lunes, 6 de agosto de 2012

Limonádový Joe aneb Konská opera (Oldrich Lipský, 1964)



Lemonade Joe / Joe Kolaloca

Ficha Técnica:

Título original:

Limonádový Joe aneb Konská opera

Año:

1964

País:

Checoslovaquia

Género:

Comedia. Western.

Dirección:

Oldrich Lipský

Guión:

Oldrich Lipský, Jirí Brdecka

Duración:

01:35:21

Reparto:

Karel Fiala, Milos Kopecký, Kveta Fialová, Olga Schoberová (AKA Olinka Berova), Rudolf Deyl

Datos del archivo

Idioma:

Checo con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 256

Formato:

avi

Tamaño:

700 Mb


Sinopsis:
Joe Cola-Loca es el héroe, un pistolero abstemio, es decir, que se abstiene de consumir alcohol, y en su lugar toma limonada Cola-Loca. El sobrio Joe llega a un pueblo donde los hombres toman whisky, pelean todo el tiempo, hacen apuestas y se baten a duelo. El dueño del bar y más tarde su hermano perdido son los villanos. A su llegada, Joe encuentra en el bar a un padre evangelista con su hija tratando de hacer que los ebrios pobladores abandonen el acohol. Joe se enfrentará a los villanos, tratando de erradicar el consumo de whisky, junto a la familia evangelista, y promover el consumo de Cola-Loca, que como se encarga de aclarar, es lo que lo mantiene saludable y le da su puntería legendaria. (FILMAFFINITY)

Parodia/homenaje sobre los idealizados seriales del intachable “frontiersman” Hopalong Cassidy y del “vaquero cantante” Gene Auntry, emprendido por el excéntrico talento checo Oldrich Lipský con su irresistible sentido del cine, un maravilloso combinado de “non-sense”, imaginación sin ataduras, circo y “cartoon”, guiños al mudo, robos estéticos del mago Karel Zeman ( el uso de los filtros de color, amarillos, rojos, azules, verdes o anaranjados, según convenga a la escena), “gags” a cada plano y cualquier cosa que se le ocurra, todo con la forma de una opereta (que bebe del cabaret a lo Kurt Weill, el "Tin Pan Alley", la reinterpretación country o la ensoñación “jazzy”) en la que la única norma es la risa. Sofisticadísima conceptualmente y muy trabajada formalmente, plagada de detalles y recursos asombrosos, con la cámara y la puesta en escena puestas al servicio de la comicidad (genial el momento en el que los pasos retumbantes del héroe hacen tambalear el encuadre), que abarca alegremente el chiste de mamporros y la sátira empresarial. Para rematar la filigrana el tremendo Milos Kopecký da un recital como el archivillano total, rey del disfraz, tramposo, ilusionista a tiempo parcial y depravado en general...Hogofogo, terror del oeste buscado en cuatro estados, el perfecto corolario a un film sublime, a disfrutar sin prejuicios ni alergias a la extravagancia, una estilizadísima caricatura de América vista desde la Europa del Este, de su cultura popular y su manera de vender costumbrismo ingenuo, de sus maravillas impolutas (atención al final apoteósico y “felicisérrimo”) y su poder de fascinación. (ben wade, FilmAffinity)



CAPTURAS:

Click the image to open in full size.

Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

Nuit et brouillard (Alain Resnais, 1955)




Noche y niebla

Ficha Técnica:

Título original:

Nuit et brouillard (The Criterion Collection)

Año:

1955

País:

Francia

Género:

Documental. Holocausto. Nazismo

Dirección:

Alain Resnais

Guión:

Jean Cayrol

Duración:

32 min

Reparto:

Documentary

Datos del archivo

Idioma:

Francés con subs español (srt) e inglés y francés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

992x720

Formato:

MKV

Tamaño:

1,43 GB


Sinopsis:
Doce años después de la Liberación y del descubrimiento de los campos de concentración nazis, Alain Resnais entra en el campo desierto de Auschwitz. Lentos travellings en color sobre la arquitectura despoblada, donde la hierba crece de nuevo, alternan con imágenes de archivo (en blanco y negro, rodadas en 1944) que reconstruyen la inimaginable tragedia que sufrieron aquellas personas y los causas y consecuencias de los mismos, desde el advenimiento del nazismo y la deportación de los judíos, hasta el juicio de Nuremberg. (FILMAFFINITY)


1956: Premio Jean Vigo: Gran premio de la Academia francesa
1961: BAFTA: Nominada al premio UN

El título se refiere a una práctica establecida por los nazis con la que le negaban todos los derechos establecidos en la convencion de Ginebra. Por medio del Nacht und Nebel los nazis capturaban a sus prisioneros en secreto, no se les juzgaba y se les metía en vagones sin agua ni comida, bajo condiciones sanitarias inhumanas. Este documental de Alan Resnais es un intento por narrar y darle algún sentido al exterminio de millones de personas.

