viernes, 13 de enero de 2012

The Man Who Fell to Earth (Nicolas Roeg, 1976)




El hombre que cayó a la Tierra

Ficha Técnica:



Título original:

The Man Who Fell to Earth (The Criterion Collection)

Año:

1976

País:

Reino Unido

Género:

Ciencia-Ficción

Dirección:

Nicolas Roeg

Guión:

Paul Mayersberg (Novela: Walter Tevis)

Duración:

140 min



Reparto:



David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Jackson D. Kane, Bernie Casey



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x360

Formato:

MKV

Tamaño:

662 MB


Sinopsis:
Un extraterrestre viene a la Tierra con forma humana con la intención de conseguir agua para su propio planeta... (FILMAFFINITY)


Tratando el tema de películas extrañas, esta es una de mis favoritas: El Hombre que cayó a la Tierra, protagonizada por el camaleón del rock David Bowie en el papel de un alienígena que llega a este planeta es, sin más, la mejor interpretación del alter ego Ziggy Stardust encarnado en Thomas Jerome Newton, que bajo la máscara de empresario espacial tecnológico, cual Carlos Slim crea un imperio de la noche a la mañana, logrando millones; teniendo a su alcance poder, corrupción y claro, placeres. Mary Lou, su asistente, termina por enamorarse de un alcohólico Thomas, deprimido cada vez que recuerda lo lejos que esta de su planeta, familia, defraudado por haberse corrompido ante la banalidad de la vida terrestre, olvidando que llegó por la materia prima para la sobrevivencia de su raza, el agua.

Basada en la novela de Walter Tevis, cabe señalar que fué tanta la influencia del personaje en Bowie que se apoderó de él, dentro y fuera del set; incrementó su comsumo de alcohol y cocaina, alternando sus múltiples personalidades ya fuera como Ziggy, David Jones o Thomas Jerome Newton durante finales de los setenta, mientras iniciaba la mutación del Hombre de las Estrellas al Duque Blanco, con el álbum Station to Station en 1976.

Para esta producción sinceramente no había mejor elección protagónica, la trama está hecha a su medida, y él, con esa imagen andrógina y su posterior conversión mundana, parece una biografía. Ficción y rock, imprescindible. (poisonbeat.blogspot.com)



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Aranyer Din Ratri (Satyajit Ray, 1970)





Días y noches en el bosque

Ficha Técnica:



Título original:

Aranyer Din Ratri

Año:

1970

País:

India

Género:

Drama

Dirección:

Satyajit Ray

Guión:

Satyajit Ray (Novela: Sunil Gangopadhyay)

Duración:

115 min



Reparto:



Soumitra Chatterjee, Subhendu Chatterjee, Samit Bhanja, Robi Ghosh, Pahadi Sanyal, Sharmila Tagore, Kaberi Bose, Simi Garewal, Aparna Sen



Datos del archivo:



Idioma:

Bengali e inglés con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

1399 MB


Sinopsis:
Cuatro amigos de la ciudad de Calcuta se aventuran hacia los bosques de Palmau para una excursión de un día en coche. Llegan a una pequeña aldea en el estado de Bihar. Sin haber hecho ningún preparativo para quedarse en ningún sitio, llegan a un albergue, y como no han hecho reserva, tienen que sobornar al vigilante para poder quedarse, el cual los admite arriesgando su trabajo, ya que él necesita el dinero para tratar la enfermedad de su esposa. Los cuatro jóvenes están llenos de confianza, puesto que vienen de la gran ciudad y muestran escaso respeto por los aldeanos rurales. El grupo está liderado por Ashim (Soumitra Chatterjee), el más rico de todos. Sanjoy (Subhendu Chatterjee) es una persona tímida, que sólo actúa cuando está muy seguro. El deportista, Hari (Samit Bhanja), quiere olvidar a una muchacha que lo acaba de rechazar. Shekhar (Robi Ghosh) es el más gracioso y seguro de sí mismo. El viaje por el bosque resultará ser un viaje de autodescubrimiento. (FILMAFFINITY)


