sábado, 1 de septiembre de 2012

Tejút (Benedek Fliegauf, 2007)




Vía láctea

Ficha Técnica:

Título original:

Tejút

Año:

2007

País:

Hungría

Género:

Experimental. Drama

Dirección:

Benedek Fliegauf

Guión:

Benedek Fliegauf

Duración:

82 min

Reparto:

Péter Balázs, Barbara Balogh, Sándor Balogh, László Benedek, Jeno Bodrogi, János Breckl, Danny Barnes, Károly Domonkos, Tamás Kaiser

Datos del archivo:

Idioma:

Sin diálogos

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704x304

Formato:

AVI

Tamaño:

1,07 GB


Sinopsis:
Sin forzar interpretación, el espectador recibe esta cinta sicodélica, poética en varios niveles de atención. Especie de registro antropológico de nuestra especie, las imágenes se suceden como un retrato de la vida humana: dos jóvenes andan en bicicletas por las rocas, aparentes extraños hacen el amor en una piscina, tres hombre sacan un siniestro bulto de una van… . (FILMAFFINITY)

Opino que estamos ante una obra maestra de la poética cinematográfica. Formada por distintas viñetas: la muchacha que por la tarde camina pensativa en los campos, una barca que se desplaza, unos jóvenes en bicicleta de montaña, unas personas en una piscina, etc, es la mirada de una lente, de un ojo que se queda fijo y es mudo testigo de la poética de lo cotidiano, del misterio que se esconde detrás de la realidad. Es una forma de hacer cine que nos enseña a mirar, a contemplar lo sagrado en la calma y la tranquilidad en el hacer de los entes.

El encuadre siempre fijo y su composición bastante simétrica, buscando la proporción.
En una aparente casi inmovilidad de lo observado, de lo mirado, se traduce la visión de este director único, quien no hace concesiones a nada ni a nadie.
Toma un trozo de la realidad -la cual siempre nos rebasa- y con ello crea una obra sublime que roza definitivamente lo sagrado.

El mismo milagro de la vida se traduce o se transfigura en el drama. En la viñeta que yo lo traduzco a "Columpios", se desarrolla un drama tan profundo que se estruja el corazón. Me asaltaron las lágrimas. Me dice más que todo un discurso o un tratado sobre la muerte.

El paisaje de una de las escenas es absolutamente magnífico. Es un recordatorio que ante nuestra visión, ante nuestros ojos, siempre se manifiesta una belleza más allá del concepto, más allá de las palabras, más allá del enigma.
El sonido siempre es diegético y es como una especie de música concreta. Hemos olvidado también el acto de escuchar, sobre todo, la hermosa música de los pájaros, como lo expresa Messien.

Imágenes sin palabras que nos remiten a la mirada primigenia de la belleza del mundo.
¡Simplemente preciosa! (Sarvakarma, Patio de Butacas)




CAPTURAS:

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My Darling Clementine (John Ford, 1946)




Pasión de los fuertes

Ficha Técnica:

Título original:

My Darling Clementine

Año:

1946

País:

Estados Unidos

Género:

Western

Dirección:

John Ford

Guión:

Cyril Mockridge

Duración:

97 min

Reparto:

Henry Fonda, Linda Darnell, Victor Mature, Walter Brennan, Tim Holt, Ward Bond, Cathy Downs, Alan Mowbray, John Ireland, Grant Withers, Jane Darwell

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a Pgmele

Resolución:

624x464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,45 Gb


Sinopsis:
A Wyatt Earp (Henry Fonda), antiguo sheriff de Dodge City, le ofrecen la vacante como comisario de la ciudad de Tombstone, tras haber desarmado a un peligroso delincuente. En un principio Wyatt rechaza el puesto, porque ahora se dedicaba al negocio del ganado junto con sus hermanos. Pero la muerte de uno de ellos lo hace decidirse por aceptar la vacante, y nombrar a sus hermanos como ayudantes. No tarda Wyatt en hacer amistad con un jugador y pistolero llamado Doc Holliday (Victor Mature). (FILMAFFINITY)

Producida por Samuel G. Engel y dirigida por John Ford, toma su título original de una balada popular americana. El argumento, escrito por Sam Hellman, se basa en la obra de Stuart N. Lake "Wyatt Earp, Frontier Marshall". Se rodó en Kayenta (Arizona), Moab y Monument Valley (Utah). Se estrenó el 3-XII-1946.

