miércoles, 4 de abril de 2012

When the Wind Blows (Jimmy T. Murakami, 1986)



Cuando el viento sopla

Ficha Técnica:



Título original:

When the Wind Blows

Año:

1986

País:

Reino Unido

Género:

Animación. Drama. Bélico

Dirección:

Jimmy T. Murakami

Guión:

Raymond Briggs (Novela gráfica: Raymond Briggs)

Duración:

84 min



Reparto:



No tiene



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 576

Formato:

MKV

Tamaño:

1 GB (Extras: 1,04 GB)


Sinopsis:
Jim y Hilda Bloggs son una pareja de jubilados que viven en una remota zona rural de Gran Bretaña poco antes del inicio de una guerra nuclear. Profundamente patriotas, tienen absoluta confianza en su gobierno y se han informado sobre todo de qué es necesario hacer en caso de que el enemigo ataque su país. Jim ha leído los folletines oficiales sobre la la bomba atómica, e inicia la construcción de un refugio que les protegerá en caso de una explosión nuclear. (FILMAFFINITY)



1987: Festival de Annecy: Mejor largometraje


EXTRAS (VOSE):
The Wind and the Bomb. Making Off (24:18)
Entrevista a Raymond Briggs (13:48)
CAPTURAS:

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Enlaces de descarga:

Faust - Eine deutsche Volkssage (F.W. Murnau, 1926)




Fausto

Ficha Técnica:



Título original:

Faust - Eine deutsche Volkssage (The Masters of Cinema Series)

Año:

1926

País:

Alemania

Género:

Fantástico. Terror. Drama

Dirección:

F.W. Murnau

Guión:

Hans Kyser (Novela: Johann Wolfgang Goethe)

Duración:

100 min



Reparto:



Emil Jannings, Gösta Ekman, Camilla Horn, Wilhelm Dieterle, Yvette Guilbert, Frieda Ricard



Datos del archivo:



Idioma:

Muda con intertitulos en aleman y subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 592

Formato:

MKV

Tamaño:

1,73 GB


Sinopsis:
Relata la historia de un célebre pensador que después de buscar sin descanso la esencia del conocimiento y la verdad oculta de las cosas, es tentado por el diablo y vende su alma. (FILMAFFINITY)




Inicialmente el largometraje, con guión de Hans Kyser, iba a ser dirigido por Ludwig Berger, pero Erich Pommer, el productor, acabará confiándoselo a Murnau, que mostró desde un principio un enorme interés por el proyecto. De hecho, en aquel entonces es un joven director de 38 años que había firmado obras maestras de la talla de Nosferatu (1921), El último (1924) o Tartufo (1925). Además contó con el apoyo de un Emil Jannings, protagonista de estas dos últimas, muy interesado en interpretar el papel de Mefisto.

La extrema meticulosidad de Murnau hizo que la preparación de Fausto se alargase durante dos años, a los que se agregaron nueve meses de rodaje. El hecho de que el realizador pensó en Lillian Gish como protagonista principal y su imposibilidad para contratarla, le llevaron a una larga búsqueda hasta que encontró a la joven Camilla Horn, a pesar de que el rodaje ya había comenzado. Pero el gran desafío fue la compleja concepción visual de la película, que supuso un amplio despliegue de decorados, maquetas y efectos especiales, para los que el director alemán contó de nuevo con Robert Herith y Walter Röhrig, los escenógrafos de El último y Tartufo —además el segundo fue uno de los decoradores de El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919)—. La paciencia del equipo técnico resistió interminables sesiones, donde una misma toma se repetía innumerables veces hasta lograr el resultado deseado, y aún más si ésta iba acompañada de efectos visuales, como recoge Luciano Berriatúa en su magnífico estudio Los proverbios chinos de F. W. Murnau (Filmoteca Española, 1990).