Actualmente en la industria cinematográfica made in USA si un argumento empieza con cuatro amigos que deciden ir a una zona aislada para disfrutar de unos días juntos, invariablemente la historia terminará degenerando en alguna matanza inverosímil plagada de truculencias y persecuciones. Es como si no diera más de si ese punto de partida. Pero en manos de Ray el argumento alcanza proporciones universales. Se convierte en un proceso de descubrimiento de sus personajes y por extensión, como en muchas de sus películas, un retrato de una sociedad en constante cambio. Como en su genial Kanchenjunga utiliza una estructura coral en la que los cuatro amigos y tres mujeres del lugar serán los personajes principales sobre los que girará el argumento y que volverá a tratar temas habituales en su obra como el contraste entre progreso y tradición o el autodescubrimiento. La evolución de los personajes y la interrelación entre ellos es simplemente magistral. Ninguno de los cuatro amigos regresará igual que llego, sufriendo en el caso de alguno de ellos una profunda transformación que hace salir su verdadera personalidad, liberados de las presiones y restricciones de la vida urbana. Del mismo modo, Ray se muestra muy crítico con respecto al fracaso de una sociedad que se ha refugiado en el capitalismo y el éxito profesional como particular búsqueda de la felicidad. Cada detalle del film está perfectamente pensado y planificado para contribuir al complejo retrato que nos muestra, en el que la mirada observadora, sutil, realista y a la vez poética de Ray se percibe a lo largo de todo del film. Un film sin duda extraordinario, hermoso e inteligente. Una de las obras mayores de Ray. (jairechu, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Cross of Iron (Sam Peckinpah, 1977)




La cruz de hierro

Ficha Técnica:



Título original:

Cross of Iron

Año:

1977

País:

Reino Unido, R.F. de Alemania

Género:

Belica. II Guerra Mundial

Dirección:

Sam Peckinpah

Guión:

Julius J. Epstein & Herbert Asmodi (Novela: Willi Heinrich)

Duración:

119 min



Reparto:



James Coburn, James Mason, Maximilian Schell, David Warner, Senta Berger, Klaus Löwitch



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704 x 400

Formato:

AVI

Tamaño:

1400 MB


Sinopsis:
Un escuadrón de soldados alemanes, capitaneados por un duro oficial, lucha por sobrevivir en su enfrentamiento contra el ejército ruso en el frente este durante la Segunda Guerra Mundial. Con guión de uno de los responsables de "Casablanca" (1942), se trata de la única incursión del director Sam Peckinpah en el cine bélico. Defensor de mostrar la violencia como instinto natural del hombre, el fuerte contenido de algunas escenas le hicieron mercedor del apodo de "el sanguinario Sam" con el que fue bautizado. (FILMAFFINITY)


No es de extrañar que un proyecto de las características artísticas/temáticas/ideológicas que expone y resalta La cruz de hierro fuera a parar a manos de un director como Sam Peckinpah. En la época en que se realizó, Peckinpah ya estaba comercialmente de capa caída. Tras los éxitos fabulosos de Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969) y La Huida (The getaway, 1972), sus últimas películas (que no comentaré ahora porque éste no es un artículo sobre su autor) a pesar de ser algunas, obras maestras, habían sido un fracaso económico.

