a Jeffrey, el abrazo de Jeffrey y Sandy al compás de “Mysteries of Love” (Lynch/Badalementi), Dorothy traumatizada en la calle, la sensual interpretación de “Blue Velvet” por Dorothy, etc. “Blue Velvet” es una canción de Bernie Wayne y Lee Morris, estrenada en 1950.

La música, de Angelo Badalamenti (Mulholland Drive”, 2001), crea una partitura inquietante, de percusión, sonidos disonantes y resonancias irreales. Añade baladas populares, como “Love Letters” (Victor Young), “In Dreams” (Roy Orbison) y “Blue Velvet” (Wayne/Lee Morris), que se complementan con dos canciones de Lynch/Badalementi (“Blue Star” y la antes citada). Establece un contraste efectista entre las baladas populares y los cortes de la banda sonora, que eleva e intensifica la atmósfera del film.

Film de culto, clásico del cine contemporáneo. Es una de las obras emblemáticas del cine americano de los años 80. (Miquel, FilmAffinity)


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The Parallax View (Alan J. Pakula, 1974)




El último testigo

Ficha Técnica:

Título original:

The Parallax View

Año:

1974

País:

Estados Unidos

Género:

Thriller. Politica. Periodismo. Crimen

Dirección:

Alan J. Pakula

Guión:

David Giler, Lorenzo Semple Jr., Robert Towne

Duración:

102 min

Reparto:

Warren Beatty, Paula Prentiss, Hume Cronyn, William Daniels, Anthony Zerbe

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Francés con subs en español (srt) y multisubtitulos (idx/sub)

Calidad:

DVDRip de Galmuchet

Resolución:

688x288

Formato:

AVI

Tamaño:

1,17 GB


Sinopsis:
Joseph Frady (Warren Beatty), un periodista de investigación, presencia, junto con otros siete colegas, el asesinato de un candidato al Senado de los Estados Unidos. Cuando sus siete colegas mueren accidentalmente, Frady empieza a dudar de la versión oficial según la cual el autor de los crímenes es un loco que actúa en solitario. (FILMAFFINITY)

En la primera mitad de la década de los setenta, Alan J. Pakula vivió su mejor momento creativo, gracias al cual hoy aún se le recuerda, dado que ya no filma películas y que las últimas que realizó no pasarán a la historia. Sin embargo, la trilogía que componen "Klute", esta "The Parallax View", y "Todos los hombres del presidente", es de una calidad incuestionable, y de una coherencia argumental destacable, pues todas tratan, de una forma u otra, de investigaciones dirigidas contra el poder oculto, que mueve los hilos desde las sombras.

En este sentido, el presente filme se enmarca dentro del género del thriller político y conspiranoico puesto en boga desde la década previa, y que en EE UU tendría a John Frankenheimer como máximo referente, con títulos clave como "Siete días de mayo" o "The Manchurian Candidate", inspiración directa de esta película, especialmente en la larga y magnífica penúltima secuencia.

Pese a sus ambiciones, mostradas ya desde el magnífico arranque, con ese espectacular asesinato rodado en la Aguja del Espacio de Seattle, el filme se resiente de algunas decisiones narrativas poco convenientes, que lastran innecesariamente el resultado global. Así, al héroe, un ubicuo periodista interpretado por Warren Beatty, le suceden todo tipo de desgracias, aventuras y peripecias que no añaden sino cierta confusión y alguna que otra incoherencia argumental. Lo cierto es que todos estos fragmentos están bien rodados, pero queda la sensación de que no eran necesarios para desarrollar el argumento principal, y que tienen como objetivo convertir al protagonista en un héroe, enfoque totalmente contrario al que empleará Pakula en su siguiente película.

Afortunadamente, el filme compensa esos fallos con las virtudes formales, que nos revelan la maestría del realizador; no sólo por la concepción de algunas secuencias como las anteriormente referidas, sino sobre todo por su dominio de la sugerencia, por su capacidad de transmitir inquietud y sospecha a través de la iluminación (excelente fotografía, de corte expresionista) y los encuadres, logrando crear un clima de tensión creciente en el espectador. Los personajes se mueven con frecuencia por grandes espacios en los que sus solitarios desplazamientos son captados con calma, sin apresuramientos, dejando que el transcurso de los segundos aumente la inquietud y la sensación de espera. Algo similar ocurre en la secuencia del último magnicidio, cadenciosa, elegante, maravillosamente montada, alternando picados y travellings.