La historia de como llegó a hacerse esta película es interesante pues fue encargada por dos organizaciones, El Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, una organización dedicada a los prisioneros de los campos. Resnais juntó a un equipo de gente, entre ellos Jean Cayrol, una escritora, sobreviviente de los campos, que escribió una collección de poemas en los que está basado el guión de la película. También en el equipo estaba Sasha Vierny, quien se convertiría en un colaborador recurrente de Resnais y más tarde de Peter Greenaway.

Es sorprendente como la película en media hora solamente dice mucho más que todos los otros documentales que se han hecho sobre el holocausto. También logra hablar de otros temas importantes como la memoria, el estudio de la historia y con mucha inteligencia cuestiona la responsabilidad del holocausto.

La película está compuesta por tomas hechas por Resnais y su equipo en los campos abandonados y de materiales de archivo de diferentes fuentes, algunos parecen haber sido filmados por los nazis, otros por los aliados al liberar el campo. Al unir estas dos partes más la voz en off, resulta una poética interesante en la que primero se hace una descripción de los campos, lo que llevó a ellos y se tocan temas más filosóficos sobre la incapacidad de representar lo que significac el trauma del holocausto. Creo que en parte una de las intenciones de Resnais es romper con esta imposibilidad de articular el trauma, ofreciendo una posibilidad de sublimación poética.

Noche y niebla sigue siendo vigente porque no es una simple descripción histórica de los hechos, que si lo hace y en su tiempo fue de las primeras películas en hablar con franqueza sobre los campos de concentración y exterminio. Esta película también es parte del género que surgiría más tarde, el cine ensayo y uno de los maestros del cine ensayo, Chris Marker tuvo que ver en su producción. Más que documentar el holocausto, esta película nos ofrece una reflexión sobre lo sucedido que va más allá de señalar culpables y enaltecer a los ganadores, en mi opinión es la mejor forma de contar la historia, pues el contar esta historia en específico es para evitar que se repita.

(http://ptcrudocumental.blogspot.com/2009/05/alan-resnais-nuit-et-brouillard-1955.html)



CAPTURAS:
Click the image to open in full size.

L'annèe dernière à Marienbad (Alain Resnais, 1961)




El año pasado en Marienbad

Ficha Técnica:

Título original:

L'année dernière à Marienbad (The Criterion Collection)

Año:

1961

País:

Francia

Género:

Drama

Dirección:

Alain Resnais

Guión:

Alain Robbe-Grillet

Duración:

95 min.

Reparto:

Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoeff, Françoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Pierre Barbaud

Datos del archivo:

Idioma:

Francés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x362

Formato:

MKV

Tamaño:

451 MB


Sinopsis:
En un barroco hotel, un extraño, X, intenta persuadir a una mujer casada, A, de que abandone a su marido, M, y se fugue con él. Se basa en una promesa que ella le hizo cuando se conocieron el año anterior, en Marienbad, pero la mujer parece no recordar aquel encuentro. (FILMAFFINITY)

1961: Festival de Venecia: León de Oro
1962: Nominada al Oscar: Mejor guión original

Segundo largometraje de Alain Resnais (Francia, 1922), que forma parte de la llamada “trilogía de la memoria”, junto a “Hiroshima, mi amor” (1959) y “Muriel” (1963). El guión es original del novelista Alain Robbe-Grillet. Se rueda en escenarios reales de Nymphenburg Palace (Bavaria), Oranienburg Palace (Brandenburg) y Schleissheim Palace (Bavaria) y en estudio. Gana el León de oro (Venecia). Producido por Pierre Courau y Raymond Froment para Cocinor y otras productoras, se estrena el 25-VI-1961 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en una ubicación geográfica indefinida y en un tiempo indeterminado. Marienbad es el nombre de una ciudad checa, ajena a la acción, y el presente dramático se podría situar en torno a 1960/61, aunque ésta no es la intención del realizador, que quiere dotar al film de una manifiesta atemporalidad. Los protagonistas son una mujer (Seyrig), un hombre que la pretende (Albertazzi) y el marido, pareja o acompañante de la misma (Pitoëff). Ella parece estar permanentemente cansada. El seductor es locuaz, reiterativo e insistente. El marido es indeciso, vacilante, autoritario y ejerce sobre la mujer cierta influencia.

