lunes, 9 de abril de 2012

The Crimson Pirate (Robert Siodmak, 1952)




El temible burlón / El pirata hidalgo

Ficha Técnica:



Título original:

The Crimson Pirate

Año:

1952

País:

Estados Unidos

Género:

Aventuras

Dirección:

Robert Siodmak

Guión:

Roland Kibbee

Duración:

100 min



Reparto:



Burt Lancaster, Eva Bartok, Nick Cravat, Torin Thatcher, James Hayter, Noel Purcell, Margot Grahame



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip de Ramirez

Resolución:

576 x 432

Formato:

AVI

Tamaño:

1399 MB


Sinopsis:
Siglo XVIII, aguas del Caribe. El barco pirata del capitán Vallo (también conocido como el Pirata Carmesí) ha capturado un buque inglés que tenía como destino la Isla de Cobra, y que lleva un enorme cargamento de armas y municiones para aprovisionar a las fuerzas militares que intentan reprimir los intentos independentistas de los lugareños. Vallo se queda con el cargamento y libera al Barón Gruda con la idea de hacer un juego de múltiples traiciones: primero vender las armas a los revolucionarios, y después entregar el paradero de su lider -llamado El Libre- a los ingleses y recuperar las armas. Pero las cosas se complican cuando contacta a las fuerzas revolucionarias: primero porque El Libre está prisionero en una cárcel inglesa cercana (y sin su visto bueno, los revolucionarios no le comprarán las armas); segundo, porque en el proceso de rescate se enamora de Consuelo, la hija del líder independentista, y decide apoyar a la revuelta. Pero la tripulación de su barco -influenciada por Gruda- anticipa su movida, se amotina y lo abandona en alta mar. Apoyado por los separatistas -débilmente armados-, Consuelo y su fiel teniente Ojo, deberá urdir un plan para liberar a la isla del dominio tiránico del Barón Gruda, además de recuperar el control de su barco pirata y la confianza de su tripulación.


"Recuerda que en un barco pirata, en aguas piratas, en un mundo de piratas no hay preguntas. Sólo cree lo que veas... ¡No! ¡Mejor cree la mitad de lo que veas!"

(El Capitán Vallo, después de saltar acrobáticamente entre varios mástiles de su nave, y dirigiéndose directamente a la platea)

Los años 50 son la época de oro de Hollywood. El auge del star system, que era una idea de marketing pergeñada por los ejecutivos de los estudios (en especial Louis B. Mayer) donde los actores eran prácticamente dioses caminando en la Tierra (y esa etapa de intensa publicidad también servía para disfrazar los escándalos sexuales tras bambalinas). Es también el auge económico de la sociedad norteamericana de la post guerra, y una etapa bastante naif en la cinematografía -a excepción de la serie B que daba señales camufladas sobre la presencia de la Guerra Fría, el resto de los filmes eran esencialmente escapistas -. Los músicales, las superproducciones a todo color, los intachables libretos... en fin.

Como todas las modas que van y vienen, el género de piratas era popular en aquel momento. El Capitán Kidd, el Capitán Blood... y en 1952 apareció el Capitán Vallo. Uno no es un especialista en el género, pero bien puede afirmar sobre bases ciertas que The Crimson Pirate es una de las mejores películas de piratas de la historia sin duda alguna.

Hay algo muy particular en el film [...]. Sin ir más lejos, es el abuelo directo de Piratas del Caribe -obviamente sin elementos fantásticos-. Christopher Lee tiene aquí un papel pequeño en el film, y cuenta que Robert Siodmak -que era un típico director serie B, especializado en policiales negros, y que regresaría a Europa ni bien terminó el rodaje- leyó el argumento y le pareció demasiado solemne, e inmediatamente introdujo un montón de cambios que lo convirtieron en una comedia. Y terminó por dirigir este pequeño clásico.

La primera parte del film es bastante lineal. Básicamente Vallo quiere pasarse de rosca, vendiendo, robando, revendiendo y traicionando a medio mundo. El tema es que termina por enredarse en sus propias tramoyas -especialmente cuando conoce a la hija de El Libre, de la cual se enamora-, lo que lo obliga a echarse atrás y culmina por ser traicionado por su tripulación amotinada -díganme si esto no les suena conocido...-. Cuando los personajes de El Libre y el profesor Prudence aparecen en escena es cuando el filme se vuelve más disparatado y desata lo mejor de su comedia.

