viernes, 24 de agosto de 2012

Loin du Vietnam (VV. DD., 1967)




Lejos de Vietnam

Ficha Técnica:

Título original:

Loin du Vietnam

Año:

1967

País:

Francia

Género:

Documental. Guerra de Vietnam

Dirección:

Claude Lelouch, Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Chris Marker, Alain Resnais, Joris Ivens, William Klein

Guión:

Claude Lelouch, Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Chris Marker, Alain Resnais, Joris Ivens, William Klein, Jacques Sternberg

Duración:

120 min

Reparto:

Anne Bellec, Karen Blanguernon, Bernard Fresson , Maurice Garrel, Jean-Luc Godard, Valérie Mayoux, Marie-France Mignal

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Siete directores realizan conjuntamente este documental en contra de la implicación estadounidense en Vietnam. Pese a estar dividida en segmentos, la autoría de cada uno de ellos nunca fue indicada, siendo estos únicamente deducibles por su estilo. (FILMAFFINITY)


CAPTURAS:

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Le tombeau d' Alexandre (Chris Marker, 1992)



El último bolchevique

Ficha Técnica:

Título original:

Le tombeau d' Alexandre / The Last Bolshevik

Año:

1992

País:

Francia

Género:

Documental. Revolución Rusa, Sobre cine

Dirección:

Chris Marker

Guión:

Chris Marker

Duración:

120 min.

Reparto:

Léonor Graser, Nikolai Izvolov, Kira Paramonova, Viktor Diomen, Yuli Raizman, Marina Kalasieva, Aleksandr Medvedkin, Lev Rochal, Vladimir Dimitriev, Antonina Pirojkova

Datos del archivo:

Idioma:

Francés y ruso con subs en español e inglés (srt) y subs en inglés y francés (idx/sub)

Calidad:

DVDrip

Resolución:

576x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1.36 Gb


Sinopsis:
Aleksandr Ivanovich Medvedkin fue un cineasta ruso nacido en 1900. Esas muescas que los cabeza de familia hacen en los marcos de las puertas para medir la altura de su progenie, el siglo las trazó en su vida: a sus 17 años, tuvo lugar la insurrección de octubre; a los 20 años, la Guerra Civil, y él en la Caballería Roja, con Isaac Babel; a los 38 años, los procesos estalinistas y su mejor película La felicidad, atacada por bujarinismo; 41 años, la guerra, y él en primera línea, cámara en mano; y cuando muere en 1989, lo hace en plena euforia de la perestroika, convencido de que la causa del comunismo, a la que él había consagrado su vida, hallaba por fin su culminación. (FILMAFFINITY)

No creo que haya que ser un especialista en historia soviética para empatizar con el poder fascinador de las imágenes de un cineasta tan obsesionado con el recuerdo, la memoria (y los gatos) como Marker, aún así también habrá quién sienta que se mueve sobre un terreno demasiado incógnito (la URSS de los años 30) para poder relajarse ante la evocación bolchevique del autor de Sans soleil.

Pese al riesgo de poder ser acusado de Miquelismo (oh, el humor) voy a intentar darle un marco de referencia histórico sobre algunos eventos y personajes que salen en la película a todo aquel que sepa entre poco y nada de ese crucial pedazo de tiempo a principios del S. XX en el paraíso de la clase obrera.

Los años 20 fueron un periodo de relativa libertad (sobre todo si lo comparamos con lo que vendría después) tanto a nivel económico como cultural, el legado (algo forzado por los hechos) de Lenin fue la NEP (Nueva Política Económica) que preconizaba la capacidad del campesinado para vender libremente sus productos y abonaba el terreno cultural para el florecimiento de nuevas tendencias en el cine, la literatura, el teatro, etc... que no iban a tener parangón en el resto del mundo: Pudovkin, Vertov, Meyerhold, Stanislavsky (sí, el del método) situaban a un país que apenas 10 años antes era un ejemplo de feudalismo medieval a la vanguardia del arte mundial.

Todo eso cambió en 1928, la permisividad de la NEP con el comercio privado de los productos agrícolas había supuesto el nacimiento de una clase acomodada (para los cánones del país), los kulaks, y un atraso industrial con referencia a las grandes potencias, Stalin decidió resolver el problema a las bravas y desmanteló el uso privado de la tierra, forzando a los pequeños propietarios a unirse en granjas colectivas (los koljoses que aparecen en la película) cuyas cosechas, compradas por el Estado y destinadas a la exportación, serían la fuente de las divisas que financiarían la forzada industrialización del país.