La acción tiene lugar en Tombstone y alrededores en 1882. Narra la historia legendaria de Wyatt Earp (Henry Fonda), antiguo sheriff de Dodge City, convertido en tratante de ganado junto a sus hermanos Virgil (Tim Holt), Morgan (Ward Bond) y James. El asesinato de éste por unos desconocidos, hace que Wyatt se detenga en la ciudad y acepte el cargo de sheriff, deseoso de descubrir quién asesinó a James y robó las reses que conducían a California. Les ayuda el médico John "Doc" Holliday, desarraigado y enfermo.

La película, que se toma numerosas licencias en relación a la historia real, hace una apasionada descripción del viejo Oeste, salvaje y violento, en tránsito inevitable hacia el progreso, basado en el imperio de la ley, la convivencia en paz, la construcción de la iglesia y la implantación de la escuela. Wyatt Earp es un héroe que lucha contra la violencia, porque sueña un Oeste convertido en un Edén. La película crea una atmósfera de sosiego, esperanza y poesía, que envuelve la epopeya de los que quieren hacer del Oeste una tierra habitable, floreciente y pacífica. No hay en la obra ansias de venganza, sino anhelos de eliminar la violencia. Son escenas destacadas la del baile de Wyatt y Clementina, la visita de Wyatt a la tumba de James, la captura del viejo Clanton, condenado a vivir para conocer la amargura de su fracaso, y la escena romántica y lírica de la despedida.

La música original, de Alfred Newman, subraya el sentido épico y lírico de los héroes que lucharon para transformar el Oeste en un paraíso. La música añadida incluye canciones como "My Darling Clementine", "Sombrero" y "Shall We Gather At The River". La fotografía, de Joe McDonald, acentúa las sombras expresionistas que rodean el rostro de "Doc" Holliday, los contraluces idílicos y las luces crepusculares que evocan el ocaso del Oeste salvaje y el orto de un nuevo Oeste. Los gestos, las miradas y los silencios se convierten en recursos de extraordinaria expresividad en el marco de una narración visual muy poética. El guión hace uso de un formidable sentido de la elipsis, que evita las escenas de dolor, al servicio de la voluntad de acallar las pistolas de la intimidación y la muerte. La interpetación de Fonda es magistral en un papel que trasmite la serenidad propia de los héroes anónimos que luchan por la paz. La dirección de Ford, en una de sus películas más logradas, construye una obra poética, épica y romántica, de singular belleza.

Película culminante del género del Oeste, en la que la simplicidad de las formas exalta la profundidad del contenido. (Miquel, FilmAffinity)




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Ball of Fire (Howard Hawks, 1941)



Bola de fuego

Ficha Técnica:

Título original:

Ball of Fire

Año:

1941

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia. Romance

Dirección:

Howard Hawks

Guión:

Billy Wilder, Charles Brackett (Historia: Billy Wilder, Thomas Monroe)

Duración:

112 min

Reparto:

Gary Cooper, Barbara Stanwyck, Oscar Homolka, Henry Travers, Tully Marshall, Richard Haydn, S.Z. Sakall, Audrey Mather, Dana Andrews, Dan Duryea, Ralph Peters, Kathleen Howard, Mary Field, Charles Lane

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip gracias a purita

Resolución:

720x540

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Gracias a la donación de un cuarto de millón de dólares, un grupo de profesores estrafalarios, todos solteros salvo uno que es viudo, trabajan en la elaboración de una enciclopedia del saber humano. Cuando el trabajo se encuentra ya en una fase bastante avanzada, la visita sorpresa de una bailarina de cabaret les hace replantearse su labor, pues caen en la cuenta de que viven de espaldas al mundo. (FILMAFFINITY)


1941: 4 nominaciones al Oscar: Actriz (Stanwyck), bso (dramática), sonido, historia

Producida por Samuel Goldwyn, fue dirigida por Howard Hawks. El guión se basa en el relato "From A to Z", de Charles Brackett y Billy Wilder, inspirado en "Blancanieves y los 7 enanitos". Se rodó en exteriores de NYC y en plató. Fue nominada a 4 Oscar (actriz, sonido, fotografía y argumento). Se estrenó el 2-XII-1941 (EEUU).