Por último mencionar que pese a la construcción un tanto tópica del héroe protagonista, la conclusión de la película escapará de tales convenciones, dando así un buen cierre a la historia, en el que un único plano resume, no sin cierta ironía, la postura del realizador acerca del tema abordado. (Quatermain80, FilmAffinity)


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Journey to the Center of the Earth (Henry Levin, 1959)



Viaje al centro de la tierra

Ficha Técnica:

Título original:

Journey to the Center of the Earth

Año:

1959

País:

Estados Unidos

Género:

Aventuras . Fantástico. Ciencia-ficción

Dirección:

Henry Levin

Guión:

Charles Brackett, Robert Gunter, Walter Reisch (Novela: Julio Verne)

Duración:

129 min

Reparto:

Pat Boone, James Mason, Diane Baker, Arlene Dahl, Thayer David, Peter Ronson, Alan Napier

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip de TinyBear

Resolución:

848x360

Formato:

AVI

Tamaño:

616 MB


Sinopsis:
En una vieja librería, el profesor Lidenbrock descubre un extraño manuscrito de un científico llamado Arne Sakuusen, en el que describe un fantástico y maravilloso viaje al centro de la Tierra. El profesor Lidenbrock cuenta a su sobrino Glauben y su prometida Axel el descubrimiento del manuscrito, y los tres deciden emprender el viaje siguiendo las indicaciones de Sakuusen. Comienzan entonces la aventura internándose en un volcán inactivo por el que descienden hacia el centro de la Tierra. En el viaje tendrán que solventar algunos problemas y sus vidas correrán peligro al enfrentarse a terremotos y tormentas subterráneas. (FILMAFFINITY)


1959: 3 nominaciones al Oscar: Direcc. artíst. color, efect. especiales, sonido

Viaje al centro de la tierra narra las peripecias de un profesor de Edimburgo, Oliver Lindenbrook, que descubre un mensaje oculto de un científico desaparecido hace años y desvela la forma de llegar al centro de nuestro planeta. Acompañado por un grupo reducido, comenzará un viaje que no olvidará jamás, viaje en el que tendrán que enfrentarse a un sinfín de peligros, y no sólo por lo que se encuentren en el camino, sino porque hay otros interesados en hacer que Lindenbrook fracase.

Henry Levin, artesano poco conocido pero con un buen número de películas a sus espaldas, se encargó de hacer creíble lo increíble. Hay que subrayar el hecho de que si simplemente pensamos en el argumento del film, éste puede sonar más que ridículo: tres hombres y una mujer deciden introducirse en las entrañas de nuestro planeta, gracias a una misteriosa entrada que se encuentra en un volcán, y allá van soportando temperaturas enormes como si nada y enfrentándose a criaturas que de ninguna forma podrían vivir allí. Sin embargo, y gracias al enfoque aventurero del asunto, a un ritmo perfecto (sólo un poco perjudicado en su primera media hora, en la cual da la sensación de que tarda un poco en arrancar la función), a una puesta en escena espectacular, con un uso vibrante del color, unos efectos visuales efectivos y una dirección artística ejemplar, no tenemos más remedio que creernos todo lo que nos cuentan. Y a uno no le importa rendirse ante una historia en su base ridícula, pero apasionante en su forma.

Todos y cada uno de los distintos pasajes de su trama, es decir, investigación, descubrimiento, inicio de la aventura, desarrollo, sorpresas y desenlace, están resueltos con gran soltura en los que el espectáculo puro y duro tiene el principal protagonismo. Pero hay algo que me ha llamado la atención en un nuevo visionado de la película, y de lo que me había olvidado por completo. La excelente banda sonora de uno de los compositores cinematográficos por excelencia: Bernard Herrmann. Hasta tal punto viste la película, que muchas de las escenas tiene fuerza únicamente por el trabajo de Herrmann. Atención a la música cuando Lindenbrook realiza experimentos con una pequeña roca que le han regalado, o cuando descubren la forma de adentrarse en el interior del planeta. Herrmann pasa del suspense a la épica con una facilidad asombrosa.