Secuencias como el Diablo cercando la ciudad, el anciano Fausto envuelto en anillos de luz cuando invoca a Mefisto o éste y Fausto en una capa sobrevolando la tierra. Su obsesión por la perfección también alcanzó a los actores, planificándoles cada gesto, cada movimiento, provocando no en pocas ocasiones conflictos, sobre todo con caprichosas estrellas cotizadas de la talla de Emil Jannings, que a pesar de su gran amistad con el director, tenía fama de ser "profundamente antipático, vanidoso, pretencioso, perezoso, arrogante y tiránico" según el testimonio de Robert Chessex, meritorio de Murnau, y reproducido por Berriatúa en su citada monografía (p. 331). De ahí que el autor de El último prefiera trabajar con actores no profesionales en muchas ocasiones.

Fotografiada espléndidamente por Carl Hoffmann, Fausto es, una vez más, un ejemplo de la asombrosa capacidad visual y narrativa de Murnau. De hecho, hay dos elementos decisivos que influirán profundamente en el pensamiento artístico del genio alemán. Es un hombre culto, con un gran conocimiento de la pintura y que frecuenta los círculos artísticos del Berlín de la época, en los que conoce a Franz Marc, uno de los fundadores del grupo Der Blau Reiter o al propio Kandinsky, entre otros. Por otro lado, su extenso bagaje teatral (entre los años 1911 y 1913) en la compañía del que es su maestro, Max Reinhardt, también director de cine e impulsor de la Kammerspiel, concepción de un teatro intimista que, entre otras pautas, da prioridad a la psicología, a la atmósfera, a las luces y las sombras y a los decorados realistas.

De ahí que las películas de Murnau adquieran el estatus de pinturas en movimiento, a lo que contribuye, si cabe aún más, su deseo por un mínimo uso del rótulo en beneficio de la expresión de la propia imagen. Para estructurar sus escenas, no solo recurre a los grandes maestros del arte (en Fausto hay referencias a Caspar David Fiedrich, Rembrandt, Alfred Kubin o Arnold Böcklin, entre otros), sino a las estrategias estéticas de la propia pintura: Las composiciones en diagonal que a veces recalca con picados y contrapicados (por ejemplo, el encuentro entre el Arcángel y Mefisto), el uso de líneas oblicuas que fugan hacia el horizonte para transmitir una mayor perspectiva a las escenas, la disposición y combinación dentro de un espacio de elementos o grupos humanos que equilibran el encuadre a la vez que dan una mayor profundidad o la utilización de polos opuestos para enfatizar secuencias y personajes, es decir, el blanco y negro o la luz y la sombra: la esbelta figura del Arcángel, blanco, luminoso frente al deforme Diablo, negro y oscuro. Si con esa apariencia Mefisto adquiere un tono amenazante, más adelante, con Fausto rejuvenecido, se convertirá en una grotesca y maléfica figura.

De esta guisa el Diablo intentará cortejar a Marthe (Yvette Guilbert) en la única secuencia con algunos toques de humor. Asimismo provocará el engaño y la desgracia, con la muerte de la madre y el hermano de la protagonista, Valentin (Wilhelm Dieterle, en Hollywood, William, y futuro director de espléndidas películas como Esmeralda la zíngara, 1939 o Jennie, 1948). Porque la película refleja la lucha de dos fuerzas tan antagónicas como el bien y el mal, y su paradójico zigzagueo a lo largo del metraje: Fausto pacta con el Diablo por su imposibilidad de encontrar el remedio contra la peste, a pesar de haberle dedicado su vida a la ciencia. Cuando Mefisto le proporciona el poder curativo, más tarde se descubre su terrible alianza y sufre el rechazo del pueblo; o esa parte, en la que Fausto rejuvenecido y enamorado de Gretchen recibe la ayuda del Diablo para después arrebatarle a la amada, hundiéndola en la desdicha. Con su sacrificio en la hoguera Fausto no sólo obtiene la redención, sino que los amantes sellan su unión eterna.

Redención que culminará con un nuevo encuentro entre sombras: el Arcángel alzando su espada cierra el paso al Diablo, que aún lleva el pacto en su mano. El mensajero alado le dice a Mefisto que hay una palabra que destruye su alianza, esa "que resuena con júbilo en la creación, la que acalla cualquier pena y dolor, la palabra que aplaca toda culpa humana, la palabra eterna, ¿no la conoces?". Un agónico Mefisto lanza un grito desesperado por saber cual es. En esos momentos, de una luz en el cielo, entre destellos, surge la palabra: amor.