El film suma drama, suspense y romance. El relato suscita dudas en el espectador y le plantea interrogantes que no resuelve. No se sabe si la acción se desarrolla en Marienbad o en otro lugar, si es el nombre de un palacio o de la localidad en la que éste se ubica, cuál es el motivo que reúne a los interlocutores. No deja claro si la historia es real, la inventa el narrador o combina hechos ciertos, de ficción y sueños. Lo cierto es que invita al espectador a indagar, reflexionar, interpretar, meditar y debatir, aprovechando el hecho de que el relato es susceptible de interpretaciones múltiples, diversas y contrapuestas. También es cierto que convoca al público a ver la cinta con suma atención, tensando la capacidad de percepción y liberando los mecanismos de generación de sentimientos.

La obra luce una intencionada y deliberada artificiosidad, porque Resnais la concibe como un artefacto artístico y desea que el espectador se percate de ello. Le propone así que adopte desde el principio un punto de vista que le sitúe adecuadamente ante el film y le permita aprovechar al máximo la experiencia de su visión. Dicho de otro modo, le informa que se halla ante una experiencia artística que le puede proporcionar emoción estética, la más noble, intensa y satisfactoria de las emociones al alcance del ser humano. Por lo demás, el relato rompe con los códigos tradicionales del cine. Mezcla realismo, surrealismo y una fuerte carga de subjetividad. Los encuadres, travellings, giros de cámara y composición de planos, contienen elementos caprichosos y aleatorios, expresan sentidos diferentes de los propios del cine convencional realizado hasta el momento y en ocasiones desarrollan divagaciones laxas sobre temas reiterativos.

La voz del narrador (el pretendiente), pierde intensidad hasta desaparecer, creando interludios de silencio o de murmullos de palabras que el oído humano no capta. A veces la voz interrumpida se recupera para seguir hablando por boca del marido, que deviene un segundo narrador, alternativo o complementario. La voz se apaga y desaparece con frecuencia para recuperarse después diciendo las mismas palabras en orden diferente. Alguna acción se repite más adelante con resultado distinto, imitando los procedimientos de ensayo y corrección propios del artista (novelista, dramaturgo, pintor...). Incorpora sorpresas desconcertantes, como la de la puerta que permanece abierta siempre, salvo en un momento determinado. Invita al espectador a renunciar al racionalismo habitual de la cultura de Occidente para sumergirse en un mar de sentimientos, sensaciones, emociones y goce estético.

El ambiente del interior del palacio es hermético y misterioso. Plantea también interrogantes. ¿Es un hotel con clientes? ¿Es una residencia privada con invitados? ¿Son los presentes socios de una agrupación ignota?. En todo caso, se comportan de un modo extraño y practican juegos excéntricos y tan incomprensibles como el de las cajas de cerillas. Contrasta el estilo rococó (barroco tardío alemán) de la decoración del Palacio con la austeridad de los trajes y vestidos de los personajes, de los escenarios directos y de la expresión contenida del deseo que los anima o atormenta.

La banda sonora, de Francis Seyrig (“El proceso de Juana de Arco”, Bresson, 1962), ofrece una partitura de órgano religioso, de tonos solemnes, litúrgicos y de pasajes que evocan himnos de ceremonias de difuntos. De ese modo se refuerzan los trazos melancólicos del relato. Por lo demás, la música introduce evocaciones sobrenaturales que amplían la complejidad de la historia y, a la vez, le otorgan trascendencia. La fotografía, de Sacha Vierny (“Muriel”, 1963), en B/N y formato panorámico, luce la mano esmerada, cuidadosa y rica en detalles de Resnais. El trabajo de cámara es abundante, brillante, espectacular y preciso. Los jardines estrictamente geometrizados subrayan por oposición el desorden y las tendencias caóticas de la narración. El discurso visual es de una gran elegancia y de fascinante belleza. Juega con la intensidad de la iluminación, el uso del espacio y los encuadres de la acción.