Las consecuencias de esta colectivizacíon forzada serían una hambruna que condenaría a la inanición a millones de seres humanos, la persecución de los kulaks antes mencionados como enemigos de la clase obrera y una ruptura dentro del seno del partido blochevique que separaría a los defensores de la industrialización y a los partidarios de mantener el régimen mixto de la NEP (como Bujarin que aparece varias veces en el documental), estos serían primero apartados, luego denunciados como traidores al partido y a la patria y finalmente ejecutados (véanse los procesos judiciales también presentes en la peli).

Estos eventos configuran la tragedia de Medvedkin y de tantos otros comunistas, la tragedia de su sincera militancia, de su confianza en que las ideas de Marx y Lenin llevarían a la humanidad a la felicidad y su constatación de la ejecución práctica de esos ideales y sus terribles consecuencias: ¿defender la revolución de octubre y sus incontestables conquistas sociales con respecto al feudalismo cuasi medieval de los Romanoff o denunciar los masivos asesinatos estalinistas, su nulo respeto con los derechos individuales?, he aquí la pregunta clave, el drama seminal de estos Hamlets del S. XX cuya figura tan bien representa Medvedkin y que son, en conjunto, el claro protagonista de la obra de Marker. (Talamasca, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Sans soleil (Chris Marker, 1983)




Sin sol

Ficha Técnica:

Título original:

Sans soleil (The Criterion Collection)

Año:

1983

País:

Francia

Género:

Documental

Dirección:

Chris Marker

Guión:

Chris Marker

Duración:

01:39:27

Reparto:

Documental

Datos del archivo

Idioma:

Francés con subtítulos en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688x416

Formato:

AVI

Tamaño:

1,45 GB


Sinopsis:
Tres niños en una carretera en Islandia, una tripulación somnolienta a bordo de un ferry, un emú en Île de France, un bello rostro de las islas Bijagos, un cementerio de gatos a las afuera de Tokio, vagabundos en Namidabashi, los habitantes de la Isla de Fogo, Cabo Verde, un carnaval en Bissau... Así inicia el relato una mujer desconocida que lee las cartas remitidas por un operador de cámara, Sandor Krasna, que a través del registro de las imágenes de sus viajes se interroga sobre la memoria y la función del recuerdo, "que no es lo contrario del olvido, sino su opuesto", para conformar, como Sei Shônagon, su particular lista de "cosas que hacen latir el corazón". (FILMAFFINITY)

La voz en off comenta las cartas que un cámara trotamundos, Sandor Krasna, le envía desde varios lugares del globo, sobre todo Tokio, ciudad cuya vida se analiza a fondo.
Pero en la cabecera de la película se aísla un momento especial: los tres rubios niños islandeses al sol. Imagen de la felicidad, entre dos planos negros, imposible de relacionar con las restantes imágenes, imágenes ‘sin sol’ (en recuerdo de las canciones de Mussorgsky).

De género netamente ensayístico, la película despliega en tono despersonalizado una serie de reflexiones divagatorias que se deslizan de un tema a otro, en un marco sumamente abierto que permite relacionar todo con todo.
Partiendo de Tokio, cualquier detalle se incorpora al flujo verbal de la meditación: carnavales de barrio, cementerios de gatos, un emú en la Isla de Francia, horóscopos, exhibiciones de estatuillas fálicas, guerrillas africanas, museos de animales disecados, colecciones de muñecas rotas, descendientes de esclavos caboverdianos, la tumba de Nerval, la fauna africana… en fin, todo cabe en el discurso liberado del rigor expositivo.
Y cuando la reflexión se abstrae, incide con denso lenguaje en un núcleo de temas filosóficos como la memoria, el recuerdo y el olvido, las diversas temporalidades continentales, la muerte y los tránsitos, los puntos fuera del tiempo, la contemplación desde la Eternidad…, siempre insistiendo en buscar matices y sutilidades conceptuales.

En tales pasajes, la información verbal es excesiva: satura. Si ya en texto impreso resultaría espesa, la lectura de la voz en off, de entonación plana y monocorde (Florence Delay, en la versión original francesa), vuelve francamente pesados muchos tramos en que el collage se sobrecarga.

Pero Marker es un montador excepcional y un pensador visual de originalidad contundente, y los pasajes de imágenes mudas, o en los que predominan con claridad sobre lo verbal, dan a la película extraordinario valor: como el maravilloso tren de los viajeros durmientes, cada uno con su sueño o pesadilla; o el reportaje del ataque a Pearl Harbour solarizado; o el rastreo en San Francisco de las localizaciones del “Vértigo” de Hitchcock, o el análisis de la rica vida icónica de Tokio en sus murales, cómics, edificios, estatuas, neones, programas de TV, videojuegos, etc.