(Carlos Tejada, http://www.kane3.es/cine/fausto-y-el-diablo-paseando-bajo-la-atenta-mirada-de-murnau.php)



CAPTURAS:
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 https://1fichier.com/?836nox7r8h
Extras (Masters of Cinema Series 1,32 GB ENG):
https://1fichier.com/?7ztcmakmrn 

The Odd Couple (Gene Saks, 1968)



La extraña pareja

Ficha Técnica:



Título original:

The Odd Couple

Año:

1968

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Gene Saks

Guión:

Neil Simon

Duración:

105 min



Reparto:



Jack Lemmon, Walter Matthau, John Fiedler, Herbert Edelman, Monica Evans, Carole Shelley



Datos del archivo:



Idioma:

Español/Inglés con subs en español (srt y Contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 432

Formato:

MKV

Tamaño:

1,11 GB


Sinopsis:
Dos divorciados deciden compartir un apartamento en Nueva York, pero sus ideas sobre cómo trabajar en la casa y sus estilos de vida son como la noche y el día. Lemmon es el meticuloso y desesperante Félix, y demuestra que su obsesión por la limpieza y el orden bordea la locura. Matthau incorpora a Oscar, capaz de desordenar un apartamento a la velocidad de un tornado. (FILMAFFINITY)


CAPTURAS:
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Slap Shot (George Roy Hill, 1977)



El castañazo / Todo vale

Ficha Técnica:

Título original:

Slap Shot

Año:

1977

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia. Deporte.

Dirección:

George Roy Hill

Guión:

Nancy Dowd

Duración:

122 min

Reparto:

Paul Newman, Michael Ontkean, Lindsay Crouse, Jennifer Warren, Jerry Houser, Strother Martin, Melinda Dillon, Andrew Duncan

Datos del archivo:

Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt y contenedor MKV), inglés y portugués (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 544

Formato:

MKV

Tamaño:

1,88 GB (Extras: 89 MB)


Sinopsis:

Newman es un veterano jugador y entrenador de un equipo de hockey sobre hielo. Las derrotas se suceden hasta que decide aplicar la más brutal de las tácticas: aconsejar a sus jugadores que jueguen como verdaderos animales durante los partidos, sin importar si la violencia que emplean es o no legal. Divertida y muy bien interpretada, fue duramente criticada en su estreno por su violento y extremadamente liberal mensaje. (FILMAFFINITY).
"Sátira feroz acerca del deporte de competición, con un extraordinario Paul Newman. Un filme que arrastra un guión algo desajustado, pero que derrocha desfachatez, sarcasmo, diversión y mala uva" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

EXTRAS:
Charla sobre Hockey con los Hanson (04:56)
Dos trailers

CAPTURAS:

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Dr. Strangelove (Stanley Kubrick, 1964)



¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú / Doctor Insólito o: Como aprendí a no preocuparme y amar la bomba

Ficha Técnica:



Título original:

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Edición especial)

Año:

1964

País:

Reino Unido

Género:

Comedia. Bélico. Guerra Fría

Dirección:

Stanley Kubrick

Guión:

Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George (Basado en una novela de Peter George)

Duración:

91 min



Reparto:



Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, James Earl Jones, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, Tracy Reed, Jack Creley, Frank Berry, Glenn Beck, Shane Rimmer, Paul Tamarin, Gordon Tanner, Robert O'Neil, Roy Stephens



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español, inglés, italiano y portugues (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 624

Formato:

AVI (Extras: MKV)

Tamaño:

1,18 GB (Extras: 933 MB)


Sinopsis:
Convencido de que los comunistas están contaminando los Estados Unidos, un general ordena, en un acceso de locura, un ataque aéreo nuclear por sorpresa contra la Unión Soviética. Su ayudante, el capitán Mandrake, trata de encontrar la fórmula para detener el bombardeo. Por su parte, el Presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. (FILMAFFINITY)



