jueves, 5 de abril de 2012

Once (John Carney, 2006)



Una vez

Ficha Técnica:



Título original:

Once

Año:

2006

País:

Irlanda

Género:

Drama. Musical

Dirección:

John Carney

Guión:

John Carney

Duración:

85 min



Reparto:



Glen Hansard, Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerry Hendrick, Alastair Foley, Geoff Minogue, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova.



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 384

Formato:

AVI

Tamaño:

1,89 GB


Sinopsis:
Glen Hansard es un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está trabajando en la tienda de su padre (Bill Hodnett). Durante el día, para ganar algún dinero extra, interpreta conocidos temas para los transeúntes, pero por las noches, toca sus propios temas en los que habla de cómo le dejó su novia. Su talento no pasa desapercibido a Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle. Ella tampoco ha tenido suerte en el amor y, para sentirse un poco mejor, escribe canciones sobre el tema, pero, a diferencia de Glen, nunca las interpreta en público. Glen y Marketa, acaban de improviso haciendo un dueto en una tienda de música, y será entonces cuando descubran que algo les une... (FILMAFFINITY)



2007: Oscar Mejor canción original
2007: Sundance: Premio del Público (Internacional)
2007: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora

"Once" es una película difícil de catalogar. Podría decirse que es un musical, pero encajaría mejor dentro del género "drama". Protagonizada por Glen Hansard, líder del grupo irlandés "The Frames", la pianista y también cantante checa Markéta Irglová, y dirigida por el ex-miembro de "The Frames" John Carney, no puede presumir de tener muchos medios a su favor pero cuenta con algo mucho más importante, y es carisma y alma. Es una obra que reflexiona sobre muchos temas y lo hace tan, tan bien, desde un argumento a priori sencillo: la búsqueda del triunfo, a modo de sueño en lugar de para enriquecerse.

Así, se nos muestra la historia de Glen, un canta-autor que se dedica a tocar sus canciones por las calles de Dublin con la intención de sacarse un dinero extra para facilitar su vida y la de su padre. Una preciosa joven, Markèta, hace migas con él a raíz de un encargo -arreglar una aspiradora- y se van haciendo amigos. Ambos tienen una pasión común y es la música, y nos regalarán momentos sencillamente brillantes, como la primera vez que ambos tocan "Falling Slowly" en la tienda de pianos.

El doble sentido de la historia se añade al ver cómo la relación entre ambos personajes se hace más fuerte, pero no desde la sensiblería, sino desde un punto de vista racial y político: Glen es irlandés y Markèta checa, y la vida de ambos difiere totalmente pese al denominador común. La forma de abordar este tema tan escabroso es muy acertada, dando lugar a un final precioso. La búsqueda de ese sueño, la forma de lograrlo y la música como denominador común.

"Once" es una película pequeña, indie al extremo, pero tan bonita y tan llena de vida que es difícil no dejarse llevar por ella. Y la BSO es, como en todo gran musical, brillante. Eso sí, muchas canciones se repiten y se intentan aplicar al contexto de las escenas que van mostrando, por lo que en ese sentido es algo reiterativa. De todas formas, escenas como la previamente mencionada, el final, o el plano secuencia de Markéta caminando por la noche mientras canta son dignas de ver. Recomendada. (Caith_Sith, FilmAffinity)




CAPTURAS:

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Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Guy Ritchie, 1998)



Juegos, trampas y dos armas humeantes

Ficha Técnica:



Título original:

Lock, Stock and Two Smoking Barrels

Año:

1998

País:

Reino Unido

Género:

Thriller. Crimen. Comedia negra

Dirección:

Guy Ritchie

Guión:

Guy Ritchie

Duración:

106 min



Reparto:



Nick Moran, Jason Flemyng, Jason Statham, Dexter Fletcher, Steven MacKintosh, Frank Harper, Lenny McLean, Vinnie Jones, Sting, P.H. Moriarty



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1280x688

Formato:

MP4

Tamaño:

811 Mb


Sinopsis:
Eddie convence a tres amigos para jugarse sus ahorros en una partida de cartas contra Harry el Hacha, un mafioso del barrio. La partida está amañada, y Eddie no sólo pierde todo el dinero sino que contrae una deuda de medio millón de libras, que debe pagar en el plazo de una semana. El mafioso pretende quedarse con el local de su padre para resarcirse de la deuda, pero los cuatro amigos planean saldarla de una forma mucho más arriesgada. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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http://tinyical.com/mVA
http://tinyical.com/mVB

The Grapes of Wrath (John Ford, 1940)



Las uvas de la ira / Viñas de la ira

Ficha Técnica:



Título original:

The Grapes of Wrath

Año:

1940

País:

Estados Unidos

Género:

Drama

Dirección:

John Ford

Guión:

Nunnally Johnson (Novela: John Steinbeck)

Duración:

129 min



Reparto:



Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, John Qualen, Charley Grapewin



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

512x384

Formato:

AVI

Tamaño:

896 MB


Sinopsis:
Tom Joad (Henry Fonda) regresa a su hogar tras cumplir condena en prisión, pero la ilusión de volver a ver a los suyos se transforma en frustración al ver cómo los expulsan de sus tierras. Para escapar al hambre y a la pobreza, la familia no tiene más remedio que emprender un larguísimo viaje lleno de penalidades con la esperanza de encontrar una oportunidad en California, la tierra prometida. (FILMAFFINITY)



1940: 2 Oscars: Mejor director, actriz secundaria (Jane Darwell). 7 nominaciones
1940: National Board of Review: Mejor película
1940: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película


Uno de los films culminantes de John Ford (1884-1973). El guión, de Nunnally Johnson (“Tierra de audaces”, King, 1939), adapta la novela “The Grapes of Wrath” (1939), de John Steinbeck, ganadora del Pulitzer. Se rueda en escenarios naturales de Oklahoma, Arizona (Petrified Forest National Park), Nuevo Méjico y California (Iverson Ranch, San Fernando Valley...) y en los platós de Fox Studios (Century City, L.A., CA). Nominado a 7 Oscar, gana dos (director y actriz de reparto). Producido por Darryl F. Zanuck y Nunnaly Johnson para la Fox, se ofrece en sesión de preestreno el 24-I-1940 (NYC).

La acción tiene lugar en el recorrido de 1.600 km. de carretera, de la ruta 66 (que une el NE y el SO del país). Salen de Oklahoma, pasan por Arizona y Nuevo Méjico y llegan a California. La familia Joad abandona sus tierras de Oklahoma, que les han sido arrebatadas por banqueros y terratenientes, y se dirigen a California donde esperan encontrar trabajo como temporeros en la recogida de fruta y algodón. Viajan en una camioneta destartalada Pa Joad (Simpson), la madre Ma Joad (Darwell), el hijo mayor Tom (Fonda), el hijo Al (Whitehead), la hija casada y embrazada Rosasharn (Bowdon), su marido, Casy (Carradine) amigo de Tom, los abuelos, dos nietos, etc.

El film presenta un drama de miseria, desarraigo, marginación, lucha y esperanza, de una familia arrancada de sus tierras de Oklahoma a causa de la crisis económica de los años 30. Ford compone un retrato magistral e impresionante de las consecuencias económicas y humanas de la Gran Depresión que siguió al crack de la Bolsa de Nueva York del 24-X-1929. Crea una composición conmovedora que sitúa al espectador a la época en la que el país y el resto del mundo se ven azotados por la miseria, el paro y la recesión económica. La historia es dura, los sufrimientos de los protagonistas durante el viaje son enormes, el trato xenófobo que como forasteros reciben a lo largo del recorrido y en los lugares de destino son irritantes, etc. Éstos y otros hechos no menos graves permiten a Ford construir un fresco realista, objetivo, detallado y demoledor de cómo fue la vida de los desheredados durante casi una década. A ello se añade el patetismo de la búsqueda de un paraíso en la tierra que no existe. La narración se presenta desde el punto de vista de Tom (Fonda), el hijo mayor y protagonista del film.