Básicamente es un vehículo para el lucimiento de Burt Lancaster. Lancaster ya era una estrella de acción -especialmente con su anterior entrega El halcón y la flecha de 1950-, que, a diferencia de los actores comunes, solía realizar impresionantes destrezas físicas en pantalla -algo únicamente comparable con Douglas Fairbanks padre-. Y esto se debe a su formación como acróbata circense, oficio del cual vivió hasta cerca de los 30 años hasta que una lesión lo obligó a abandonar. Precisamente el acto de circo de Lancaster estaba complementado por Nick Cravat -un amigo de infancia de Lancaster, que llegaría a filmar nueve películas con la estrella, inclusive en su vejez, como La isla del doctor Moreau (1977)-, quienes se presentaban como Lang & Cravat.

Y aquí Lancaster y Cravat tienen excusas de sobra para exhibirse. Saltando por los techos, haciendo payasadas, volteando decenas de soldados en sus correrías por el poblado de la Isla de Cobra. La química entre los actores es perfecta, y Cravat se roba las escenas con facilidad, a pesar de no emitir ni un sonido -contrariamente a lo que se cree, Nick Cravat no era mudo, sino que simplemente poseía un marcado acento de Brooklyn que resultaba inapropiado para los filmes de época-.

Obviamente los personajes no son tridimensionales. Están pensados como figuras épicas: el pirata de noble corazón, el emisario gubernamental retorcido y tan malo como el diablo, la bella idealista que hace cambiar de idea al pirata, los bucaneros anónimos que se rigen por sus propios códigos, etc. En algunos casos los caracteres son puro cartón pintado: en especial El Libre (que es el líder de la revolución) y que desaparece de la trama en un suspiro -en una escena tan veloz que uno se pregunta minutos después que pasó con el personaje-. Consuelo, la hija de El Libre, tampoco es un modelo de profundidad psicológica, y el romance es puro clisé sin demasiada química entre los protagonistas. El malévolo Barón Gruda -que pasa en mitad del filme de ser un rencoroso enviado de la majestad a virtual tirano de la Isla- resulta bastante inteligente pero no posee mucho carisma (y sus primeros actos de tiranía son bastante patéticos). Y prácticamente todo el filme se centra en Vallo y Ojo -donde Cravat hace su mejor imitación de Harpo Marx -.

Pero si bien Lancaster y Cravat son simpáticos en la primera parte de la película, la acción se dispara en la segunda mitad. Con el personaje del Profesor Prudence aparecen los anacronismos y las escenas locas, como los piratas caminando por el fondo del mar (y usando el bote dado vuelta como campana de oxígeno), el globo aeronáutico, los tanques montados sobre carretas, el submarino o los bombardeos con nitroglicerina. Podría haber sido un filme de piratas más, con Nick Cravat como comic relief, pero uno se da cuenta de que todas las cosas no van en serio cuando el barco de Vallo dispara una andanada contra la costa y los soldados ingleses quedan en paños menores; o cuando Vallo, Ojo y Prudence son dejados a la deriva en alta mar y uno de los piratas llora. Por momentos el filme parece un cartoon hecho con actores.

Es una película realmente entretenida, si bien hay algunos momentos serios que por suerte no duran demasiado. Desde el motín y el abandono en el mar del capitán pirata hasta el clímax con los bucaneros nadando por debajo del buque inglés y tomando por sorpresa a los marineros, hay bastantes ideas que sin duda "inspiraron" a Ted Elliot y Terry Rossio para escribir el guión de la afamada trilogía de la Disney. Narrativamente es muy ágil y muy moderna para su época, con todo el despliegue que Hollywood hacía en aquél entonces, y con la sonrisa resplandesciente de Burt Lancaster más brillante que nunca. (Alejandro Franco: Arlequín)




Wacky Races (William Hanna & Joseph Barbera, 1968)



Los autos locos

Ficha Técnica:


Título original:
Wacky Races
Año:
1968
País:
Estados Unidos
Género:
Animación. Comedia. Infantil
Dirección:
William Hanna, Joseph Barbera, Charles A. Nichols
Guión:
Larz Bourne, Tom Dagenais, Michael Maltese, Dalton Sandifer
Duración:
12 min por episodio


Reparto:


Animación


Datos del archivo:


Idioma:
Inglés / Español con subs en inglés y español (contenedor MKV)
Calidad:
DVDRip (Ripeo propio)
Resolución:
720 x 480
Formato:
MKV
Tamaño:
34 episodios (11,70 Gb) Extras (1,73 Gb)

Sinopsis:
Serie de TV (1968-1970). 34 episodios. "Los autos locos" es una serie de dibujos animados de la productora estadounidense Hanna-Barbera sobre un grupo de once coches de carrera que compiten entre sí en diferentes rallies, con sus pilotos intentando ganar el título de «Piloto Más Loco del Mundo». La serie era inusual por el gran número de personajes habituales, veintitrés en total, entre los que se incluia el villano Pierre Nodoyuna y su perro, Patán. [extraido de Wikipedia]


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EXTRAS (ENG):
6 Episodios comentados por sus animadores, audio inglés:

Fast Track to Hackensack (1968)
Ballpoint, Penn. or Bust! (1968)
Creepy Trip to Lemon Twist (1968
See-Saw to Arkansas (1968)
The Ski Resort Road Race (1968)
Overseas Hi-Way Race (1968)

Chronicles the History of the Series (Documental, inglés, 10 min)
2 trailers

ALGUNAS CAPTURAS:

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Miracolo a Milano (Vittorio de Sica, 1950)





Milagro en Milán

Ficha Técnica:



Título original:

Miracolo a Milano

Año:

1950

País:

Italia

Género:

Drama, Fantasía, Comedia

Dirección:

Vittorio de Sica

Guión:

Cesare Zavattini, Vittorio de Sica, Suso Cecchi D'Amico, Mario Chiari, Adolfo Franci

Duración:

92 min



Reparto:



Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa, Guglielmo Barnabò, Brunella Bovo, Alba Arnova, Anna Carena



Datos del archivo:



Idioma:

Italiano con subs en inglés y español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704x556

Formato:

MKV

Tamaño:

1,45 GB


Sinopsis:
Totò es un muchacho huérfano que vive en un mísero barrio de chabolas a las afueras de Milán. Cuando en el terreno donde vive se descubre petróleo, Totò, a pesar de su poca inteligencia, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi. A pesar de contener elementos fantásticos se la considera, junto a "Umberto D." y "El ladrón de bicicletas", una de las tres obras claves del neorrealismo italiano dirigidas por Vittorio de Sica. (FILMAFFINITY)


1951: Cannes: Palma de Oro.
1951: New York Film Critics Circle: Mejor película extranjera


Capturas:
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One, Two, Three (Billy Wilder, 1961)

Uno, dos, tres

Ficha Técnica:


Título original:
One, Two, Three
Año:
1961
País:
Estados Unidos
Género:
Comedia
Dirección:
Billy Wilder
Guión:
Billy Wilder & I.A.L. Diamond (Teatro: Ferenc Molnár)
Duración:
108 min


Reparto:


James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz, Arlene Francis, Lilo, Pulver, Howard St. John, Hanns Lothar, Leon Askin, Ralf Walter, Karl Lieffen, Hubert von Meyernick


Datos del archivo:


Idioma:
Inglés / Español con subs en español (srt), inglés y francés (contenedor MKV)
Calidad:
DVDRip (Ripeo propio)
Resolución:
720 x 432
Formato:
MKV
Tamaño:
1,24 Gb

Sinopsis:
Época de la Guerra Fría. C.R. MacNamara, representante de una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin embargo, en contra de sus deseos, lo que su jefe le encarga es cuidar de su hija Scarlett, que llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una díscola y alocada joven que, con dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro ocasiones. Pero lo peor es que, eludiendo la vigilancia de MacNamara, la chica se


1961: Nominada al Oscar: Mejor fotografía (Blanco & Negro)

Film nº 18 de Billy Wilder. El guión, de Wilder y Diamond, se basa en la comedia en un acto "One, Two, Three" (1930), del húngaro Ferenc Molnar. Se rueda en exteriores de Berlín y Munich y en los platós de Bavaria Studios (Alemania). Es nominado a un Oscar (fotografía). Producido por B. Wilder, se estrena el 15-XII-1961 (EEUU).