La acción tiene lugar en NYC y en Nueva Jersey a primeros de abril de 1941, a lo largo de 2 días. Narra la historia del profesor Bertram Potts (Gary Cooper), lingüista que, junto con otros 7 especialistas en otras materias, trabaja desde hace unos años en la elaboración de una enciclopedia que compendiará todo el saber del momento. Un encuentro casual con un barrendero le descubre que sus conocimientos del argot de la calle están muy desfasados, por lo que decide tomar contacto directo con él y solicitar el asesoramiento de un barrendero, un joven vendedor de periódicos y una cantante, bailarina y stripper, de cabaret.

La película es una comedia cómica, de ritmo trepidante, que basa su hilaridad en las contraposiciones y los desequilibrios que generan. Contrapone la vida aislada de los 7 profesores (los 7 enanitos), de su líder, el prof. Potts (el príncipe) y la de una muchacha (Blancanieves) de ideas liberales y vida licenciosa, Katherine "Sugarpuss" O'Shea (Barbara Stanwyck). Se contraponen, además, las ideas y los hábitos de Pott y los de Sugarpuss, la honradez de Pott y la vida criminal de Joe Lilac (Dana Andrews), la destreza en el uso de los puños de Lilac y sus secuaces con la torpeza de Potts, la severidad de la Srta Totten y la desenvoltura de Sugarpuss, el uso de la fuerza contra los profesores y el ingenio de éstos para defenderse. A la mujer se le asigna un papel contrario al estereotípico: Hawks defiende, como en otras películas, a la mujer fuerte, autosuficiente, inteligente, activa y capaz de decidir por su cuenta al margen del mundo de los hombres. Esto hace posible que Sugarpuss elija como pareja al antihéroe. La comicidad se apoya de manera especial en la excentricidad de los personajes y de las situaciones. Son escenas destacadas el beso de Potts y Sugarpuss a contraluz, la pelea a puñetazos de Joe y Potts, las escenas del cabaret y otras.

La música ofrece una partitura original romántica y lúdica, a la que añade una doble versión de la canción "Drum Boogie", el "Gaudeamus igitur" universitrio y otras. La fotografía, en b/n, acentúa la comicidad visual, la expresividad de las composiciones y la emoción de la acción (secuestro de los profesores, carrera en el cohe de la basura). Se beneficia de un excelente vestuario de B. Stanwyck, obra de Edith Head. El guión aporta diálogos ingeniosos y desarrolla la acción a un ritmo intenso. Las interpretciones de Cooper y Stanwyck son sobresalientes en su combinación de firmeza y fragilidad. Debuta en el cine Richard Haydn. La dirección imprime ritmo, brillo y picardía.

Magistral película cómica clásica. Imprescindible para los amantes del screwball.




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His Girl Friday (Howard Hawks, 1940)




Luna nueva / Mi asistente favorita

Ficha Técnica:

Título original:

His Girl Friday

Año:

1940

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia. Periodismo

Dirección:

Howard Hawks

Guión:

Charles Lederer (Remake: Ben Hecht & Charles MacArthur)

Duración:

92 min

Reparto:

Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Helen Mack, Roscoe Karns, Billy Gilbert, John Qualen, Ernest Truex

Datos del archivo

Idioma:

Inglés y español con subtítulos en español, inglés, alemán, francés, griego, italiano y portugues (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

699 MB


Sinopsis:
Cuando la mejor reportera del periódico Morning Post, Hildy Johnson, anuncia que va a dejar el periodismo para dedicarse a las labores del hogar junto a su estirado prometido, el editor del periódico y ex-marido de Hildy, Walter Burns, se empeña retenerla en su plantilla y de paso volver a conquistar su corazón. (FILMAFFINITY)

No es que a Howard Hawks le interesase especialmente la comedia, sin embargo igual que John Ford será recordado por sus westerns, Hawks lo será por sus comedias, cuando realmente tiene más películas de otros géneros. Lo que pasa es que sus comedias son todas buenas o muy buenas y “Luna nueva” no podía ser una excepción.

El de Indiana ya había probado la comedia con “La fiera de mi niña” consiguiendo un gran éxito de público, aunque hay que decir que la comedia en aquel entonces estaban considerada por la crítica como un género menor, de mero entretenimiento y apenas nunca lograban éxitos y premios.