Film de culto, hecho para la emoción, las sensaciones y los sentimientos, indispensable para los cinéfilos más exigentes. Hecho también para pensar al objeto de aprovechar la satisfacción que se desprende del hecho de pensar por pensar.


Bibliografía

- David STERRIT, “El año pasado en Marienbad”, ‘1.001 películas que hay que ver antes de morir’ (Steven Jay Schneider), pág. 393, Grijalbo, 2006. (La edición original en inglés es de 2003).
- Roger EBERT, “El año pasado en Marienbad”, ‘Grandes películas’, V. 1, págs. 48-51, Randbook Ed., Barcelona 2003 (La edición original en inglés es de 2002). (Miquel, FilmAffinity)




CAPTURAS:

Click the image to open in full size.

Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

Meetings with Remarkable Men (Peter Brook, 1989)



Encuentros con hombres notables

Ficha Técnica:

Título original:

Meetings with Remarkable men

Año:

1979

País:

Reino Unido

Género:

Drama. Biografico

Dirección:

Peter Brook

Guión:

Peter Brook, G.I. Gurdjieff, Jeanne Salzmann

Duración:

108 min

Reparto:

Grégoire Aslan, Mikica Dimitrijevic, Martin Benson, Colin Blakely, Constantine Gregory, Tom Fleming, Athol Fugard, Marius Goring

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español incrustados

Calidad:

DVDRip?

Resolución:

720x576

Formato:

AVI

Tamaño:

519 MB


Sinopsis:
Biografía de G.I. Gurdjieff a través de sus viajes y el descubrimiento de la música espiritual. En 1920, un hombre llegó a Europa procedente del Este... donde había vivido extraordinarias experiencias. Su nombre era George Ivanovitch Gurdjieff. Esta es la historia de sus años jóvenes. (FILMAFFINITY)

1979: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes


CAPTURAS:

Click the image to open in full size.

Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

Kinetta (Giorgos Lanthimos, 2005)




Kinetta

Ficha Técnica:

Título original:

Kinetta

Año:

2005

País:

Grecia

Género:

Drama, Experimental

Dirección:

Giorgos Lanthimos

Guión:

Yorgos Kakanakis, Giorgos Lanthimos

Duración:

95 min

Reparto:

Evangelia Randou, Aris Servetalis, Costas Xikominos, Hector Kaloudis

Datos del archivo:

Idioma:

Griego con subs en Inglés y Español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

688x 414

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Kinetta es una pobre y pequeña ciudad de Grecia, que, durante el invierno, es abandonada por los inmigrantes que trabajan en ella. Unos policías de paisano, apasionados por los automóviles, unos escribanos y unas mujeres rusas investigan una reciente serie de asesinatos que ocurrieron en la zona.

Kinetta: la realidad fracturada

Igual que Marienbad representó el limbo donde amor y muerte se encontraban para arder gélidamente, Kinetta[i], en su modestia, podría sintetizar el territorio perdido donde convergen (para definirse, diluirse y finalmente desaparecer) nuestras obsesiones, filias, anhelos y frustraciones, o aquel espacio olvidado y otoñal donde en última instancia damos forma a nuestro fracaso. Un lugar que uno imagina envasado al vacío, irrespirable, inhóspito, el reverso tenebroso de esos emplazamientos idílicos que pudiéramos visitar en un agosto cualquiera en Grecia. La atmósfera desolada sirve de vehículo a una reflexión no ya sobre la angustia de un individuo sentimental y moralmente extraviado, sino sobre la forma en que dicha pérdida de objetivos y valores se traduce en una exploración de los límites que separan lo real y lo ficticio, lo que somos (una incógnita que la película no despeja) de su opuesto, que es, como escribía Cernuda, el deseo, que aquí más llanamente podríamos identificar con la plenitud o con el sentido vital, con una autorrealización imposible, porque los personajes están firmemente anclados al paisaje que los contiene -casi de una manera irracional y buñueliana- y en él la esperanza no puede germinar.
uego paranoico de máscaras (hasta la arquitectura, hasta la playa, son una máscara), de acciones y personajes que se confunden con su propia representación, Kinetta conforma una estructura aparentemente caótica cuyo ensamblaje pervierte la coherencia temporal para promover un orden narrativo basado en la sugerencia y la omisión. Dicho orden se levanta sobre una esquinada secuencia de espacios en blanco dispuesta con un falso desprecio al espectador, pues es –paradójicamente- esa vocación desafiante la que deviene la mayor muestra de respeto a la inteligencia del respetable, a su capacidad para resolver singulares y difíciles puzzles (metafísicos, intelectuales, cinematográficos) en los que se termina calibrando la salud espiritual de una sociedad contemporánea azuzada por diversos demonios interiores (la fantasía sexual transmutada en muerte y explotación, la imposibilidad amatoria, el virus de la incomunicación…). En el ínterin, su director aprovecha para ensayar un juego de la crueldad que alcanzaría su máximo punto de sofisticación en su posterior Canino[ii], obra maestra donde ya se dejaba entrever a un erotómano perverso extraordinariamente capacitado para detectar y aislar los males de la sociedad de su tiempo, amén de ilustrar las derivaciones cancerígenas del poder y el potencial manipulador del lenguaje.