La acción tiene lugar en Berlín, en 1961. C.R. MacNamara (Cagney) es el director en Berlín oriental de una firma internacional de refrescos. Está casado con Phyllis (Francis). Un alto directivo de la empresa en Atlanta (EEUU) le encomienda el cuidado de su hija Scarlett (Tiffin) durante sus vacaciones en la ciudad, donde conoce al joven Otto Piffl (Buchholz).

El film es una comedia de pulso frenético. Desarrolla un relato de sátira política, social, familiar y del mundo de los negocios. La acción se mueve a un ritmo trepidante, que no da respiro al espectador. Envuelve la acción en una grata y convincente atmósfera de fantasía e irrealidad. El argumento estructura una historia sencilla, próxima y atractiva. Los diálogos son rápidos, ocurrentes y animados. Incluyen juegos de palabras, "gags" verbales y visuales, situaciones hilarantes. La comicidad es más directa y primaria que en otros films del autor. Se basa en ocultaciones de identidad (nazis que quieren disimular su pasado), confusiones de género, travestismo, referencias sarcásticas, servilismos interesados, desgracias ajenas, caídas, tropiezos, malentendidos, prisas, precipitaciones.

El realizador crea una obra sumamente divertida, ácida, punzante y arrolladora. La caracterización de los personajes opta por la caricatura: se definen en función de un rasgo diferencial básico (el joven idealista, el ejecutivo pragmático, la joven caprichosa, la mujer objeto). El reloj de cuco y los taconazos de Schlemmer (Lothar) cierran las escenas más cómicas. Wilder pone en solfa los estereotipos del comunismo y del capitalismo, desvela los puntos débiles de la familia americana, denuncia el afán de ganar dinero y las ambiciones de ascenso social y ridiculiza la aristocracia. Muestra el violento contraste que se da entre el idealismo del joven y el pragmatismo atroz de MacNamara. Son escenas memorables la del salón del hotel, el uso del rock-and-roll como instrumento de tortura, el "striptease" de Ingeborg, el soborno del guardia en la plaza de Brandenburgo. Se incluyen citas cultas (Shakespeare), cinéfilas ("Lo que el viento se llevó", "Espartaco"...). No faltan los puros, las carreras de coches, etc. La interpretación de Cagney (en su despedida) es memorable.

La música, de André Previn, aporta una partitura muy dinámica, rítmica y colorista. Añade fragmentos de la "Danza del sable" (Khachaturian), "Las Walkyrias" (Wagner), del rock "Itsy-Bitsy Teeny-Weeny". La fotografía, de Daniel L. Fapp ("West Side History"), en B/N y panavisión, mueve la cámara con extraordinaria eficiencia, ofrece con delectación los "gags" visuales y subraya con imágenes las sugerencias sonoras. (Miquel, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

La règle du jeu (Jean Renoir, 1939)


La regla del juego

Ficha Técnica:


Título original:
La règle du jeu (Edición especial)
Año:
1939
País:
Francia
Género:
Drama
Dirección:
Jean Renoir
Guión:
Jean Renoir, Carl Koch
Duración:
110 min


Reparto:


Nora Gregor, Paulette Dubost, Mila Pàrely, Odette Talazac, Claire Gèrard, Anne Mayen, Lise Elina, Jean Renoir


Datos del archivo:


Idioma:
Francés / Español con subs en español (srt y contenedor MKV)
Calidad:
DVDRip (Ripeo propio)
Resolución:
720 x 576
Formato:
MKV
Tamaño:
1,64 Gb

Sinopsis:
1939, París y Sologne. Un aviador, enamorado de una mujer de mundo, no respeta la regla del juego que consiste en salvar las apariencias en una sociedad dividida fundamentalmente en dos clases: los señores y los criados. (FILMAFFINITY)