El crack de 1929 marca el inicio de una larga etapa de crisis y recesión, en la que proliferan el paro, la pobreza, el hambre y la desesperación. Se volatilizan patrimonios, se producen quiebras de empresas, cierres de fábricas, fallidas de negocios, etc. Hay desapariciones y suicidios. Sobre todo hay trabajadores de la industria y los servicios que se ven abocados al paro, sin posibilidad de encontrar trabajos alternativos, sin coberturas sociales y sin ingresos suficientes para subsistir.

El infortunio se ceba en las capas más débiles de la sociedad, como es el caso de los pequeños granjeros, desposeídos de sus tierras, y de los trabajadores del campo hundidos en la desesperación. De su desgracia se lucran personas desaprensivas y codiciosas. Como desplazados son víctimas de tratos degradantes y xenófobos.

La descripción de caracteres es magnífica: los protagonistas están bien definidos y son entrañables. La madre es cariñosa y pragmática; el padre vive resignado; y Tom tiene iniciativa, fuerza interior, lucidez y una gran curiosidad. Ford con su extraordinaria capacidad narrativa ofrece una descripción emocionante de la realidad de aquellos años y crea un relato de víctimas, en el que no hay ni héroes, ni salvadores, ni milagros. No hace ninguna concesión a la demagogia. Se limita a trasladar a la pantalla con objetividad y verismo una realidad histórica lacerante. El film es un magnífico trabajo de realismo social. Las interpretaciones de Fonda y Darwell destacan por su solvencia, naturalidad y credibilidad. Es memorable el diálogo de Tom y su madre hacia el final del metraje. La obra hace referencia al mito del Éxodo, al de la Tierra Prometida (“que mana leche y miel”) y a otras figuras bíblicas. Se inspira en la Odisea y prefigura films posteriores, como “El gran combate” (Ford, 1964).

La película denuncia la utilización de las fuerzas públicas del orden al servicio de intereses privados de los poderosos, la ausencia de sentido humanitario y solidario de los poderosos, la pavorosa insuficiencia de los recursos públicos aplicados a aliviar la situación de los más débiles, etc. Elogia la capacidad de lucha y supervivencia de una familia que representa a todas las familias desheredadas del país y del mundo, de la época y de todos los tiempos, las manifestaciones de solidaridad puntual (más caritativas que solidarias) de numerosas personas (escena del bar), la progresiva conciencia que adquiere Tom sobre la necesidad de acompañar la lucha individual y familiar con la lucha sindical a favor de la justicia social. El film, además de información sobre una época determinada, aporta elementos de juicio y bases de reflexión sobre una realidad (pobreza, miseria, hambre y emigración forzosa), que afecta al mundo de hoy (Tercer y Cuarto Mundo).

La banda sonora, de Alfred Newman, ofrece una partitura dramática y nostálgica, que incorpora ocasionalmente melodías country y diversas marchas. Como música adaptada, ofrece dos canciones: una tradicional (“Going Down The Road Feeling Bad”) y otra anónima, que canta Henri Fonda (“Red River Valley”). La fotografía, de Gregg Toland (“Ciudadano Kane”, 1941), en B/N, crea imágenes de extraordinaria belleza plástica, cuida el sentido documentalista y compone imágenes de soledad y desolación excepcionales (marcha de Tom campo a través), desoladoras e hirientes (niños hambrientos) y deprimentes (colas de desamparados). Ofrece una excelente resolución de imagen a niveles muy bajos de luz. (miquel, FilmAffinity)




CAPTURAS:

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L'illusionniste (Sylvain Chomet, 2010)




El ilusionista

Ficha Técnica:

Título original:

L'illusionniste

Año:

2010

País:

Francia, Reino Unido

Género:

Animación, Comedia dramática. Magia

Dirección:

Sylvain Chomet

Guión:

Jacques Tati, Sylvain Chomet

Duración:

80 min

Reparto:


Datos del archivo:

Idioma:

Inglés-francés-gaélico con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x456

Formato:

MKV

Tamaño:

380 MB


Sinopsis:
Segunda película del director de "Bienvenidos a Belleville", basado en un guión de Jacques Tati que nunca fue producido. Cuenta la historia de un viejo mago que trata de no defraudar a una niña convencida de que sus trucos de magia son reales. (FILMAFFINITY)

2010: Oscar: Nominada a la Mejor película de animación
2010: Premios Annie: 5 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión
2010: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación


Capturas:


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Holy Flying Circus (Owen Harris, 2011)



Holy Flying Circus

Ficha Técnica:



Título original:

Holy Flying Circus

Año:

2011

País:

Reino Unido

Género:

Comedia. Drama.