James Mason encabeza un reparto que no llega a estar a la misma altura del brillante actor. Su Lindenbrook es todo un ejemplo de caballerosidad y de inteligencia, y su adaptación a multitud de situaciones le hacen estar por encima de los demás personajes, todos un poco más unidimensionales o planos. Resulta curioso comprobar la química que hay entre Mason y la actriz Arlene Dahl, cuando en realidad no se soportaban durante el rodaje, y todo porque el actor no aguantaba que la actriz fuese tan acicalada y maquillada. Esto último llama la atención, porque mientras vemos que los personajes masculinos terminan hechos unas piltrafas por culpa del viaje, la actriz, a la que simplemente le rompen un poco la ropa, en realidad parece que acaba de salir de un salón de belleza.

Viaje al centro de la tierra es un clásico en toda regla del cine infantil, pudiendo disfrutar de su encanto público de todas las edades y de todos los tiempos. Influyó no poco en el cine posterior de aventuras. Sirva como curiosidad el hecho de que Spielberg recurrió a esta película para dos momentos inolvidables de su perfecta En busca del arca perdida (la piedra rodante y el descubrimiento del lugar exacto del arca). [...] (¿Por qué en los últimos años casi todas las películas infantiles tienen que incluir a niños en sus personajes, la mayoría insoportables, cuando hace décadas no hacía falta, y los críos se lo pasaban en grande?) (Alberto Abuín: Blog de Cine)


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Runaway Train (Andrei Konchalovsky, 1985)



El tren del infierno

Ficha Técnica:

Título original:

Runaway Train

Año:

1985

País:

Estados Unidos

Género:

Acción. Aventuras. Drama. Thriller. Trenes

Dirección:

Andrei Konchalovsky

Guión:

Djordje Milicevic, Paul Zindel, Edward Bunker (Guión original: Akira Kurosawa)

Duración:

112 min.

Reparto:

Jon Voight, Rebecca de Mornay, Eric Roberts, Kyle T. Heffner, John P. Ryan, TK Carter, Kenneth McMillan

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subtítulos en español incrustados.

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704 x 384

Formato:

AVI

Tamaño:

865 MB


Sinopsis:
Manny es el recluso más duro de una remota carcel de Alaska que junto con Buck, otro compañero de prisión, se da a la fuga en un plan de lo más audaz. Subidos en un tren de mercancías, Manny y Buck van a toda máquina camino hacia su libertad pero, cuando al maquinista le da un infarto y muere, ambos se encuentran atrapados, solos y lanzados a toda velocidad hacia un desastre seguro. Hasta que descubren a un tercer pasajero: una hermosa ferroviaria que está tan desesperada y decidida a sobrevivir como ellos. (FILMAFFINITY)

1985: 3 nominaciones al Oscar: Actor (Jon Voight), actor sec. (Eric Roberts), montaje
1985
: Globos de Oro: Mejor actor (Jon Voight). 2 nominaciones
1986
: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
 A partir de un guión original del gran maestro Akira Kurosawa, “El tren del infierno” bajo la dirección de Andrei Konchalovsky, se convierte en una estupenda película de trepidante acción. Es un atípico film de aventuras mucho más cercano a un thriller de gran y enérgica dureza, a través del cual y mediante un tren a toda velocidad y sin frenos podemos admirar los hermosos y fríos parajes de Montana y Alaska, exhibiéndonos todos los esplendorosos paisajes cercanos a los Glaciares de toda aquella zona, sus enormes cumbres y picos nevados donde abundan aún los paisajes espectaculares e inhóspitos nos acompañan durante todo su metraje. Nunca es fácil la fuga de unos presidiarios y mucho menos si uno de ello es el líder del presidio y como consecuencia odiado hasta la muerte por su Alcaide.

Andrei Konchalovsky, consigue transmitirnos toda la tensión de la cinta, a través del magnífico trabajo de Jon Voight dando vida a Oscar Manny, un violento asesino decidido a escapar del presidio a la más mínima oportunidad, con la compañía inesperada del joven Buck (buena actuación del desperdiciado Eric Roberts), su huida no es que digamos lo mejor de la película, donde realmente empieza la misma es cuando a su llegada a una estación cercana eligen un viejo tren de transporte, y aquí empezará su pesadilla, pues ignoran por completo lo que ha sucedido en el mismo. La maquina del convoy empieza a circular a toda velocidad, desbocada, sin que ninguno de ellos pueda tomar su control, breve aparición de Rebecca de Mornay como operadora ferroviaria (aparición tan fugaz como su carrera cinematográfica). Tenemos que añadir la implacable persecución del Alcaide (John P. Ryan) que nunca se da por vencido, con un final digno del mejor cine de acción.