Aún así Hawks realizó una adaptación de la obra de Broadway “The Front Page” que ya había sido llevada al cine por Lewis Milestone diez años antes. Más que nada era un experimento cinematográfico ya que algunos planos y sobre todo diálogos yuxtapuestos no se habían rodado de esa forma hasta entonces. “Luna nueva” es una de las primeras películas donde claramente se impone el texto sobre la imagen, el cine también puede ser narrativo, literario y auditivo y no siempre visual. El texto escrito entre otros por Ben Hecht, que ya había trabajado con Hawks en “Scarface”, es prodigioso y de una modernidad increíble para la época.

No cabe duda que los actores ayudan mucho a ello, ya que tenemos en uno de sus mejores papeles a Cary Grant que ya era un actor bastante conocido con éxitos como “Historias de Filadelfia” o “Gunga Din” entre otras. Y sobre todo destacar a una Rosalind Russell, simplemente maravillosa, es una pena que esta actriz no hiciera mucho cine porque en realidad podía sin lugar a dudas haber sido una de las grandes, pero su matrimonio se lo impidió. !Qué pedazo de papel hace con Hildy!

También cuenta la película con una magnífica fotografía de Joseph Walker el de “¡Qué bello es vivir!” que en decorados e interiores saca perfectamente partido de la luz, consiguiendo unos claroscuros formidables.

“Luna nueva” es una magnífica película y aunque personalmente prefiero más “Primera Plana”, no es más que porque la vi primero y eso me ha condicionado para siempre. (vircenguetorix, FilmAffinity)




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El juguete rabioso (Aníbal Di Salvo, 1984)



El juguete rabioso

Ficha Técnica:

Título original:

El juguete rabioso

Año:

1984

País:

Argentina

Género:

Drama

Dirección:

Aníbal Di Salvo, José María Paolantonio

Guión:

Mirta Arlt, Roberto Arlt y José María Paolantonio

Duración:

108 min

Reparto:

Pablo Cedrón, Julio De Grazia, Cipe Lincovsky, Osvaldo Terranova, Lucrecia Capello, Aldo Braga, Roberto Carnaghi

Datos del archivo:

Idioma:

Español

Calidad:

VHSRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

678 MB


Sinopsis:
Basado en el libro homónimo de Roberto Arlt. Silvio Astier es un joven que quiere ser escritor, pero la vida lo llevará por lugares muy distintos a los que sueña.


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Dumbland (David Lynch, 2002)



Dumbland

Ficha Técnica:

Título original:

Dumbland

Año:

2002

País:

Estados Unidos

Género:

Animación

Dirección:

David Lynch

Guión:

David Lynch

Duración:

35 min

Reparto:

Animación

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 480

Formato:

WMV

Tamaño:

143 MB


Sinopsis:
Miniserie Flash (8 episodios). Dumbland o “The Absurd Animated Comedy” es una serie de 8 capítulos hechos en Flash. La estética es muy simple, los personajes escatológicos y el argumento absurdo pero con matices que se pueden observar en la vida real. Como lo define el propio Lynch, quien dirige, escribe, produce e incluso realizó la música y las voces de todos los personajes, Dumbland es "cruda, estúpida, violenta y absurda." (FILMAFFINITY)


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Die Nibelungen - Teil 2: Kriemhilds Rache (Fritz Lang, 1924)




Los nibelungos - 2ª parte: La venganza de Krimilda

Ficha Técnica:

Título original:

Die Nibelungen - Teil 2: Kriemhilds Rache

Año:

1924

País:

Alemania

Género:

Fantástico, aventuras, drama

Dirección:

Fritz Lang

Guión:

Thea von Harbou

Duración:

129 min

Reparto:

Margarete Schön, Rudolf Klein-Rogge, Georg John, Theodor Loos, Hans Adalbert von Schlettow, Bernhard Goetzke, Erwin Biswanger

Datos del archivo

Idioma:

Muda con intertítulos en español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,39 GB


Sinopsis:
Segunda parte del clásico del cine mudo en la que que el maestro Fritz Lang adapta una serie de conocidas leyendas germanas sobre los nibelungos, seres habitantes de la niebla. Krimilda, ahora viuda de Sigfrido, se casa con el bárbaro rey de los hunos, siguiendo su plan de venganza... (FILMAFFINITY)

Al final de la primera parte vemos un plano de admirable simetría presidido por el sepulcro de Sigfrido; el comienzo de esta segunda parte se hace por medio de otro plano igualmente simétrico, pero en este caso es Crimilda la que preside la escena. Esto resulta de lo más adecuado, pues si en la primera parte Crimilda no cobraba cierto protagonismo hasta el tramo final, aquí es el personaje clave desde el comienzo hasta la conclusión.