Dirección:

Owen Harris

Guión:

Tony Roche

Duración:

89 min



Reparto:



Charles Edwards, Darren Boyd, Jason Thorpe, Rufus Jones, Mark Heap, Steve Punt, Tom Fisher, Phil Nichol, Simon Greenall, Michael Cochrane, Stephen Fry



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 320

Formato:

AVI

Tamaño:

698 MB


Sinopsis:
Película para televisión de 90 minutos basada en la enorme polémica que en 1979 rodeó "La vida de Brian". Una dramatización del genial debate televisivo que enfrentó a los miembros de los Monty Python: John Cleese y Michael Palin en contra del obispo anglicano Mervyn Stockwood y el periodista católico Malcolm Muggeridge. La película examina la preparación de dicho debate y la controversia en torno a esta film considerado "herético, blasfemo, satírico e irreverente". (FILMAFFINITY)


Es una pena que el director no se decidiera por hacer una película biográfica y se dedique a añadirle sketchs en plan Monty que están muy lejos de la calidad de los auténticos y a veces dan cierta vergüenza ajena (las apariciones de Jesucristo y dios), además de algún personaje secundario que tiene que estar exagerado por narices (los ultrareligiosos, el del síndrome de ture y el tartamudo).

Tampoco las interpretaciones son nada del otro mundo. El tipo que hace de Graham Chapman está por estar, un personaje totalmente desaprovechado y el de Terry Gilliam pasa desapercibido. Eric Idle no se parece en nada, pero su voz está bastante bien conseguida. Terry Jones físicamente tiene un aire y Michael Palin que es casi el protagonista absoluto de la película es un personaje la mayoría de las veces bastante anodino.

Pero la película se salva por Darren Boyd, el actor que hace de John Cleese, que además de haberse trabajado el parecido, su voz y sus gestos son clavados, su actuación es extraordinaria y llega un momento en que realmente te crees que es Cleese.

Por lo demás, quitando esos momentos absurdos que desentonan totalmente es más o menos lo que paso y el enfrentamiento televisivo con el obispo está realmente bien conseguido si se compara con los originales que están en Youtube.

Recomendable para fans de los Python sobre todo, repito, por la magnífica performance de Darren Boyd, puro Cleese. (Hawkmenblues)




CAPTURAS:

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Five Graves to Cairo (Billy Wilder, 1943)



Cinco tumbas al Cairo

Ficha Técnica:



Título original:

Five Graves to Cairo

Año:

1943

País:

Estados Unidos

Género:

Intriga. Espionaje. Bélico

Dirección:

Billy Wilder

Guión:

Charles Brackett & Billy Wilder

Duración:

91 min



Reparto:



Franchot Tone, Erich von Stroheim, Anne Baxter, Akim Tamiroff, Peter Van Eyck, Fortunio Bonanova, Konstantin Shayne, Peter Van Eyck, Fred Nurney, Miles Mander



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt y contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 576

Formato:

MKV

Tamaño:

2,06 GB


Sinopsis:
Durante la Segunda Guerra Mundial, en Junio de 1942, el ejército británico se retira del Norte de África ante el victorioso avance de Rommel, dejando un único hombre detrás de sus líneas, en el desierto entre Libia y Egipto. John Bramle, único superviviente del equipo de un tanque capturado por los alemanes, busca refugio en un remoto hotel perdido en pleno desierto... (FILMAFFINITY)



1943: 3 nominaciones al Oscar: Fotografía (B&W), direcc. artíst. (B&W), montaje

Tercera realización de Billy Wilder. Se basa en la comedia "Hotel Imperial", de Lajos Biró. Se rodó en el desierto de Arizona y en los Paramount Studios, con un presupuesto de 1 M dólares. Obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (montaje, dirección artística b/n y fotografia b/n). Producida por Charles Brackett (coguionista), se estrenó el 4-V-1943 (EEUU).