“El tren del infierno”, es una película de los 80. No es una gran peliculón, pero si mucho más completa que cualquier film de los que hoy en día pueden verse en la pantalla. También descubres algo más, tiene un transfondo filosófico casi crepuscular, todavía interesante. (Vfoul, FilmAffinity)

From Here to Eternity (Fred Zinnemann, 1953)



De aquí a la eternidad

Ficha Técnica:

Título original:

From Here to Eternity

Año:

1953

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Pearl Harbor

Dirección:

Fred Zinnemann

Guión:

Daniel Taradash (Novela: James Jones)

Duración:

118 min

Reparto:

Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed, Ernest Borgnine, Jack Warden, Philip Ober, Mickey Shaughnessy, Harry Bellaver, John Dennis, Merle Travis

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Francés con subt en español (srt) e inglés, francés, italiano, holandes, portugues... (idx/sub)

Calidad:

DVDRip del Galmuchet

Resolución:

528x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1,17 Gb


Sinopsis:
Segunda Guerra Mundial, 1941. El soldado Prewitt (Montgomery Clift), que acaba de llegar a la base militar de Pearl Harbor (Hawai), es un antiguo boxeador que se ha retirado definitivamente del ring. El capitán Holmes (Philip Ober), conocedor de sus habilidades como púgil, intenta que se una al equipo del ejército, pero Prewitt rechaza la propuesta. A partir de ese momento será sometido a toda clase de castigos y humillaciones tanto por parte de sus superiores como de sus compañeros. Sólo cuenta con la amistad y el apoyo de Angelo Maggio (Frank Sinatra), un soldado cuya vida tampoco es muy fácil. Mientras tanto, el sargento Milton Warden (Burt Lancaster) y Karen (Deborah Kerr), la mujer de Holmes, viven una historia de amor adúltera. Pero la vida de todos cambiará con el ataque japonés a Pearl Harbor. (FILMAFFINITY)


1953: 8 Oscars, incluyendo película, director, actor sec. (Sinatra), actriz sec. (Reed), guión
1953: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

Superproducción realizada por Fred Zinnemann, es su film más galardonado y uno de los más conocidos. El guión, de Daniel Taradash (“Picnic”, 1955), adapta libremente la novela “From Here To Eternity” (1951), de James Jones. Se rueda en escenarios naturales y reales de Hawaii (EEUU) durante 41 días, con una inversión de 2 M USD. El film es nominado a 13 Oscar y gana 8 (película, director, guión adaptado, fotografía en B/N...). Producido por Buddy Adler (“Bus Stop”, Logan, 1956) para Columbia, se proyecta por primera vez en público el 5-VIII-1953 (NYC, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Hawaii (acuartelamiento de Schofield, Pearl Harbour, Honolulu, Halona Cove, etc.), a lo largo de los 2/3 meses anteriores al ataque japonés del domingo 7-XII-1941. Las vidas entrecruzadas de los soldados Robert E. Lee Prewitt (Clift) y Angelo Maggio (Sinatra), de los sargentos Milton Warden (Lancaster) y James R. “Fatso” Judson (Borgnine), del capitán Dana Holmes (Ober), de la vulnerable Karen Holmes (Kerr) y de la prostituta Alma “Lorena” Burke (Reed), dan lugar a una eclosión de pasiones humanas desbordadas, que convierten la vida en el archipiélago en un polvorín de injusticias, abusos de poder, envidias, odios, afanes de venganza, extorsiones y romances imposibles, a punto de estallar. Prewitt es testarudo, Maggio es bromista y alborotador, Warden es un trabajador eficiente, Judson es racista y sádico, el capitán Holmes es tiránico y despótico, Lorena es interesada y soñadora, Karen Holmes es una mujer insatisfecha, frustrada, refinada y ninfómana.