1964: 4 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, actor (Peter Sellers), guión
1964: BAFTA: Mejor película

Séptimo film de Kubrick. El guión, de Kubrick y Terry Southern, se basa en la novela dramática "Red Alert" (1958), de Peter George. Se rueda en exteriores y escenarios reales del Polo Norte, Canadá (Banff National Park), Islandia, EEUU (Montañas Rocosas) y Londres y en Shepperton Studios, con un presupuesto de 1,8 M dólares. Nominado a 4 Oscar (actor, director, película y guión adaptado), gana 3 BAFTA. Producido por Kubrick para Columbia, se estrena el 29-I-1964 (EEUU).

La acción tiene lugar en 1963, a lo largo de unas horas. Se desarrollan 3 historias simultáneas, que tienen lugar en un B-52, en el despacho del general Jack D. Ripper (Sterling Hayden) y alrededores y en la sala del Consejo del presidente de EEUU, Merkin Muffley (P. Sellers).

El film suma los géneros de comedia, bélico y ciencia ficción. Se sirve de un ácido humor negro. Construye una sátira mordaz del comunismo, fascismo, belicismo, pacifismo, militarismo, los políticos, los asesores de los políticos y la alta tecnología aplicada con precipitación a usos militares. Añade ironía, sarcasmo y farsa. La figura del poco competente presidente norteamericano guarda similitudes con la del Ministro del Interior de "La naranja mecánica". El Dr. Strangelove (P. Sellers), antiguo nazi, asesor áulico del presidente de EEUU, aparece como mutilado provisto de un brazo mecánico que se mueve con autonomía y no se somete a los disimulos de conveniencia. Compone uno de los personajes más siniestros e hilarantes del cine. A través de Strangelove (no aparece en la novela), Kubrick dirige un guiño de simpatía al científico loco, C.A. Rotwang, de "Metrópolis" y evoca con sorna a Henri Kissinguer. Sus propuestas, de raíz nazi, suscitan entusiasmo entre los miembros del Consejo. El nombre del general Jack D. Ripper alude al personaje Jack The Ripper (el destripador). El mayor T.J. "King" Kong, con gestos de "cawboy", construye una farsa de los vaqueros, los rodeos, los "westerns" y las exhibiciones presuntuosas de fuerza. Son memorables las gesticulaciones y las expresiones faciales del general Buck Turgidson (George C. Scott).

La película aporta dos conjuntos de imágenes inolvidables: la del mayor Kong montado sobre la bomba H y las de la sala del Consejo presidencial (mesa redonda para unas 30 personas, iluminación circular, fondo con proyecciones de mapas y espacios negros sin luz). Es el único gran trabajo de Kubrick rodado como comedia.

La música, de Laurie Johnson, ofrece variaciones y arreglos de tres temas principales: "We'll Meet Again" (voz de Vera Lynn), "Try A Little Tenderness" y "When Johnny Comes Marching Home Again". Añade emoción y subraya la hilaridad. La fotografía, de Gilbert Taylor ("Star Wars" IV, 1977), en B/N, presenta una espléndida visualidad. Usa "zooms" bruscos que crean tensión y encuadres forzados (inferiores, oblícuos...) que acentúan la percepción de una atmósfera extraña y disparatada. Espléndida interpretación de Sellers (3 papeles). Comedia antológica. (Miquel, FilmAffinity)


EXTRAS (VOSE):

A Conversation with Robert McNamara (24:27)
Best Sellers o Peter Sellers y el Dr. Strangelove (18:28)
Prohibido pelear en la sala de guerra o el Dr. Strangelove y la amenaza nuclear (30:04)
Split Screen Marketing (07:15)
The Art of Stanley Kubrick (13:50)
Trailer
Trailers Big Fish (Tim Burton, 2003), On the Waterfront (Elia Kazan, 1954)
CAPTURAS:

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Enlaces de descarga:

EXTRAS: 

Ukradená vzducholod (Karel Zeman, 1967)



El dirigible robado

Ficha Técnica:



Título original:

Ukradená vzducholod

Año:

1967

País:

Checoslovaquia

Género:

Fantástico. Aventuras. Animación

Dirección:

Karel Zeman

Guión:

Karel Zeman, Radovan Krátky (Novela: Julio Verne)

Duración:

90 min



Reparto:



Hanus Bor, Jan Cizek, Jan Malát, Michal Pospísil



Datos del archivo:



Idioma:

Checo con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704x368

Formato:

MKV

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Inspirada en distintos cuentos de Julio Verne, la película combina actuación en vivo, animación, trucos escenográficos y efectos ópticos variados. (FILMAFFINITY)


Una de las películas más increíbles visualmente que he tenido el placer de ver. Esta adaptación que el checo Karel Zeman hizo del relato Dos años de vacaciones de Jules Verne es un maravilloso ejemplo de cómo hacer una gran película de aventuras imaginativa y divertida, trasladando el fantasioso espíritu del relato al estilo del film.

Los protagonistas son cinco chicos que, tras ser engañados por un feriante que organiza vuelos en un dirigible, le roban el aparato y viajan en él hasta atravesar el océano y aterrizar en una isla perdida. Mientras tanto, en su Praga natal, se suceden todo tipo de conspiraciones relacionadas con su aventura: periodistas en busca de exclusivas, juicios por el robo del dirigible y una conspiración de otro país que pretende averiguar cuál es la fórmula del gas del dirigible, que se supone que resiste al fuego.

A nivel visual se trata de una película apabullante llena de detalles que son imposibles de captar en un primer visionado. Para conseguir ese estilo tan mágico y fantasioso que domina la película, Zeman se sirvió de diversos recursos como jugar con los colores y combinar libremente animación con imagen real. En concreto, el cineasta checo se sirve sobre todo de la técnica cut-out (es decir, utilizar recortes de fotografías o imágenes y animarlos siguiendo un proceso similar al que se hace en stop motion pero en dos dimensiones), de manera que le da al film un estilo especialmente evocador y casi nostálgico muy acorde con el tipo de historia que narra. Así mismo, es todo un acierto la ambientación que hace Zeman de un siglo XIX visto desde la perspectiva soñadora típica de Verne manteniendo rasgos de la época que conviven con fantásticas máquinas voladoras (en otras palabras, el futurismo visto desde el siglo XIX).
Estos elementos hacen de Karel Zeman el heredero directo más claro que conozco de George Méliès y el precedente del Terry Gilliam más fantasioso de Los Héroes del Tiempo o Las Aventuras del Baron Munchausen. Es decir, un cineasta capaz de crear un universo propio mágico y fascinante, rebosante de un encanto único.

El humor impregna toda la película y Zeman se sirve tanto de gags dirigidos a un público más adulto (las continuas referencias y críticas al mundo de la prensa, como esa impagable foto de portada del robo del dirigible) como de gags que parecen sacados de unos dibujos animados (el ejemplo más claro es ese divertido espía que intenta averiguar cual es la fórmula del gas). A esto hay que sumarle que el ritmo de la película es endiabladamente rápido, lo cual hace que la sensación de caos y locura aumente considerablemente, y más cuando Zeman no se corta ni un pelo en sorprender al espectador constantemente utilizando repentinamente extraños dibujos, cambios de colores, nuevos inventos surrealistas e incluso, la inesperada aparición del capitán Nemo al bordo de su Nautilus. Es un film absolutamente imprevisible en que cualquier cosa puede pasar de un momento a otro, y ahí reside parte de su encanto.

Por buscarle algún defecto, creo que la última parte con la aparición de los piratas hace bajar un poco el frenético ritmo que estaba llevando hasta entonces, quizás porque es la parte más convencional de la película (si es que se puede llamar convencional un segmento que incluye a un niño buceando hasta entrar en el interior de un tiburón animado para sacar un cofre) y la que deja más de lado ese elemento fantasioso y surreal que hasta entonces dominaba la película.