Kinetta es, también, un laboratorio. Lanthimos, más que demiurgo, se revela científico obsesionado con el estudio del comportamiento de una serie de células enfermas localizadas en un enclave tan fantasmal y extraño que sólo podía ser real. La estrategia estética pasa por un intuitivo, obsesivo trabajo de cámara que atenta contra la convención del encuadre y la planificación clásicas, ya desplazadas por una imperiosa necesidad de encontrar el punto más vital de la imagen, ese centro neurálgico a través del cual ésta se llena de electricidad y se comunica más satisfactoriamente al espectador. El resultado arroja sensaciones encontradas, de agobio y fascinación, de frío y de miedo, dejando a la cámara orbitar sinuosamente alrededor de los personajes y certificando a su autor como uno de los directores en activo más audaces y originales del panorama reciente, incluso emparejándole en inquietudes e intenciones con otra aplicada observadora del alma humana, la argentina Lucrecia Martel, que en su radical La mujer sin cabeza ya planteó una arriesgada formulación estilística similar a la de Lanthimos: situar el punto de vista del espectador en la misma nuca del personaje principal, dejando al resto (como espectros, como voces en la distancia) en un segundo plano para reforzar la sensación de extrañeza y de lejanía en la que se movía la protagonista, buscándose.

La búsqueda del yo es también clave en Kinetta, aunque la narrativa ardua y fracturada de Lanthimos dificulte una apreciación clara de la comprensión de sus personajes. Los movimientos de éstos en pantalla no hacen sino subrayar la problemática capital de lo falso y lo verdadero, o del peligro de una interiorización de la mentira que acaba revelando verdades ocultas e incómodas. Como en buena parte del cine de Raúl Ruiz (incluso de Hitchcock con sus célebres macguffins), lo esencial parte de algo inconcreto que se oculta al espectador: en la pequeña ciudad griega en la que se desarrolla la película ha habido uno o más crímenes, pero lo trascendente deriva del clima posterior creado, de la mirada de los habitantes de la zona y de las maniobras de investigación (¿o es escenificación puramente cinematográfica, autorreflexiva?) que lleva a cabo la policía, algo que da pie a una ceremonia de la impostura donde las identidades (de asesino, víctimas, policías…) se funden y confunden, situando lo real en un estado de mera ilusión que parece resucitar los instintos (de poder, de autolesión, sexuales) más reprimidos de los personajes. Se establece, entonces, el segundo gran tema de la película, que es (como en Canino) la gestión del poder y la imposibilidad de escapar a él, ya sea en calidad de víctima o de verdugo. Lanthimos ilumina esa zona de sombra de sus personajes con la intención de poder revelar así su fragilidad y su miseria, que el entorno grisáceo del pueblo costero parece materializar o completar físicamente.