El film suma drama, romance y guerra. Adapta una novela de éxito que plantea, 6 años después de la IIGM y al comienzo de la Guerra de Corea (1951-53), la denuncia y crítica de la brutalidad, corrupción, sadismo y mezquindad que se da en el Ejército en tiempos de paz. En busca de emociones fuertes, al gusto del público del momento, contextualiza la crítica antimilitarista en un ambiente marcado por el adulterio, la prostitución y la ninfomanía. La película, al objeto de evitar problemas con la rígida censura del Código Hayes, rebaja la crítica antimilitarista (que traslada de la institución a casos aislados), incorpora elogios a las instituciones militares y elimina las blasfemias y el prostíbulo.

El film centra la atención en cinco temas principales: el adulterio, la prostitución, la corrupción, los castigos sádicos y el alcoholismo. Sin abandonar nunca el tono mesurado y contenido, realizador y guionista se apoyan más en la sugerencia y en las indicaciones veladas, que en la demostración directa y explícita. Construyen con el apoyo de unas interpretaciones convincentes y un gran guión, unas atmósferas de tensión y dramatismo de gran nivel. No desarrollan una acción dramática única, sino un entramado de dramas paralelos y simultáneos, de características específicas, que conforman un conjunto denso y sugerente.

Como en otros casos, Zinnemann enfrenta al héroe con dilemas morales a la hora de actuar. Aborda, adicionalmente, los temas del valor y del honor. De acuerdo con los parámetros propios del momento, los analiza en términos exclusivamente masculinos. No es valor humillar a los compañeros o abusar de ellos. No es honorable la extorsión, el chantaje moral y la corrupción. Es valor defender el bien de los demás con riesgo de la propia integridad física o de la propia vida. Es honor cumplir los deberes que se tienen con los demás y con uno mismo. No se cumple el deber exigiendo lo imposible (permiso por escrito en momentos de ataque masivo del enemigo).

El título de la novela original y del film está tomado de uno de los últimos versos del poema “Gentlemen Rankers”, de Rudyard Kipling. La novela, de James Jones, forma parte de la trilogía del autor sobre la guerra junto con “La delgada línea roja” (1962) y la inacabada “Silbido” (1978). Jones es también el autor de la novela “Como un torrente” (1957), llevada al cine (1958) por Vincente Minnelli.

La escena más famosa es la del doble beso de Lancaster y Kerr en la playa. La escena se compone de planos rápidos y cortos de luz. Supuso en su momento el máximo posible bajo la rígida censura del momento. El papel de ninfómana de Kerr recuerda en cierto modo el que la misma actriz representaba en “La noche de la iguana” (1964). La no aceptación de las tendencias lésbicas de Hannah Jelkes y la no aceptación de la ninfomanía de Karen, son causa en ambas de frustración y angustia. Columbia con esta película y con otras posteriores (“Picnic”) contribuyó a ensanchar los estrechos límites impuestos por la censura.

Las interpretaciones de Lancaster, Clift, Reed, Kerr y Borgnine son destacadas. La música, de George Duning (“El hombre de Laramie”, Mann, 1955), ofrece una partitura original breve, de funciones ambientales, que cumple con eficacia. Añade canciones hawaianas (“Chattanooga Chao Chao”), festivas (“Beer Barril Polka”, al piano en el Club) y sensuales (“Serenade in blue”, “Re-enlistment Blues”). La fotografía, de Burnett Guffey (“Bonnie y Clyde”, Penn, 1967), hace uso del B/N para acentuar el realismo y el dramatismo de la acción. Crea imágenes bien contrastadas y perfiladas con maestría, que evocan aspiraciones documentalistas. Añade filmaciones documentales del ataque japonés. (Miquel, FilmAffinity)


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Jûbei ninpûchô (Yoshiaki Kawajiri, 1993)



Ninja Scroll

Ficha Técnica:

Título original:

Jûbei ninpûchô

Año:

1993

País:

Japón

Género:

Animación. Fantástico. Aventuras

Dirección:

Yoshiaki Kawajiri

Guión:

Yoshiaki Kawajiri

Duración:

94 min

Reparto:

Animación

Datos del archivo

Idioma:

Japonés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

MKV

Tamaño:

478 MB


Sinopsis:
Durante la época feudal abundan en Japón intrigas y peligros. Jubei es un ninja indómito que viaja solo ofreciendo sus servicios a los que poseen oro o una causa justa. (FILMAFFINITY)