La acción tiene lugar en el desierto de Libia, entre junio y octubre de 1942. Narra la historia del cabo John J. Brombel (Franchot Tone), superviviente de la caída de Tobruck en manos de las tropas nazis. Brombel, empleado de la sección de reclamaciones de una campoñía de seguros de Londres, es una víctima de la guerra, trata de sobrevivir sin heroismo y suplanta la personalidad de un camarero, Paul Davos. Siente aversión por la figura del mariscal, por lo que emprende una arriesgada aventura de espionaje. Erwin Rommel (Erich von Stroheim) es un personaje aterrador y abominable, diabolicamente inteligente. La camarera Mouche (Anne Baxter, 19 años), francesa, frágil y cautelosa, suplica compasión a Rommel sin resultado y se mueve entre dos amores. El encargado del hotel es el egipcio Farid, voluble, servil y acomodaticio.

La película construye un absorbente relato de intriga, espionaje y acciones bélicas (sin combates). Sitúa la acción en un hotel del desierto, aislado y claustrofóbico. En su interior se desarrolla la vida de un conjunto de personas amorales, cínicas, crueles y enigmáticas, que satura el ambiente de cobardía, traiciones, engaños y perversidad. La intriga va en aumento con el doble robo de una pistola, la pulsación de un secreto militar nazi, el odio que suscita la personalidad de Rommel, la suplantación de identidades y los sentimientos crecientres de venganza. El espionaje alemán y el británico añaden elementos de tensión, duda e incertidumbre. El relato está salpicado de mordacidad y sarcasmo, que se ceba en la descripción de la personalidad de Rommel, en contraste con la de Mouche. La ironía suma elementos absurdos y de humor negro. El general italiano Sebastiano (Fortunio Bonanova) es objeto de ridiculización por parte del mariscal y de los guionistas. Son memorables la secuencia inicial, la escena fuera de campo (un foco de luz deslumbra al espectador para que no vea lo que ocurre en el escenario), la ronda de 20 preguntas a Rommel y otras.

La música, de M. Rozsa, ofrece composiciones de aire marcial, solemne, épico y romántico, integradas en la acción. La fotografía, de John F. Seitz ("Perdición"), crea ambientes sórdidos y siniestros, de luces tenues contrastadas con negros intensos. Hace uso de una acertada iluminación y de inquisitivos movimientos de cámara. El guión construye un ambiente perturbador, mortífero y rechazable, que anima la moral cívica y militar aliada. La interpretación de Stroheim es antológica. La dirección apunta la fuerza que desarrolla unos meses después en "Perdición" (1944). (Miquel, FilmAffinity)




CAPTURAS:

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The Lost Weekend (Billy Wilder, 1945)



Días sin huella

Ficha Técnica:



Título original:

The Lost Weekend

Año:

1945

País:

Estados Unidos

Género:

Drama, Alcoholismo

Dirección:

Billy Wilder

Guión:

Charles Brackett & Billy Wilder (Novela: Charles R. Jackson)

Duración:

101 min



Reparto:



Ray Milland, Jane Wyman, Philip Terry, Doris Dowling, Frank Faylen, Howard da Silva, Mary Young, Anita Bolster, Lilian Fontaine, Frank Orth, Audrey Young



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con español (srt) inglés, italiano (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 576

Formato:

MKV

Tamaño:

1,37 GB


Sinopsis:
Don Birnam (Ray Milland) es un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido física y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Es capaz de todo con tal de conseguir dinero para seguir bebiendo, llegando a robar a sus amigos e incluso a Helen St. James (Jane Wyman), una hermosa mujer que está enamorada de él e intenta regenerarlo. También intenta ayudarlo su hermano Wick (Phillip Terry), pero todos los esfuerzos parecen estériles. (FILMAFFINITY)