Ello se traduce en que en cada plano en el que aparece, Crimilda ocupa el centro, o bien preside la acción desde una posición elevada; y esa "elevación" del personaje se debe, única y exclusivamente, a la fuerza de voluntad que encarna, a la ira vengadora que la consume y que, paradójicamente, le aporta toda la majestad necesaria. Llama la atención su inmovilidad, su rostro pétreo, la absoluta convicción mostrada, que empequeñece a los demás personajes, siempre frágiles ante su determinación. Incluso en las secuencias en las que aparentemente debería mostrar cierta dulzura, ésta cede ante la furia vengadora; así, en un bellísimo plano junto a la fuente en que murió Sigfrido, su patética excavación en la nieve concluye con un juramento terrible e inexorable.

En la ejecución de su venganza, Crimilda se casa con Atila, rey de los Hunos, aquí retratados como bárbaros (véase el contraste físico, y también el material, explicitado en las rudas condiciones que imperan en la corte de Atila); no obstante, Atila nos es presentado bajo una óptica no del todo negativa, pues conmueve su alegría y ternura con motivo del nacimiento de su hijo. Pero nadie, ni hermanos, ni amigos, ni hijos pueden escapar a la venganza, pues todos ellos están, de un modo u otro, atados por el honor y los lazos de vasallaje.

Centrada en la corte de Atila, y en menor medida en la de Gunther, esta segunda parte resulta menos espectacular y variada en lo que a decorados se refiere, pero ello se suple con una progresión trágica muy notable, acorde con la obra original, que sigue este mismo camino. La larga hecatombe final, dantesca y agónica a partes iguales, constituye, aún hoy, un ejemplo de cómo filmar la acción, en especial ese ataque con flechas incendiarias, que más adelante será muy del gusto de ciertos directores orientales. Muy notables resultan también la secuencia de la cabalgada de Atila tras conocer el nacimiento de su hijo y la de la fiesta en honor de los Nibelungos, preludio de la catástrofe última.

En conjunto, sumando las dos partes, reitero mi opinión; una de las mejores obras de Lang, o lo que es lo mismo, de la historia del cine. (Quatermain80, FilmAffinity)



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Die Nibelungen - Teil 1: Siegfrieds Tod (Fritz Lang, 1924)




Los nibelungos - 1ª parte: La muerte de Sigfredo

Ficha Técnica:

Título original:

Die Nibelungen - Teil 1: Siegfrieds Tod

Año:

1924

País:

Alemania

Género:

Fantástico, aventuras, drama

Dirección:

Fritz Lang

Guión:

Fritz Lang, Thea von Harbou

Duración:

123 min

Reparto:

Paul Richter, Margarete Schön, Hanna Ralph, Theodor Loos, Hans Adalbert von Schlettow, Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Erwin Biswanger

Datos del archivo

Idioma:

Muda con intertítulos en español

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,33 GB


Sinopsis:
Primera parte del clásico del cine mudo en la que que el maestro Fritz Lang adapta una serie de conocidas leyendas germanas sobre los nibelungos, seres habitantes de la niebla. Narra la historia de Sigfrido, hijo de un rey y aprendiz de herrero que, tras completar una impresionante espada y convertirse en un buen herrero, debe volver al castillo de su padre. Sin embargo, decide conquistar a la bella princesa Krimilda tras oir su historia. Sigfrido entonces parte para intentar vencer a un dragón, pues bañarse en su sangre dicen que hace invencible... (FILMAFFINITY)

Sencillamente, una obra maestra; un filme rebosante de grandeza épica, de tragedia latente. Una soberbia adaptación de una obra clásica como es el "Cantar de los Nibelungos", que recoge a la perfección la magia casi mítica que desprenden reinos ya olvidados, personajes imaginados o soñados, riquezas ocultas y seres fantásticos.