Porque esa es otra. Uno tiende a personalizar, pero no conviene olvidar que el gran personaje de la película es la propia ciudad, Kinetta, y, por extensión, toda Grecia. El filtro de Lanthimos captura el malestar vital, la desorientación moral y el bloqueo emocional de un país extrañamente paralizado, representado en ese pueblo erigido sobre silencios significativos, crímenes irresolubles, inmigrantes explotados y una indolencia generalizada que deshumaniza por completo a sus habitantes, convirtiendo su drama personal en una pieza más dentro de un rompecabezas deprimente y depresivo, que empieza y acaba en un mismo punto a partir del cual todo se ha intuido y nada se ha aclarado. Una experiencia radical que elabora una crítica social laberíntica y huidiza a partir de impresiones estrictamente personales. Tiene mérito extraer un diagnóstico moral a partir de una visión esquinada y puramente subjetiva del entorno, casi abstracta en su plasmación escénica, y Lanthimos lo logra haciendo una película tan cerebral como extrañamente sensual, cine al borde del abismo que convierte la realidad en un campo de juegos donde la fabulación, las pulsiones internas y la falta de expectativas acercan al individuo a un estado mental cercano a la alienación, negándole por dentro, vaciándole. Dejándole, para su desconsuelo, eternamente atrapado en Kinetta, última ciudad fantasma de nuestra civilización. (http://www.cineua.com)


CAPTURAS:
Click the image to open in full size.

Marat/Sade (Peter Brook, 1967)


Click the image to open in full size.

Marat/Sade

Ficha Técnica:

Título original:

The Persecution and Assassination of Jean-Paul Marat as Performed by the Inmates of the Asylum at Charenton Under the Direction of the Marquis de Sade

Año:

1967

País:

Reino Unido

Género:

Drama. Intriga. Musical | Histórico. Revolución Francesa. Siglo XVIII. Teatro

Dirección:

Peter Brook

Guión:

Peter Weiss, Geoffrey Skelton, Adrian Mitchell

Duración:

119 min.

Reparto:

Patrick Magee, Ian Richardson, Michael Williams, Clifford Rose, Glenda Jackson, Freddie Jones, Hugh Sullivan, John Hussey

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704 x 384

Formato:

AVI

Tamaño:

698 MB y 659 MB


Sinopsis:
Con motivo de la visita de unos aristócratas, el asilo mental de Charenton organiza una función teatral, representada por algunos pacientes y escrita y dirigida por el Marqués de Sade, también recluido allí. El núcleo central del argumento es el asesinato del líder de la Revolución Francesa, Jean-Paul Marat, a manos de Charlotte Corday y plantea un debate acerca de las relaciones entre políticos, la sexualidad y la violencia. Basada en una obra teatral de Peter Weiss que, Peter Brook, maestro del teatro inglés contemporáneo, además de cineasta, supo trasladar con acierto a la gran pantalla. (FILMAFFINITY)

EL CINE DE PETER BROOK
MARAT / SADE, 1966


El cine arte es el cine de autor, la película lleva el sello que la mirada de su director le imprimió y revela su autoría de manera inconfundible.

Es un cine muy diferente al cine comercial, no persigue atraer millones de espectadores a las salas de exhibición, el director se expresa como creador, al margen de especulaciones comerciales.

El Marat/Sade de Peter Brook es un excelente ejemplo de este género, difícil para el público masivo, que desea distracción y no tiene ganas de indagar en experiencias menos convencionales.

El cine arte, de todos modos, tiene enorme atractivo para un público más abierto a lo experimental

La película se basa en una obra teatral de Peter Weiss (1916-1982), dramaturgo alemán, y muestra la puesta en escena de una obra teatral creada por el Marqués de Sade durante su reclusión en el sanatorio para enfermos mentales de Charenton. 

La obra de teatro de Peter Weiss, llamada literalmente "La persecución y el asesinato de Jean-Paul Marat, como fue representada por los internos del manicomio de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade" versa sobre dos personajes importantes de la Francia del siglo XVIII -el escritor Marqués de Sade (1740-1814) y el político Jean-Paul Marat (1743-1793)-

Fue representada por vez primera en Berlín Occidental en el año 1964 con un notable éxito, lo mismo que en Nueva York bajo la dirección de Peter Brook, quien la adaptaría al cine en 1965, dentro de los esquemas dramáticos del llamado teatro de la crueldad. Este teatro fue definido por el dramaturgo y actor Antoni Artaud como la introducción en la escena de los principios surrealistas, sometiendo al espectador a un ataque a su inconsciente con el fin de liberar sus miedos e inquietudes reprimidas bajo la capa protectora de la civilización.

La película se basa en la anécdota histórica sobre las representaciones que se realizaban en el manicomio de Charenton para distracción de los burgueses de París napoleónico bajo la dirección del Marqués de Sade, el más célebre de los pacientes del asilo, internado allí por la fuerza.