En una época como la actual dominada por la animación y los efectos digitales, se debe reivindicar más que nunca propuestas como la que nos ofreció Karel Zeman. Películas que no sólo no pretendían utilizar efectos especiales modernos, sino que utilizaban recursos que eran pretendidamente irreales y quizás hasta anticuados pero que dotaban al film de un encanto y una magia difícilmente superable. No pretendo hacer una apología de estos recursos más artesanales contra los más modernos (aunque es innegable que tienen mucho más encanto), sino más bien del buen saber hacer, del saber utilizar estas técnicas con gracia y sobre todo muchísima imaginación para crear un universo propio como el que aquí vemos. La lección que creo que dio Karel Zeman con maravillas audiovisuales como ésta es que no hay que estar obsesionado con intentar conseguir efectos lo más realistas posible, a veces lo más adecuado es usar efectos más sencillos pero con gracia y sabiduría.

Absolutamente maravillosa, entrañable e inolvidable.

(http://elgabinetedeldoctormabuse.wordpress.com/2010/02/16/el-dirigible-robado-ukradena-vzducholod-1967-de-karel-zeman/)




CAPTURAS:
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A Lion Is in the Streets (Raoul Walsh, 1953)



Un león en las calles

Ficha Técnica:



Título original:

A Lion Is in the Streets

Año:

1953

País:

Estados Unidos

Género:

Drama

Dirección:

Raoul Walsh

Guión:

Luther Davis (Novel: Adria Locke Langley)

Duración:

88 min



Reparto:



James Cagney, Barbara Hale, Anne Francis, Warner Anderson, Lon Chaney Jr.



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 576

Formato:

MKV

Tamaño:

1,19 GB


Sinopsis:
Hank Martin, un vendedor ambulante del sur de Estados Unidos, se casa con una dulce y bella maestra. Martin, manipulador y con don de gentes, encabeza una revuelta de los trabajadores del algodón, que supone el inicio de su carrera política. Cegado por la ambición y decidido a convertirse en el próximo gobernador del estado, propiciará una serie de turbios acontecimientos que se le acaban escapando de las manos. Basada en una novela de Adria Locke Langley. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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Jeremiah Johnson (Sydney Pollack, 1972)



Las aventuras de Jeremías Johnson

Ficha Técnica:

Título original:

Jeremiah Johnson

Año:

1972

País:

Estados Unidos

Género:

Aventuras. Western

Dirección:

Sydney Pollack

Guión:

John Milius & Edward Anhalt (Novela: Vardis Fisher)

Duración:

107 min

Reparto:

Robert Redford, Will Geer, Allyn McLeire, Stefan Gieraschi, Matt Clark, Delle Bolton

Datos del archivo

Idioma:

Inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x354

Formato:

MKV

Tamaño:

551 MB


Sinopsis
Cansado de la civilización, Jeremías Johnson, un soldado federal que huye de la guerra mexicana, decide abandonarla y dirigirse a las heladas montañas. Allí comenzará a luchar para sobrevivir con la ayuda de un viejo trampero. Descubrirá la violencia de los indios que habitan esas tierras y tendrá que defender a su familia. Finalmente su ira caerá sobre la tribu de los Crow. (FILMAFFINITY)


1972: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

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Make Way for Tomorrow (Leo McCarey, 1937)



Dejad paso al mañana

Ficha Técnica:



Título original:

Make Way for Tomorrow (The Criterion Collection)

Año:

1937

País:

Estados Unidos

Género:

Drama

Dirección:

Leo McCarey

Guión:

Viña Delmar, Helen Leary, Noah Leary (Novela: Josephine Lawrence)

Duración:

91 min



Reparto:



Victor Moore, Beulah Bondi, Fay Bainter, Thomas Mitchell, Porter Hall, Barbara Read



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

976x720

Formato:

MKV

Tamaño:

897 MB


Sinopsis:
Un anciano matrimonio llama a todos sus hijos, ya independizados y con su vida propia. En la reunión el padre/abuelo les explica que está arruinado y que le van desahuciar en un plazo muy breve, pues no les queda nada. Los hijos deciden repartirse a sus padres por separado; unos se quedarán con la madre y otros con el padre, lo que supone un golpe, ya que han vivido una vida entera juntos. (FILMAFFINITY)