Descompensada en perjuicio de su brillantez visual, permanece no obstante como un notable e imitado ejemplo del cine ensayístico. (Archilupo, FilmAffinity)




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Level Five (Chris Marker, 1997)



Nivel Cinco

Ficha Técnica:

Título original:

Level Five

Año:

1997

País:

Francia

Género:

Documental. Thriller

Dirección:

Chris Marker

Guión:

Chris Marker

Duración:

105 min.

Reparto:

Catherine Belkhodja, Kenji Tokitsu, Nagisa Oshima, Ju'nishi Ushiyama, Kinjo Shigeaki

Datos del archivo:

Idioma:

Francés, Japones e Inglés con subs en español incrustados

Calidad:

TVrip gracias a Kaurismakiano

Resolución:

640x480

Formato:

.avi

Tamaño:

833 Mb


Sinopsis:
Laura recibe el encargo de finalizar el guión de un videojuego dedicado a la batalla de Okinawa (una tragedia prácticamente desconocida en Occidente pero cuyo desarrollo desempeñó un papel decisivo en el fin de la Segunda Guerra Mundial, y, como se verá, en la posguerra y hasta el presente). Juego muy singular, sin duda pues, a diferencia de los juegos de estrategia clásicos, cuyo objetivo es revertir el curso de la Historia, Level Five sólo permite reproducir esta historia tal y como fue. Pero, al trabajar sobre Okinawa, Laura se topará con una misteriosa red paralela en Internet de informadores y testigos de la batalla. Así, acumulará los vestigios de la tragedia que empezarán a interferir en su propia vida. Como todos los videojuegos, Level Five avanza por niveles. Laura y su interlocutor, intoxicados por su misión, acabarán por componer una metáfora de la vida, distribuyendo los "niveles" a todo lo que les rodea. ¿Alcanzará Laura el Nivel Cinco?. (FILMAFFINITY)


CAPTURAS:

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Le mystère Koumiko (Chris Marker, 1965)



Le mystère Koumiko

Ficha Técnica:

Título original:

Le mystère Koumiko

Año:

1965

País:

Francia

Género:

Documental

Dirección:

Chris Marker

Guión:

Chris Marker

Duración:

47 min.

Reparto:

Muroaka Koumiko

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt) e inglés incrustados

Calidad:

VHSrip gracias a Kaurismakiano

Resolución:

608x480

Formato:

.avi

Tamaño:

587 Mb


Sinopsis:
Marker se sumerge en el interior de una joven japonesa durante las Olimpiadas de Tokyo de 1962. Al observar a los jóvenes occidentales en el evento, la niña se cuestiona, admirada, las diferencias entre ambas razas. No es exactamente un documental, sino una experimentación -muy en la línea de los trabajos anteriores de este realizador pionero del "ensayo fílmico" y perteneciente al movimiento de la "rive gauche"- sobre los pensamientos de una persona cualquiera en medio del mundo. (FILMAFFINITY)


CAPTURAS:

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Lettre de Sibérie (Chris Marker, 1957)



Lettre de Sibérie

Ficha Técnica:

Título original:

Lettre de Sibérie

Año:

1957

País:

Francia

Género:

Documental

Dirección:

Chris Marker

Guión:

Chris Marker

Duración:

57 min.

Reparto:

Documental

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

TVRip

Resolución:

304x224

Formato:

.avi

Tamaño:

410 Mb


Sinopsis:
Usando una carta de Siberia como plataforma de lanzamiento, la película arranca quijotescamente en varias direcciones diferentes. Por lo tanto, es difícil de catalogar la película: primero un documental se convierte en un viaje y, a continuación, en un dibujo animado, y después, un camino filosófico, ¿y a continuación? (FILMAFFINITY)


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Les statues meurent aussi (Chris Marker & Alain Resnais, 1953)




Las estatuas también mueren

Ficha Técnica:

Título original:

Les statues meurent aussi

Año:

1953

País:

Francia

Género:

Documental, Cortometraje, Colonialismo, África, Racismo

Dirección:

Chris Marker, Alain Resnais

Guión:

Chris Marker

Duración:

30:03 Min

Reparto:

Jean Négroni, François Mitterrand, Sugar Ray Robinson

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 544

Formato:

avi

Tamaño:

243 Mb


Sinopsis:
"Cuando los hombres están muertos, entran en la historia. Cuando las estatuas están muertas, entran en el arte. Esta botánica de la muerte, es lo que nosotros llamamos la cultura.” Así comienza este controvertido documental que cuestiona las diferencias entre el arte africano y el arte occidental, pero sobre todo la relación de Occidente con ese arte. Un ensayo sobre la escultura africana permite a Chris Marker y Alain Resnais denunciar el colonialismo francés, el racismo y el declive de un arte que, por culpa de la demanda de los coleccionistas europeos, se convirtió en una artesanía sometida a exigencias comerciales. (FILMAFFINITY)


1954: Premio Jean Vigo: Gran premio de la Academia francesa (Mejor cortometraje)



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The Savage Innocents (Nicholas Ray, 1960)



Los dientes del diablo

Ficha Técnica:

Título original:

The Savage Innocents

Año:

1960

País:

Reino Unido, Francia, Italia

Género:

Aventuras. Drama

Dirección:

Nicholas Ray

Guión:

Nicholas Ray

Duración:

101 min

Reparto:

Anthony Quinn, Yoko Tani, Peter O'Toole, Carlo Giustini, Marie Yang, Andy Ho, Kaida Horiuchi

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

Dvdrip

Resolución:

672x288

Formato:

Avi

Tamaño:

1,36 Gb


Sinopsis:
Inuk, un inocente esquimal, intenta sacar adelante a su familia cazando animales, a los que trata con mucho respeto, matando sólo los que necesita y pidiéndo perdón cuando tiene que matar a uno. Para cazar con mayor eficacia, decide cambiar unas pieles por un rifle al hombre blanco. Pero el contacto con los blancos terminará en tragedia.

Esta vez, el maestro Nicholas Ray describe en un estilo cercano al cine documental las costumbres de los esquimales del Ártico. Idealiza al hombre salvaje, frente al lado oscuro de la civilización occidental. El rodaje, en extensos parajes glaciares, fue muy complicado, porque hubo que filmar en condiciones extremas. Pero Ray quedó muy satisfecho, porque pudo montar a su aire sin interferencias de la productora, y proclamó a los cuatro vientos que se trataba de su mejor obra hasta el momento.


CAPTURAS:

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Dead of Night (VV. DD., 1945)



Al morir la noche

Ficha Técnica:

Título original:

Dead of Night

Año:

1945

País:

Reino Unido

Género:

Terror. Intriga

Dirección:

Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden, Robert Hamer

Guión:

John V. Baines, Angus McPhail (Historias: E. F. Benson, H. G. Wells, Angus MacPhail, John Baines)

Duración:

102 min

Reparto:

Michael Redgrave, Googie Withers, Mervyn Johns, Roland Culver, Mary Merrall, Anthony Baird, Sally Ann Howes, Robert Wyndham, Judy Kelly, Miles Malleson, Ralph Michael, Basil Radford, Naunton Wayne, Peggy Bryan, Allan Jeayes, Elisabeth Welch

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subtítulos en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576x432

Formato:

AVI

Tamaño:

1,01 GB


Sinopsis:
En un caserón inglés se reúne una serie de individuos que comenzarán a contar historias misteriosas: un conductor de autobús que parece anunciar la muerte, un fantasma infantil morando en una mansión, dos amigos enfrentados por una mujer incluso después de la muerte, un espejo maldito, un muñeco de ventrílocuo que controla a su poseedor… (FILMAFFINITY)

Film de cinco episodios que se narran en el contexto de un sexto episodio que los reúne, unifica, completa y explica, realizado por 4 directores: Basil Dearden (“Kartum”), Alberto Cavalcanti (“Me hicieron un fugitivo”), Robert Hamer (“Ocho sentencias de muerte”) y Charles Crichton (“Un pez llamado Wanda”). El guión, de John V. Baines, se basa, más o menos libremente, en cinco relatos breves o cuentos, de E. F. Benson, Angus MacPhail, John V. Baines y H. G. Wells, publicados entre 1902 y 1939. Se rueda en los platós de Ealing Studios, con un presupuesto ajustado de posguerra. Es la primera película realizada por Ealing tras la finalización de la IIGM. Producido por Michael Balcon (“39 escalones”) para Ealing Studios, se estrena el 4-IX-1945 (Londres).