1945: 4 Oscars: Mejor película, director, actor (Ray Milland), guión adaptado. 7 nom.
1945: Globos de Oro: Mejor película: Drama
1945: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película
1946: Festival de Cannes: Gran Premio del Festival (Ex-aequo). Mejor actor (Ray Milland)


Quinto largometraje de Billy Wilder, es uno de los trabajos más destacados de su etapa negra. El guión, de Charles Brackett y Billy Wilder, adapta la novela “The Lost Weekend” (1944), de Charles R. Jackson (1902-1968), que Wilder había adquirido para pasar el rato durante un viaje en tren. Se rueda en las calles de NYC, interiores naturales de la ciudad (Hospital Bellevue, Harry and Joe’s Bar...) y en platós de Paramount Studios (Hollywood, L.A.), con un presupuesto de 1,25 M USD, Nominado a 7 Oscar, gana 4 (director, película, guión adaptado y actor). Producido por Charles Brackett para Paramount, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 16-XI-1945 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en NYC a lo largo de 5 días, de comienzos del otoño de 1944-45 (entre finales de septiembre y principios de octubre). El film suma drama, romance y dipsomanía (tendencia irresistible al consumo abusivo de bebidas alcohólicas). Presenta una descripción realista, verosímil y convincente del comportamiento humano y de los mecanismos que los desarrollan. Es muy brillante la explicación laudatoria del estado de embriaguez, que Wilder pone en boca de Milland. Valkiria en su excelente comentario del film reproduce el monólogo de referencia, que conviene leer pausadamente.

La obra marca un hito dentro del cine e influye en los films posteriores sobre
adicciones: “El hombre del brazo de oro”, “Días de vino y rosas”, “Living Las Vegas”, etc. Posiblemente es el que ofrece una mejor descripción del malestar psíquico y del estado subjetivo del adicto. El film presenta un detallado análisis de la debilidad humana, uno de los temas constantes del realizador. A lo largo de su filmografía la trata desde diversos puntos de vista y en relación a temas diferentes: la heroína de Sherlock Holmes, la codicia de Phyllis Nirdlinger, la infidelidad programada de Wendell Armbruster y Pamela Pigott, la pasión por la fama de Dino Latino, etc. Incorpora citas cultas de pintura (Van Gogh), escultura (Miguel Ángel), teatro (Shakespeare), compositores (Schuman, Beethoven, Grieg...), pianistas legendarios (Horowitz), etc. Elogia la afición a la ópera y a la música culta (barroca, clásica, romántica ...). En el apartamento cuelga una reproducción de “Los girasoles”, de Van Gogh.

El papel protagonista se ofrece en primer lugar a Cary Grant y luego a José Ferrer. Ambos declinan la invitación porque temen que perjudique su imagen. La tercera opción es la de Ray Milland, un actor que no estaba entre los primeros, pero que encaja bien en el personaje y que compone el que para muchos es el papel de su vida. Sus intervenciones llenan la pantalla y desplazan a un segundo plano la interpretación discreta de Jane Wyman y la de los secundarios Harold da Silva (Nat), Doris Dowling (Gloria), etc. Por su calidad e interés, el film se aproxima a los niveles de las mayores obras de Wilder (“Perdición”, “El crepúsculo de los dioses”, “El apartamento”...).

La seriedad del protagonista y de la cinta no impiden un salpicado de humor a cargo del encargado de la guardarropía, la deliberada sugestión que provoca el champán frío en una mañana calurosa, el acuerdo entre prestamistas de creencias religiosas diferentes, etc.