Última realización de la primera etapa francesa de Renoir. Escribe el guión Jean Renoir en colaboración con Carl Koch. Se inspira en "Les caprices de Marianne" (1883), de Alfred Musset, y en "El juego del amor y del azar" (1730), de Pierre de Mariveaux. Se rueda en Aubigny-sur-Nère (Cher, Francia). Producida por Claude Renoir y Jean Renoir para "Les Nouvelles Editions Françaises" (NEF), se proyecta en público por primera vez en sesión reservada a la prensa el 7-VII-1939 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en el aeropuerto de Le Bourget, Paris y en la finca rústica de La Celinière (Sologne), a lo largo de unos pocos días, en noviembre de 1938. Octave (Renoir), amigo del marqués Robert de La Chesnoye (Dalio) y de su esposa Christine (Gregor), les ruega que inviten a la cacería que van a celebrar en su finca al aviador André Jurieux (Tautain), enamorado de Christine. Entre los invitados se cuentan Geneviève de Marras (Parèly), amante de Robert, Octave, un general, la sobrina Jackie y otros amigos y vecinos. Entre los servidores están el guardabosques Schumacher (Modot), su mujer Lisette (Dubost), el nuevo criado Marceau (Carette) y otros.

El film suma comedia y drama. Combina sátira, vodevil y tragedia. Bajo la apariencia de una inocente farsa campestre, elabora una aguda crítica de la alta burguesía parisina en vísperas de la IIGM. Muestra, sin palabras, cómo la clase dominante esta formada por personas inútiles, frívolas, vanidosas, incompetentes, hipócritas, superficiales y lujuriosas. Así mismo muestra cómo las personas modestas las imitan, asumen sus principios y reproducen sus pautas de conducta. El film se apoya en dos ideas centrales. Observa que todo el mundo miente: los prospectos de las medicinas, los gobernantes, la radio, el cine, los diarios... Las relaciones amorosas son intrascendentes, fútiles, triviales e inocuas. Constituyen, además, un grato motivo de diversión, entretenimiento y distracción. Los juegos del amor se pueden practicar fuera de la pareja, sin riesgos, en una sociedad sofisticada y moderna, si se cumple la regla de oro de salvar las apariencias. Con sutileza e ironía denuncia la condena de la sinceridad, el egoísmo de los privilegiados, la violencia con la que defienden sus prerrogativas, el antisemitismo, la xenofobia, el conservadurismo, etc.

El guión se presenta bien elaborado y muy trabajado. Incorpora, con acierto, ambigüedades, insinuaciones, sutilezas y elegancia. Los diálogos son fluidos y eficaces. Los caracteres están desarrollados con maestría. Todos los personajes presentan algún desgarro: el marqués es judío, su esposa es extranjera, Octavio es un inútil, Geneviève es colérica, el aviador está mal considerado por ser sincero, Lisette es coqueta y casquivana, el guardabosque carece de habilidades personales, etc. El relato traspira amor al campo, a la naturaleza y al teatro. Consigue un gratificante tono de ligereza.

En su conjunto la obra es compleja, completa, rica en recursos expresivos, emocionante y conmovedora.

La música combina fragmentos clásicos (Mozart, Saint-Saëns, Chopin, Monsigny...) y de aires populares. Destacan las composiciones "Danza macabra", "Coros de caza" y "Minuto vals". La fotografía, en B/N, se caracteriza por planos largos, un diligente trabajo de cámara y una extraordinaria profundidad de campo (anterior a la de "Ciudadano Kane", 1941), que permite a Renoir presentar en un único plano varias escenas simultáneas relacionadas. Demuestra afición a la teatralidad (disfraces, muñecos y pájaros mecánicos, colección de instrumentos musicales...). Juega hábilmente con la luz y las sombras. El estreno constituye un fracaso comercial. En los años 60 es reivindicada, se restaura y alcanza una elevada estimación. Película de culto. (Miquel, FilmAffinity)



EXTRAS (VOSE):
Jean Renoir vous presénte La Règle du jeu (05:57)
La regla del juego Análisis de la película (42:34)
Renoir habla de su arte. Entrevista de Jacques Rivette (01:03:45)
CAPTURAS:

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

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