Si el argumento posee el encanto de los cuentos, la realización de la película contiene toda la magia que es capaz de conjurar el cine. ¿Cómo valorar en su justa medida el trabajo que debió requerir este filme, que transmite una grandeza, una majestuosidad tan pocas veces igualada? Y es que no sólo los decorados o el vestuario proporcionan esta impresión, sino que son los propios personajes quienes se hallan impregnados de ese halo grandioso y terrible a un tiempo, característico de aquéllos que están marcados por el destino. En efecto, es el destino la fuerza invisible pero siempre presente que anima el transcurso de los acontecimientos, marcados también por el orgullo, el vasallaje y la ambición. Es esta última la que une trágicamente los caminos del rey Gunther y de Sigfrido, prendados de dos mujeres en principio antagónicas, pero que como se verá más adelante, no distan tanto la una de la otra.

El espíritu de los personajes está tan logrado como el del mundo por el que se mueven; así, Sigfrido aparece ante nosotros como un nuevo Aquiles, prácticamente invulnerable, siempre valiente y honesto. Gunther es un rey atormentado por no poder satisfacer su más preciada ambición, y más tarde por haber traicionado a quien logró procurársela; Brunilda, la indómita reina guerrera (tantas veces copiada después), soberbiamente interpretada por Hanna Ralph, se erige en vehículo de destrucción, y Hagen en el vasallo ejecutor de la más vil de las traiciones; en cuanto a Crimilda, habrá tiempo para hablar de ella en la segunda parte. Según dijo Lang, lo que a él le interesaba era reflejar el cumplimiento del destino de todos estos personajes, pertenecientes a diversos mundos, que son los reflejados en la película; el mundo boscoso y mágico del que salen Sigfrido y los Nibelungos (los "hijos de la niebla"), la corte austera pero grandiosa de Worms del Rin, el reino remoto de Brunilda, etc.

La recreación de tales mundos está perfectamente lograda gracias a unos decorados majestuosos y a una puesta en escena tan eficaz como brillante, beneficiada por el feliz ritmo narrativo de la película, que no da descanso. La imaginación y creatividad con la que están resueltas algunas situaciones es sorprendente, así como el magnífico efecto que produce en el espectador contemplar las andanzas de los personajes por bosques, reinos subterráneos o castillos rodeados de fuego. A destacar también la música, perfecta y adecuada, tan evocadora como la historia a la que acompaña. (Quatermain80, FilmAffinity)




CAPTURAS:

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Kiseki (Hirokazu Koreeda, 2011)



Milagro

Ficha Técnica:

Título original:

Kiseki

Año:

2011

País:

Japón

Género:

Comedia dramatica. Infancia. Familia

Dirección:

Hirokazu Koreeda

Guión:

Hirokazu Koreeda

Duración:

129 min.

Reparto:

Ohshirô Maeda, Koki Maeda, Hiroshi Abe, Jô Odagiri, Yoshio Harada, Masami Nagasawa, Yui Natsukawa, Kirin Kiki, Isao Hashizume, Nene Ohtsuka

Datos del archivo:

Idioma:

Japonés con subs en español (srt) e inglés y japones (contenedor MKV)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

848x468

Formato:

MKV

Tamaño:

1,56 GB


Sinopsis:
"Kiseki" cuenta como protagonistas con un dúo cómico infantil, el dueto Maeda Maeda. La historia gira alrededor de los dos niños, hijos de una pareja divorciada. Cada uno de ellos vive con uno de sus progenitores, uno con su madre en la ciudad de Fukuoka y otro con el padre en Kagoshima. Su sueño es unir de nuevo a sus padres, y con la noticia de la apertura de la línea de tren que uniría ambas ciudades hacen caso del rumor que dice que, cuando los primeros trenes se crucen, ocurrirá un milagro. Así, comienzan a maquinar un plan para unir de nuevo a sus padres. (FILMAFFINITY)


2011: Festival de San Sebastián: Mejor guión y premio SIGNIS

Hay películas nos conmueven por motivos que desconocemos. De hecho, una de las frases más usadas por cineastas y maestros del cine es “no existe la fórmula definitiva”. Por supuesto, esto no impide que sí existan ciertos métodos, teorías e incluso pequeñas fórmulas para facilitar el entendimiento e incluso garantizar cierto entretenimiento. Pero rara vez podremos hablar de métodos universales.