Es natural entonces que teniendo dificultades para dirigir en su país Peckinpah tuviera que emigrar a Europa para volver a dirigir, y más, una película bélica (género que no había tocado hasta ese momento) que como suele pasar en estos casos con los grandes (y si no que se lo pregunten a Ray, Fuller, Coppola...) y, por desgracia siempre se reconoce tarde, se adelantó a su tiempo. Y lo hizo porque la principal baza de La cruz de hierro además de quien la firma es su planteamiento, contado desde el punto de vista del que en teoría era el enemigo durante la segunda guerra mundial, el ejército alemán. Si no fuera por la espléndida Senderos de gloria (Paths of Glory, Stanley Kubrick, 1958), posiblemente sería la primera película anti-bélica de la historia. Dentro de lo que nos tenía acostumbrados el cine bélico que versaba en la segunda gran guerra, eran casi siempre incursiones de americanos o británicos en fortalezas o demás espacios nazis para destruir-rescatar un objetivo. Hay que decir que de esas películas también han quedado grandes joyas seamos justos, pero La cruz de hierro supuso un adelanto y un giro que revolucionó el género.

El argumento tampoco es que sea muy complicada, el sargento Steiner (James Coburn) comanda una patrulla en el frente del este cercana a la frontera rusa. La patrulla deberá resistir a los ataques rusos al mismo tiempo que les asignan un nuevo comandante (Maximillian Schell) quien está más preocupado en conseguir una cruz de hierro para continuar con el honor de su familia, noble prusiana, que en salvar a su compañía. Bajo esta premisa tan simple, Peckinpah aprovecha para mostrar su visión de la guerra, y por una vez y gracias a dios le dieron carta blanca para hacerlo.

Una de las mayores virtudes de la película es que gracias a lo cercano que te hace sentir Peckinpah a Steiner y su compañía, el epectador olvida a la media hora de película que los protagonistas son soldados alemanes y deseas realmente su salvación. A Peckinpah no le interesa el conflicto políticamente ni la época determinada y precisa, de ahí que la acción se sitúe en el frente del este y no en zonas más reconocibles para el gran público, no se hace mención casi a los aliados ni a Hitler, ni a la situación. Es una guerra, eso ya es suficiente, con eso basta. Esta característica está perfectamente reflejada en el meticuloso dibujo que realiza James Coburn de Steiner, un sargento que lucha pero al que le da igual la política, que lucha solamente por sus hombres a quien le une una relación especial tras tantos combates, manteniendo intensos duelos y fricciones (sobre los que gira la película) con el capitán Stransky, a quien los hombres les da igual, pero les da igual no por ser un perro de la guerra ansioso de sangre y conquista, no, en La cruz de Hierro no encontraremos nada parecido, sino porque Stransky solo quiere la cruz de hierro, la condecoración que permita reconocer a su familia prusiana, dato que aísla aún más a la película del conflicto, un hecho de lo más terrorífico como la guerra en si. El único apunte que nos remite a la situación, son los secundarios encarnados por James Mason y David Warner, los oficiales nazis que reflejan la moralidad de dicha “filosofía” pero al fin y al cabo no desvían la atención del concepto importante que Peckinpah expone. Steiner se preocupa por sus hombres, morirá por ellos incluso, nos introduce en su mundo, el espectador convivirá con ellos, los conocerá y luchará con ellos y cuando algún componente de la patrulla muera (que los hay) nos sentiremos afligidos porque oh, sorpresa, los alemanes también son humanos y como humanos y personas que son, también sufren, también tienen sus vidas personales esperándoles fuera y hay algunos que tampoco creen en la guerra y la ven innecesaria e incluso veremos a alemanes que ni son rubios ni tiene los ojos azules (precisamente ninguno de los protagonistas es el ejemplo de raza aria tan ansiado por los nazis). Son personas que luchan por sobrevivir en el bando que les ha tocado, nada más, no tiene nada de heroico ni de cobarde. Es un hecho triste y amargo, pero que hay que asumir.