La obra fue escrita para ser personificada por pacientes, pacientes que tenían que encarnar a personajes mentalmente sanos, como Marat, Carlota Corday, etc. Acorde al estilo de la época, el drama sigue reglas de la tragedia griega (con coro, corifeo y parlamentos sazonados con interludios musicales). Los últimos días del citado Marat (uno de los líderes de la Revolución Francesa, asesinado por Carlota Corday en una tina de baño) sirven como excusa para plantear fuertes críticas sociales universales y atemporales. También sirven al propio Marqués para dejar en claro algunos pensamientos propios.

Los enfrentamientos dialécticos entre Marat y Sade tocan temas atemporales como la libertad, la violencia y el sexo. Teatro dentro del teatro dentro del cine que funciona bastante bien gracias a una espectacular puesta en escena en un reducido espacio (toda la función transcurre en una sala del Asilo de Charenton, los baños), unos diálogos ingeniosos que derrumban una vez tras otra las teorías del contrario (Marat/Sade) así como la escenografía, que respeta en su totalidad la obra teatral y que recuerda por su estructura las tragedias griegas.

Peter Weiss lleva a cabo en esta obra una magnífica reflexión sobre la revolución, la libertad individual y la violencia.

Algunas citas del libro:

"Lo que nos interesa en la confrontación de Sade y de Marat es el conflicto entre el individualismo llevado al máximo y la idea de la agitación política y social. También Sade estaba convencido de la necesidad de la Revolución y sus obras son, de cabo a rabo, un ataque contra la clase reinante y corrompida; sin embargo, retrocede ante las medidas de terror tomadas por los nuevos dirigentes y se encuentra, como el representante moderno del tercer partido, sentado entre dos sillas."

"SADE:
La piedad, Marat
es patrimonio de los privilegiados.
Cuando la piedad se inclina para dar limosna,
sólo siente desprecio;
y finge conmoverse para exaltar de ese modo su riqueza;
y la limosna, para el mendigo,
no es más que una patada en el trasero."


"SADE:
(...)
ahora yo veo
donde conduce
esta Revolución
(...)
Conduce a la muerte del individuo,
a una lenta extenuación en la uniformidad,
a una agonía del juicio,
al cruel reniego de uno mismo,
a una fatal sujeción al Estado,
cuya esfera, infinitamente lejana, invulnerable,
planea muy por encima de cada uno de nosotros."


Jean-Paul Marat (Suiza, 1743 - París, 1793). Científico y físico, periodista y político durante la Revolución francesa con el que se identificó la izquierda de la Revolución. Miembro del partido Jacobino, ayudó a consolidar el Reinado del Terror elaborando "listas negras". Fue apuñalado en su bañera por la aristócrata Charlotte Corday en 1793.

Donatien Alphonse François de Sade, más conocido por su título de Marqués de Sade (París, 1740 – Charenton-Saint-Maurice, 1814), fue un aristócrata, escritor y filósofo francés, autor de varias novelas que aúnan los relatos pornográficos con la exposición de un sistema filosófico materialista y ateo.
En 1800, Napoleón Bonaparte ordenó su detención. Fue trasladado por segunda vez al manicomio de Charenton, donde el liberal director de la institución lo animó a que representara varias de sus obras con algunos de los reclusos como actores.

La película muestra la representación de la obra a lo largo de casi dos horas sobre un mismo escenario. El trabajo actoral es memorable y la musica y la coreografía son muy atractivas.
(El grupo de actores es el mismo que representó la obra teatral en la Royal Shakespeare Company)

Marat/Sade, siempre dirigida por Peter Brook, ha obtenido reconocimientos, como obra teatral (se la consideró la mejor puesta en escena por la Royal Shakespeare Company de Londres y obtuvo el Premio Tony por su versión realizada en Nueva York) y como versión cinematográfica (Peter Brook fue distinguido en 1969 con el Liston de Plata a Mejor Director por el Sindicato Nacional Italiano de Críticos de Cine y obtuvo Mención Especial en el Festival Internacional del Film de Locarno). Tanto las puestas en escena teatrales como la cinematográfica, han sido dirigidas por Peter Brook


http://www.revistadeartes.com.ar/revistadeartes13/marat-sade.html



CAPTURAS:

Click the image to open in full size.

Click the image to open in full size.

Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

LinkWithin

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...