Donald “Don” Birnam (Milland) es un novelista sin inspiración, acogido por su hermano Wick (Terry) en su apartamento, que en los últimos 6 años ha desarrollado una adicción al alcohol que arruina su salud, su capacidad de escribir y sus posibilidades de convivencia. Para conseguir alcohol es capaz de romper con lo que más aprecia y con sus normas de conducta: asalta, engaña, miente, etc. El espectador le acompaña al bar, la ópera, el piano-bar, etc. y es testigo de su conducta. Tiene 33 años, fue un estudiante brillante, obtuvo premios en el Instituto y, cuando está sobrio, es encantador. Helen, que trabaja en un diario, es una mujer constante, sacrificada y luchadora. Constituye la segunda colaboración de Wilder con Milland, (“El mayor y la menor”)

Explica el proceso de turbación y angustia creciente que se apodera del protagonista, de su ansiedad y del tormentoso “delirium tremens”. El realizador resuelve las escenas culminantes con sencillez y una poderosa eficacia visual: las imágenes aportan más información de lo que parece y de lo que comúnmente se cree. Hace uso de elipsis terminantes, que agilizan el relato. La película consigue un gran éxito de público y crítica.

La banda sonora, de Miklós Rózsa, hace uso de un moderno instrumento electrónico (el theremin) en los momentos de las crisis etílicas. La partitura es dramática e inquietante. Añade un fragmento de la festiva primera aria del primer acto de “La Traviata”, de Verdi, y dos canciones del momento: “It Was So Beautiful” y “Louise”, ambas a cargo de un vocalista del piano-bar. La fotografía, de John F. Seitz (“Perdición”), ofrece imágenes que tratan de reproducir la visión turbia y confusa de un embriagado. Impregna la narración de realismo al rodar en las calles de NYC (3ª Avenida) con cámaras ocultas. Con frecuencia usa luces posteriores, que perfilan las siluetas y crean ambientes deprimentes. La proyección comienza con un giro de cámara, de izquierda a derecha, desde la ventaja del apartamento. Muestra la parte superior de rascacielos y grandes edificios de Manhattan, con los que compone una visión fantasmal propia de un borracho. Al final la cámara reproduce el giro del principio en dirección inversa, aportando un sentido sugerido que altera el significado directo (aunque ambiguo) del final aprobado por la censura.


Bibliografía

- Philip KEMP, “Días sin huella”, ‘1.001 películas que hay que ver antes de morir’ (Steven Jay Schneider), págs. 212, Grijalbo ed., Barcelona 2006 (La versión original en inglés es de 2003).
- Quim CASAS, “Wilder en negro”, ‘Dirigido por’, nº 312, págs. 62-65, mayo 2002.
- Ángel FERNÁNDEZ SANTOS, “Días sin huella”, ‘El País’, 28-V-1987




CAPTURAS:

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23 Paces to Baker Street (Henry Hathaway, 1956)



A 23 pasos de Baker Street

Ficha Técnica:



Título original:

23 Paces to Baker Street

Año:

1956

País:

Estados Unidos

Género:

Intriga. Policíaco, Thriller psicologico

Dirección:

Henry Hathaway

Guión:

Nigel Balchin (Novela: Philip MacDonald)

Duración:

103 min



Reparto:



Van Johnson, Vera Miles, Cecil Parker, Patricia Laffan, Maurice Denham, Estelle Winwood, Liam Redmond, Isobel Elsom, Martin Benson, Natalie Norwick



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 448

Formato:

MKV

Tamaño:

0,97 GB


Sinopsis:
Phillip Hanon (Van Johnson), un escritor norteamericano ciego que vive en Londres, escucha por casualidad una conversación sobre un secuestro. Después de acudir en vano a la policía, decide encargarse personalmente de la investigación. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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Intolerance (David W. Griffith, 1916)



Intolerancia

Ficha Técnica:



Título original:

Intolerace (Version UK 2000 video release)

Año:

1916

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Cine mudo

Dirección:

David W. Griffith

Guión:

David W. Griffith

Duración:

178 min



Reparto:



Lillian Gish, Mae Marsh, Robert Harron, Constance Talmadge, Miriam Cooper, Alfred Paget, Walter Long, Seena Owen, Elmo Lincoln, Bessie Love



Datos del archivo:



Idioma:

Muda con intertitulos en inglés y subs en español (srt y contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 592

Formato:

MKV

Tamaño:

2,54 GB


Sinopsis:
Clásico del cine mudo que muestra a través de varios episodios históricos las injusticias provocadas por la intolerancia religiosa y social. La idea inicial de Griffith era narrar las sangrientas huelgas de 1912 en EE.UU. (un huelguista es acusado de la muerte de su patrón), pero después decidió rodar tres episodios más: "La caída de Babilonia, "La Pasión de Cristo" y "La noche de San Bartolomé" (sangriento episodio de las luchas entre hugonotes y católicos que tuvo lugar en París en 1572). De presupuesto y recursos desmesurados para la época -una sola escena reunió a 15.000 extras y 250 carros- aún hoy sigue asombrando por su espectacularidad. (FILMAFFINITY)


La película relata alternativamente cuatro historias de injusticia: la matanza de los hugonotes en Francia la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores contemporánea y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque de Ciro II el Grande, rey del Imperio persa.

Estas cuatro tramas son enlazadas por la imagen de una mujer que mece una cuna. A medida que las historias van llegando a su clímax, Griffith hace más rápido el montaje alternado, con secuencias cada vez más cortas, y creando una tensión hacia el desenlace de las cuatro historias. La película destaca por sus escenas grandilocuentes. Sin embargo Intolerancia tuvo grandes pérdidas, pues su éxito no fue el esperado.

Y esto porque la estructura era demasiado compleja y la pretensión intelectual y moralizante de crear una reflexión abarcando toda la historia de la humanidad, fue mal entendida por quienes pedían al cine entretenimiento, intriga y emociones por encima del comentario moral.

Griffith planteó para cada episodio un estilo estético diferente, que conjugaba las grandes masas y decorados, procedentes del peplum italiano, inspiradas sobre todo en Cabiria (1914), con las escenas intimistas de la historia situada en la tragedia familiar de la historia del huelguista acusado injustamente de asesinato.

El filme fue alabado por la crítica, aunque su mensaje pacifista fue rechazado en una Europa inmersa en la Primera Guerra Mundial y por sectores proclives al intervencionismo de la sociedad estadounidense. Sin embargo la influencia posterior de esta obra fue enorme, en partícular para el cine del constructivismo de la Unión Soviética. La escuela del montaje de atracciones del cine soviético de Lev Kuleshov, Dziga Vertov, Einsestein, Pudovkin o Dovzhenko se desarrolló en parte gracias al estudio de esta magna obra.

La película era una respuesta a las acusaciones de racismo de que fue objeto su anterior película El nacimiento de una nación, en cuyo final, unas mujeres a punto de morir, secuestradas por un hombre de raza negra, eran salvadas in extremis por el Ku Klux Klan. Por ello intentó, en un film de mayor envergadura si cabía, lanzar un mensaje humanista y pacifista.

La aportación de esta película a la técnica cinematográfica es indiscutible. La película es un intento de profundización en el montaje alterno y la técnica de la persecución y el rescate en el último minuto, que eran las marcas de fábrica del cine de Griffith, y le habían dado tan buen resultado en anteriores filmes, como El nacimiento de una nación.

Así, se podría decir que todos los recursos artísticos y técnicos que habían sido empleados por el realizador en su obra previa, se encuentran en esta película. El resultado es una polifonía con cuatro temas intercalados que van componiendo un trepidante crescendo conforme avanza la película. Todo ello con una gran puesta en escena, donde grandes masas de actores son dirigidas entre decorados gigantescos, como el de Babilonia, cuyas murallas alcanzaban los cien metros de altura. En la escena del ataque persa se movilizaron 16.000 figurantes, con un coste de producción que osciló, dependiendo de las fuentes manejadas, entre uno y dos millones de dólares de la época. Tales gastos supusieron un fiasco financiero del que Griffith nunca se recuperó totalmente, pues él corría con todos los riesgos de la producción. De hecho, a partir de esta película, serían los productores quienes pasarían a dominar el mundo del cine estadounidense, con la aparición de las grandes productoras de Hollywood y el star-system, una vez que la industria cinematográfica europea había sido reducida a cenizas tras la Gran Guerra. (Wikipedia)




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