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Een vrouw tussen hond en wolf (André Delvaux, 1979)



Mujer entre perro y lobo

Ficha Técnica:

Título original:

Een vrouw tussen hond en wolf

Año:

1979

País:

Belgica

Género:

Drama. Nazismo. II Guerra Mundial

Dirección:

André Delvaux

Guión:

Ivo Michiels, André Delvaux

Duración:

111 min

Reparto:

Marie Christine Barrault, Roger Van Hool, Rutger Hauer, Bert Andre, Raf Reymen, Senne Roufaer, Hector Camerlynck, Tine Balder, Jenny Tanghe, Greta van Langendonck, Janine Bischops, Johny Voners, Marc Boder, Mathieu Carrière

Datos del archivo:

Idioma:

Holandés con subs en español e inglés (srt) e inglés, francés y ruso (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip Ripeo propio

Resolución:

718x576

Formato:

MKV

Tamaño:

1,09 Gb


Sinopsis:
En la zona flamenca de Bélgica en 1940, una joven se casa con un muchacho de ideología nazi que se incorpora al ejército alemán. Un día ella oculta a un resistente francés en cuyos brazos descubre el amor. (FILMAFFINITY)


1979: Cannes: Nominada a la Palma de Oro: André Delvaux

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Vampyr - Der Traum des Allan Grey (Carl Theodor Dreyer, 1932)



Vampyr, la bruja vampiro

Ficha Técnica:

Título original:

Vampyr - Der Traum des Allan Grey

Año:

1931

País:

Alemania, Francia

Género:

Terror. Fantástic. Vampiros

Dirección:

Carl Theodor Dreyer

Guión:

Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)

Duración:

73 min.

Reparto:

Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel

Datos del archivo

Idioma:

Aleman / Comentario de audio de Tony Rayns (ENG sin subs) con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

Dvdrip Ripeo propio

Resolución:

720x528

Formato:

MKV

Tamaño:

1,87 GB + Extras 1,18 GB


Sinopsis:
En esta película Dreyer nos introduce en un universo fantasmagórico por medio de imágenes expresionistas. Un joven viajero, Allan Gray, se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera densa y enrarecida recuerda la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja. El maestro Dreyer rueda en Francia esta personal visión del terror: un mundo onírico y sugerente, lleno de fantasmas y sombras que cautivan más por la fuerza de las imágenes que por lo terrorífico del relato. A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, "Dies Irae". (FILMAFFINITY)

Versión original alemana en alta definicion restaurada por transferencia digital en 1998 por Martin Koerber y la Cineteca di Bologna con comentario de audio del erudito Tony Rayns.

Primer largometraje sonoro del realizador danés Carl Theodor Dreyer (1889-1968). El guión, original de Dreyer y de su colaborador Christen Jul, se inspira en la obra “In a Glass Darkly” (1872), de Joseph Sheridan Le Fanu (1814-1873). Se rueda en escenarios naturales de Courtempierre y otras localidades francesas durante el verano de 1930. Producido por Nicholas de Gunzburg (Julian West) y Carl T. Dreyer para Tobis-Filmkunst, se estrena en mayo de 1932 (Berlin).

La acción dramática tiene lugar en Courtempierre (Francia) durante unos pocos días de 1930. El joven viajero aficionado a la pesca, Allan David Grey (West), se acomoda en una posada para pasar la noche. Le interrumpe el sueño un hombre mayor (Schutz) que le ruega que impida la muerte de su hija Léone (Schmitz) y le entrega un pequeño paquete sellado. A la mañana siguiente Grey es testigo del asesinato del propietario del castillo, al que reconoce como el hombre que le visitó durante la noche. Conoce a Gisèle (Mandel), hermana de Léone. Se pone de parte de los que luchan contra el mal: un viejo criado del castillo (Bras), su esposa (Babanini) y Gisèle, de la que se enamora. Se enfrenta a las acciones maléficas del médico del pueblo, doctor Marc (Hieronimko), y de su ayudante, un siniestro soldado con una pata de palo. El relato parece soñado por Grey: tiene discontinuidades, lagunas, escenas espectrales, pasajes oníricos y hechos sobrenaturales.