En plena eclosión de la screwball comedy (el mismo director dirigió este mismo año 1937 la modélica muestra del género La pícara puritana, que le valió un Oscar al mejor director, en cuya entrega manifestó su agradecimiento por el premio, pese a haberse concedido por el film equivocado -refiriéndose a su predilección por éste Make way for tomorrow-) y del cine de aventuras coloniales, Leo McCarey dirigió uno de los films más a contracorriente del Hollywood clásico, una lúcida y humanista incursión en las desolaciones e incomprensiones propias de la vejez, basándose para ello en una desconocida novela de Josephine Lawrence.

No puede decirse que el éxito acompañara al film en su estreno (la gente dio la espalda a una propuesta de semejante dureza temática, más dispuesta a la evasión lúdica que proporcionaban comedias o musicales) ni tampoco que el tiempo la haya puesto ante el público mayoritario entre las más destacadas muestras del cine de su autor, ensombrecida por el fulgor de maravillas como Sopa de ganso, Tú y yo o Las campanas de Santa María, pese a lo cual se revela como una gema olvidada del melodrama clásico, como una de las más depuradas muestras de la maestría de su autor.

Este excepcional melodrama se abre con un texto referente al sempiterno conflicto generacional entre padres e hijos, coronado con el cuarto de los mandamientos de la iglesia -Honrarás a tu padre y a tu madre- (el marchamo católico del relato queda patente desde el inicio para estar presente en el desarrollo del mismo, con sutileza pero con claridad), hábil y sutilmente precedido por un plano celestial, entre nubes, para inmediatamente descender hacia el nevado hogar del matrimonio protagonista, los Cooper, una modesta casa familiar a la que vemos acudir a uno de sus hijos para una reunión familiar junto a sus padres y al resto de sus hermanos.

McCarey nos va narrando sus peripecias con elegancia, sobriedad y notable emoción, mediante una puesta en escena sencilla y sutil, lejos de subrayados melodramáticos, dejando recaer el peso de las escenas en el soberbio trabajo interpretativo del elenco actoral, especialmente de una Beulah Bondi en estado de gracia, capaz de transmitir soberbiamente la mezcla de calidez, inteligencia y desvalimiento de su personaje. A este respecto, excepcionales resultan las escenas en que el molesto ruido de su mecedora, en pleno trascurso de las clases de bridge de su nuera, denota, de modo suavemente metafórico, la incomodidad de su sobrevenida presencia y su inadaptación al nuevo ambiente o aquella otra en que, tras leer una carta con membrete de un asilo, la anciana se adelantará a su hijo, facilitándole el camino y sacrificándose generosamente por él (una vez más en su vida de dedicación abnegada), comunicándole su (inexistente) deseo de ingresar en dicho asilo de ancianos.

Lejos de enfáticos subrayados o didactismos moralizantes, McCarey va conduciendo diáfana y sutilmente el relato, con una de esas transparentes puestas en escena que dejan descansar la verdad de lo contado en el rostro y en el comportamiento de sus excelentemente construidos personajes (y consiguientemente, en el trabajo de los actores que los incorporan), sin maniqueísmo ni apriorismo alguno.

Pocas veces se ha acercado el séptimo arte al mundo de la vejez y las relaciones familiares con tanta hondura y verdad, con tanta comprensión y generosidad hacia sus criaturas (inolvidable el personaje de esta madre capaz de sacrificarse y ayudar a su hijo, incluso en el trance en el que éste se decide a desacerse de ella), con mirada piadosa y humana de inmensa profundidad, no exenta del inexorable jucio moral. (http://cinedenuncajamas.wordpress.com/2008/12/01/make-way-for-tomorrow-leo-mccarey-1938/)



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Sweet Bird of Youth (Richard Brooks, 1962)



Dulce pájaro de juventud

Ficha Técnica:



Título original:

Sweet Bird of Youth

Año:

1962

País:

Estados Unidos

Género:

Drama

Dirección:

Richard Brooks

Guión:

Richard Brooks (Novela: Tennessee Williams)

Duración:

120 min



Reparto:



Paul Newman, Geraldine Page, Ed Begley, Shirley Knight, Rip Torn, Madeleine Sherwood, Ed Begley, Mildred Dunnock



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español, inglés, alemán y portugues (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 432

Formato:

MKV

Tamaño:

1,17 GB (Extras: 210 MB)


Sinopsis:
Un aspirante a actor regresa a su ciudad natal convertido en el gigoló de una estrella en declive que promete introducirle en el mundo del cine. Pero lo que realmente desea es recuperar el amor de su antigua novia, la hija del cacique del pueblo. (FILMAFFINITY)



1962: Oscar: Mejor actor secundario (Ed Begley). 3 nominaciones

Film independiente, escrito y dirigido por Richard Brooks. Adapta la obra teatral "Sweet Bird Of Youth", de Tennesse Williams, de gran éxito en Broadway. Se rodó en cinemascope. Nominado a tres Oscar, ganó uno (actor secundario, Ed Begley). Obtuvo un Globo de oro (actriz, G. Page). El productor fue Pandro S. Borman. Se estrenó el 21-III-1962.

La acción tiene lugar en Gulf Coast (Florida), ciudad natal de Chance Wayne (Newman), a lo largo de unos pocos días del verano de 1960/61. Narra la historia de Chance, apuesto y seductor, sin suerte en la vida, que ha trabajado en oficios ínfimos. Residió durante un tiempo en Hollywood para abrirse camino como actor en el mundo del cine. Tras innumerables fracasos, se dedica a trabajar como gigoló de mujeres adineradas y solitarias. En Palm Beach ha conocido recientemente a Alejandra del Lago (Geraldine Page), actriz de mediana edad, en plena decadencia profesional y personal a causa del alcohol y las drogas.

La película muestra una sociedad dominada por el deseo, el sexo, la prostitución, la hipocresía, la codicia, los abusos de poder, la violencia doméstica y la corrupción. Como en otras obras de T. Williams, la acción se ubica en una localidad del Sur de EEUU, en el marco de una sociedad conservadora, clasista y retrógrada. La tensión dramática llena el film en un crescendo que culmina hacia el final en una sucesión de escenas violentas y desgarradoras, que ponen al descubierto la bajeza de las pasiones humanas amparadas en la venganza y la violencia inmisericorde (desfiguración del rostro de Chance). La narración hace uso de flashbacks para explicar hechos de los años de juventud de Chance, con referencia al inicio de la Guerra de Corea (1950/53), en la que participó, el amor juvenil de Chance y Heavenly (Shirley Knight), al embarazo de ésta y a la expulsión de aquél del lugar por Tom "Boss" Finley (Ed Begley), padre de la chica, cacique del lugar y alcalde del mismo. Son escenas destacables la conversación telefónica de Alejandra con un crítico de cine, la de Alejandra borracha en el bar del hotel y el mítico salto del cisne de Newman desde el trampolín de una piscina. El protagonista se enfrenta a su pasado con deseos de redención en una ciudad donde muchos le odian y nadie le quiere, salvo Heavenly y la tía Nonnie (Mildred Dunnock).

La música incluye solos de piano, melodías de viento y una composición orquestal romántica (escena del faro). La fotografía mueve la cámara con diligente suavidad y hace uso de una paleta de cremas y azules pálidos que realzan el dramatismo de la acción. Juxtapone y superpone imágenes y se entretiene en mostrar el torso desnudo de Newman. El guión aporta diálogos excelentes y aborda temas controvertidos como aborto, drogas, prostitución y corrupción de cargos públicos. En la interpretación destacan Page, Newman y Ed Begley. La dirección imprime sobriedad y equilibrio al conjunto.

Película de grandes interpretaciones y extraordinario vigor dramático. (Miquel, FilmAffinity)





EXTRAS (VOSE):
Sweet Bird of Youth. Chasing Time (11:42)
Test de audiencia de Rip Torn y Geraldine Page (02:55)
Trailer
CAPTURAS:
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