Uno de los mayores hechizos del cine reside en su flexibilidad. Ciertas fórmulas pueden desagradarnos profundamente en ocasiones y hacernos llorar de emoción en otras.
Pero paradójicamente, en la mayoría de las grandes obras el mismo autor desconoce el secreto de su logro (véase como ejemplo la respuesta que Raymond Chandler dio a Howard Hawks cuando éste le preguntó cómo funcionaban los incontables giros de su novela: “no tengo ni idea.”).

Vaya por delante, es cierto que Hirokazu Koreeda es un excelente director de actores que domina la planificación. Es cierto también que conoce el secreto de los encuadres y que descubre en cada plano el rincón adecuado donde colocar la cámara para proporcionarnos el mejor punto de vista. Es cierto incluso que Koreeda posee un don para dar a sus filmes el tempo perfecto, sin el cual estos carecerían de encanto.
Pero a decir verdad, no creo que exista explicación alguna sobre porqué su cine posee tal magia, como tampoco creo poder explicar en palabras que su última película me conmoviera tan profundamente.

Kiseki es una película sencilla y profunda. Logra plantear situaciones familiares complejas sin caer en el almibarado ni tampoco en el catastrofismo. Para Koreeda la infancia puede ser hermosa a pesar de contar con un padre irresponsable o una madre que cuestione nuestros sueños. La infancia, de hecho, es algo abstracto que solo los niños ven; algo capaz de traer, a modo de antídoto, magia y fantasía en las situaciones tristes. También es el motor de la diversión y de las aventuras, que funciona a modo de enlace irrompible entre los dos protagonistas combatiendo la distancia que los separa.

Podemos encontrar explicaciones estructurales y estilísticas que nos ayuden a descifrar parte del encanto de Kiseki, pero lo mejor de la película es su facilidad para convertirnos en parte de la historia, algo que hace de una forma casi imposible de describir. No existe formula alguna para conseguir la poesía que rodea el cine de Koreeda, ni tampoco existen palabras para expressar porqué Kiseki fue capaz de convertirse en una de estas películas que cada vez más me cuestan encontrar: una de aquellas que, sin explicaciones complejas, llega al corazón con facilidad pero de forma profunda. (Martí, FilmAffinity)




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L'armée des ombres (Jean-Pierre Melville, 1969)




El ejército de las sombras

Ficha Técnica:

Título original:

L'armée des ombres (The Criterion Collection)

Año:

1969

País:

Francia, Italia

Género:

Drama, Bélico

Dirección:

Jean-Pierre Melville

Guión:

Jean-Pierre Melville (Novela: Jospeh Kessel)

Duración:

145 min

Reparto:

Lino Ventura, Simone Signoret, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel, Paul Crachet, Serger Reggiani, Claude Mann, Christian Barbier

Datos del archivo:

Idioma:

Francés, alemán e inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip 

Resolución:

848 x 460

Formato:

AVI

Tamaño:

688 MB


Sinopsis:
Aclamado drama sobre la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela de Joseph Kessel, la película comienza en octubre de 1942 y nos presenta algunos meses en las vidas de los militantes en torno a Phillippe Gerbier, un tranquilo ingeniero civil que es uno de los verdaderos líderes de la resistencia. (FILMAFFINITY)

Un clásico del cine europeo en el que Jean-Pierre Melville da una magistral clase de cine al trasladar la novela de Joseph Kessel a la gran pantalla. También se trata, sin lugar a dudas, del más memorable homenaje a los héroes de la Resistencia Francesa jamás filmado. Lejos de sacralizar las gestas de los hombres y mujeres que lucharon contra el gobierno de Vichy y la Gestapo, la película de Melville capta los claroscuros de unos personajes que, con aciertos y errores, se dejan la piel en una lucha solitaria y por la que pocos apuestan. Dificultades morales, económicas y militares que se narran a tres voces, desde la omnisciencia del director hasta dos de los personajes principales, Philippe Gerbier (Lino Ventura) y Jean François Jardie (Jean-Pierre Cassel). Apuntes de estilo y riesgo en una obra que va más allá del docudrama o del epistolario bélico. Puro cine negro es lo que contiene la cinta, con dos maneras de sentir la acción: la de la espera, pausada, agónica, y la de la confrontación o la huída, veloz, trepidante. Siempre desde la contención interpretativa, la frialdad de la imagen y al son de una partitura, la primera de Éric Demarsan, imposible de olvidar. (David Navarro, FilmAffinity)


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