El film suma fantasía y terror. Expone un episodio de enfrentamiento contra las fuerzas del mal, representadas por personajes que actúan por cuenta de un ser maligno y misterioso, no identificado. Se sospecha de la bruja Marguerite Chopin (Gérard), fallecida hace años, atrapada entre la vida y la muerte, que no se arrepintió de sus pecados y que está sepultada en tierra no bendita.

El film es difícil de seguir porque así lo quiso el realizador. La narración presenta elementos característicos de confusión. Fragmenta el espacio y separa las partes de modo que el espacio escénico deviene un laberinto sin lógica aparente. Las referencias de espacio y tiempo de las imágenes no coinciden siempre con las del argumento. Presenta montajes en paralelo de acciones simultáneas o no, que confunden y desorientan. Los reflejos en cristales o espejos con frecuencia no se dan acompañados de la presencia que los causa. Las sombras son autónomas, se mueven por ellas mismas, tienen personalidad propia y realizan acciones humanas. Planifica el uso de la iluminación y del movimiento de cámara con el propósito de desorientar. Algunos pasajes describen hechos que poco o nada tienen que ver con el argumento. Cambia el punto de vista del narrador sin aviso ni explicación. Sitúa al espectador ante un relato construido con la lógica de un sueño. Se sirve de elementos dilatorios: llave que gira en la cerradura, puertas que se abren y se cierran solas, figuras espectrales, etc.

La atmósfera es densa, inquietante y opresiva. Se percibe la presencia del mal. La lucha que se entabla entre las fuerzas maléficas y las que tratan de destruirlas es incierta y desigual. Los medios a disposición del viejo criado y de Gisèle son escasos y débiles: en varias ocasiones ambos parecen más dos víctimas, como Léone, que dos esforzados luchadores con posibilidades de éxito o de supervivencia. El mal que se respira y se palpa es siniestro, terrorífico, espantoso. Grey, presente en todas las escenas, es el elemento que aporta ilación y confiere una cierta unidad a un relato pretendidamente confuso, fragmentado y disperso. Muestra los efectos del mal y sus amenazas, mientras demora la explicación de sus causas. Las dos fuerzas enfrentadas no entran en contracto directamente, sino sólo a través de sus servidores.

El film contiene representaciones iconográficas y emblemas de la muerte: hombre con la guadaña, río, campana, balsa, ángel de la posada, sombra del sepulturero, cuadro de la habitación de Grey, brebajes, calaveras, esqueletos, etc. Son escenas singulares el viaje de un ataúd contemplado desde el punto de vista del cadáver que transporta, el baile de sombras fantasmales en la fábrica abandonada, la pulsión del deseo que suscita Gisèle, la muerte de un malvado en el molino de harina, el secuestro de Léone, etc.

El estreno del film constituye un fracaso comercial que aleja a Dreyer de las cámaras durante 12 años. Hace el rodaje sin sonido para disponer de una gran movilidad de cámara. Posteriormente, en Berlín, añade unos breves diálogos. Los principales escenarios son la posada, el castillo, la fábrica en desuso, el molino de harina, el cementerio, el pantano, el río y la balsa. El guión se inspira en la obra “In a Glass Darkly”, del autor irlandés Joseph Sheridan Le Fanu (1814-1873), recopilación de relatos de misterio, entre los que se cuentan los titulados “Carmille” y “La taberna del dragón volador”. Se inspira además en Murnau, Poe y otros.

La música, de Wolfgang Zeller (“La Atlántida”, Pabst, 1932), ofrece una partitura orquestal, solemne, pausada, de notas alargadas y graves, que crea sensaciones de inquietud y temor. La fotografía, de Rudolph Maté (“La pasión de Juana de Arco”, Dreyer, 1928), se inspira en la estética expresionista alemana. Crea imágenes difuminadas, sobreimpresas e imprecisas, que refuerzan las sensaciones de irrealidad. Realiza un intenso trabajo de cámara, con espléndidos travellings. Compone un soberbio poema visual. (Miquel, FilmAffinity)



EXTRAS:
* Carl Th. Dreyer (Jørgen Roos, 1966) (30:01) (Inglés con subs en inglés (srt y contenedor MKV)
* Ensayo visual de Casper Tybjerg (36:02) (Inglés con subs en inglés (srt y contenedor MKV)
* Emisión de radio de 1958 (23:30) Inglés

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EXTRAS: 

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