La acción dramática principal tiene lugar en Pilgrim Farm, una granja situada en la campiña del condado de Kent (Sur de Londres), a lo largo de un fin de semana de comienzos de la primavera de 1945. El arquitecto de renombre Walter Craig (Johns) es invitado a pasar un fin de semana en el cómodo caserón de su granja por Eliot Foley (Culver), que desea introducir en él varias innovaciones y ampliar el espacio disponible para invitados y salas de estar. En la mansión se encuentra con varias personas que le resultan familiares, pese a no conocerlas ni haberlas tratado anteriormente. A parte del anfitrión y su madre, Lila Forley (Merrall), hay 6 invitados: el psiquiatra Dr. Van Straaten (Valk), el piloto de coches de carreras Hugh Grainger (Baird), el Sr. Peter Corland (Michael) y su esposa Joan (Withers), una chica adolescente llamada Sally O’Hara (Howes) y Joyce (Kelly), la esposa y antes enfermera del piloto de carreras, que llega tarde y se incorpora con retraso.

El film suma terror, horror, miedo, misterio, suspense, thriller psicológico y fantasía. Es una de las primeras películas de episodios que se rueda. Sobre todo es el referente que tienen en cuenta las obras del género que inaugura, que da cabida a una larga serie de cintas desde 1945 hasta el presente. Las historias que se explican, misteriosas e inquietantes, hablan de hechos sobrenaturales y giran en torno a temas diversos, pero interrelacionados: los fantasmas (muertos vivientes), la precognición del futuro y objetos inanimados que cobran vida independiente.

Alabada por Buñuel y seleccionada por Scorsese como una de las 10 mejores películas de miedo, es amena, entretenida e interesante. Pese al tiempo transcurrido desde su estreno, la obra mantiene un considerable vigor y una gran frescura. Están bien conseguidos los ambientes oníricos del primer episodio y el aura fantástica que envuelve el film. Sobresale la interpretación de Michael Redgrave en el papel del ventrílocuo Mawell Frere.
spoiler:
Ofrece un episodio cómico, aunque el humor se halla presente a lo largo y ancho de todo el metraje, aligerando la seriedad de los hechos que se exponen. Hay lances de humor visual, verbal y argumental. En ocasiones se trata de humor surrealista. Las más de las veces se recurre al humor negro y a referencias absurdas, contradicciones (“De ese modo, si pierdo, gano”), exageraciones (retahíla larguísima de insultos), malentendidos, confusiones, excesos de candidez, envidias sin sentido, defectos físicos (“nariz ridícula”), disparates (“Podrá pegar a otro en tu lugar”), suplantaciones de personalidad, etc.

El film, imitado repetidamente, respira el aire inocente y la ausencia de malicia que caracteriza a las producciones de Ealing. Con todo, no le falta ni fuerza ni rotundidad en la exposición de lo inexplicable y lo desconocido, aquello que la ciencia en su estado actual no alcanza todavía a explicar. Con la ayuda de sorpresas, que administra con sutileza, y giros inesperados, la visión del film constituye una experiencia singular y un reconfortante viaje a lo ignoto e inexplicable.

La cinta contiene referencias a autores y a obras eminentes. A parte de la cita explícita que hace de “Hamlet”, el episodio del espejo encantado se presenta como una variante de la novela “El retrato de Dorian Gray”, de Oscar Wilde. La fotografía del último episodio (“El muñeco del ventrílocuo”) no puede dejar de evocar la de “El gabinete del Dr. Caligari”, en la que se inspira. Las fugaces imágenes de un hurón y un búho hablan de irracionalidad y estupidez, a la manera de Buñuel. La pareja formada por Basil Redford y Naunton Wayne (los golfistas) rememora la que ellos interpretan en “Alarma en el expreso” (Hitchcock, 1938).

La banda sonora, de Georges Auric (“Rififí”, Dassin, 1955), es orquestal, solemne e inquietante. Contiene pasajes breves de carácter descriptivo y largos cortes atmosféricos de ambientación. Como música añadida, ofrece dos canciones de moda: “The Hullalooba” (en la sala de fiestas de “Chez Beulah”) y “Why Do You Pass Me By (versión inglesa de una canción de Charles Trenet). La fotografía, de Douglas Slocombe (“Indiana Jones y el templo maldito”, Spielberg, 1984) y Stan Pavey, en B/N, crea imágenes de luces muy contrastadas, claroscuros brillantes y composiciones de gran belleza plástica. Presenta encuadres torcidos, sombras alargadas y espacios claustrofóbicos, que acompañan la elegante sobriedad visual del film.



Bibliografía

- Dennis SCHWARTZ, “Death of Night”, ‘Rotten Tomatoes’, 2008.
- Jamie RUSSELL, “Death of Night (1945)”,’ Rotten Tomatoes’, 2004.
- PAGHAT THE RATGIRL, “Death of Night (1945)”, weirdwildrealm.com (sin fecha).
- Juan CORRAL, “Al morir la noche”, ‘Pasadizo.com’ (sin fecha).

(Miquel, FilmAffinity)


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Anchors Aweigh (George Sidney, 1945)




Levando anclas / Leven anclas

Ficha Técnica:

Título original:

Anchors Aweigh

Año:

1945

País:

Estados Unidos

Género:

Musical. Comedia

Dirección:

George Sidney

Guión:

Isobel Lennart

Duración:

139 min

Reparto:

Gene Kelly, Frank Sinatra, Kathryn Grayson, José Iturbi, Leon Ames, Henry Armetta

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español, francés e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x480

Formato:

AVI

Tamaño:

1,37 Gb


Sinopsis:
Gene Kelly y Frank Sinatra son dos marineros de personalidades opuestas: uno (Sinatra) es tímido y un tanto ingenuo, mientras que el otro (Kelly) es un hombre de mundo. Ambos vivirán mil peripecias en la ciudad de Los Ángeles. (FILMAFFINITY)


1945: Oscar: Mejor banda sonora (musical). 5 nominaciones

Producción de gran presupuesto, dirigida por George Sidney. Se rodó en el Hollywood Bowl y en los estudios de la Metro durante la II GM. Obtuvo el Oscar a la mejor banda de un musical y 4 nominaciones a los Oscar (fotografía, actor, canción y película). El productor fue Joe Pasternak.

La acción tiene lugar en 1944 a bordo de un portaviones de la Marina y en Hollywood. Narra la historia de dos marines, condecorados por méritos de guerra, que se benefician de un permiso de 4 días. Clarence "Brooklyn" Doolittle (Frank Sinatra) es un muchacho tímito y Joseph Brady (Gene Kelly) es un hombre desenvuelto. Al llegar a Hollywood en busca de diversión, la policía los reclama para que se hagan cargo de un chiquillo, Daniel Martin (Dean Stockwell), de 8 años, huérfano, que ha abandonado su casa para alistarse en la Marina. Vive con su tía, Susan Abbot (Kathryn Grayson), de la que se enamoran los dos amigos.

La película desarrolla un argumento sencillo en el que se insertan 16 números musicales. La película hace el panegírico del músico español, José Iturbi, nacido en Valencia. Suzy Abbot desea una audición con él para que la introduzca en el mundo del espectáculo musical. La obra, que desborda alegría y optimismo, está concebida como un homenaje a la Marina, no exento de toques patrióticos. Son escenas destacadas la del baile de Kelly con Jerry Mouse, la del concierto didáctico de más de 15 pianos y la del himno de la Marina en el portaviones.

La música incluye una brillante partitura original y música añadida de gran nivel, como "Rapsodia húngara nº 2" (Listz), "Vals Serenata" (Tchaikovsky), "Al Factotum" (Rossini) y música hispana: "La cumparsita" y "Cielito lindo". La cación "I Fall In Love Too Easily", interpretada por Sinatra, alcanzó gran popularidad. La fotografía aporta travellings espectaculares, un acertado movimiento de cámara, planos en picado, preferencia por los planos medios y una paleta de colores vibrantes. Se muestra con orgullo el nuevo material de los estudios: grúas, micrófonos, etc. El guión asocia el aire festivo con malentendidos que suscitan hilaridad y compromisos inviables que crean tensión. Se incluyen expresiones, explicables en su momento, actualmente anacrónicas y estridentes, sobre la volubilidad innata de las mujeres y su torpeza natural. La interpretación de Kelly destaca en baile y la de Sinatra en canción. Es proverbial la naturalidad de Dean Stockwell ("París, Tewxas"), a los 8 años. La protagonista se presenta tras una máscara excesiva de maquillaje, que le da un aire de Mariquita Pérez. Peor castigo recibe "Brooklyn" (Pamela Britton) con peinados trenzados en aros de tonta del bote. La coreografía, de Gene Kelly, es espectacular y dinámica. La dirección construye, con sabia economía de medios, una obra con más números musicales que cintas posteriores de mayor metraje.

Musical clásico, de gran éxito, que conserva gran parte de su frescura original. Abrió el camino del cine musical de Posguerra. (Miquel, FilmAffinity)




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