Peckinpah, consciente de ello lo asume y lo acentúa porque, como he repetido antes entiende que como tal, lo que está contando es algo terrorífico y angustioso por lo que lo explota mostrándonos una guerra que no sabemos muy bien dónde se desarrolla potenciándolo cinematográficamente hablando. Peckinpah como cineasta en sí, era un guerrillero, siempre estaba peleado con productores, estudios...y es una pena porque le recortaban las películas, así que cuando tenía la oportunidad de hacer lo que quería lo explotaba hasta el límite, por eso La cruz de hierro sorprende y angustia en su primer visionado. Siendo del año 1977, la película se abre con una masacre potente no ya por ser explícita sino por como está rodada. Me refiero, en las explosiones, es la primera vez que vemos polvo, barro, metralla, vemos las balas, vemos las entrañas, uniendo el estilo de Peckinpah al filmar la violencia, haciendo que el espectador se detenga para analizar como es una guerra con sus característicos ralentís su montaje sonoro y demás recursos cinematográficos provocando la sensación de angustia siendo indiferente quien lucha y a quien se mata no distinguiendo fácilmente a que bando pertenecen los hombres que van cayendo bajo las ráfagas de balas, contribuyendo además en esto la fotografía fría y oscura del gran John Coquillon quien consigue crear una atmósfera fantasmagórica y casi onírica durante todo el metraje como en la impresionante secuencia, además de humana en la que la patrulla alemana se encuentra con las soldados rusas, en las que Peckinpah muestra como el silencio puede decir mucho más que un diálogo mal puesto, o los títulos de crédito del filme, un prodigio en el que sobre fondo rojo vemos a unos niños que cantan en Alemán quien sabe que subiendo los montes, espeluznante.

Otro gran acierto es que el enemigo que se muestra en la cruz de hierro es el ejército ruso, aquí también humanizado (resulta extraño el decir “también humanizado”, el problema es que a veces no lo hacen y uno por desgracia incluso se acostumbra) demostrando que antes que pertenecer a cualquier ejército, bandera o ideología, eres un persona humana siendo secundario todo lo demás.

Por esta visión que hace de la guerra, La cruz de hierro es una película valiente y necesaria añadiría yo, además de, repito, adelantada. Suerte que un par de años más tarde Coppola nos bombardearía con su horror adornado de surf despertando así una conciencia cinematográfica que si bien es cierto que el cine es para entretener, nunca viene mal que se utilice para enseñarnos alguna lección sobre las características humanas y darnos cuenta de quienes somos, lo que hacemos y sobretodo lo que podemos y debemos evitar. Por eso y mucho más, gracias Sam Peckinpah. (Articulo La humanidad de los nazis por Emilio Martínez-Borso en Miradas.net)




CAPTURAS:

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Amici miei (Mario Monicelli, 1975)



Habitación para cuatro / Amigos míos

Ficha Técnica:

Título original:

Amici miei

Año:

1975

País:

Italia

Género:

Comedia

Dirección:

Mario Monicelli

Guión:

Tullio Pinelli, Pietro Germi, Piero De Bernardi, Leo Benvenuti

Duración:

109 min

Reparto:

Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin, Adolfo Celi, Duilio del Prete, Renzo Montagnani, Paolo Stoppa, Milena Vukotic

Datos del archivo:

Idioma:

Italiano con subs en español e inglés (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640x360

Formato:

AVI

Tamaño:

1,20 GB


Sinopsis:
Cuatro amigos cincuentones, que llevan toda la vida juntos, se pasan el día organizando bromas pesadas para burlarse de los demás. Son el periodista Giorgio Perozzi, perseguido por la reprobación de su hijo y su ex-mujer; el arquitecto Rambaldo Melandri, sensible a los asuntos del corazón; el barman Guido Necchi, propietario del bar en el que el grupo se reúne cada noche; y el conde Mascetti, un noble venido a menos, obligado a vivir en un sótano, que no tiene ningún escrúpulo a la hora de alejar a su mujer y su hija para disfrutar de una relación clandestina con su joven amante, Titti. Todos ellos, conscientes de que les ayuda a seguir unidos, recurren a las bromas para prolongar su juventud y defenderse de las penas de la vida. (FILMAFFINITY)


Mario Monicelli tuvo que acabar este filme, tras el fallecimiento durante el rodaje de Pietro Germi, su argumentista, guionista y director inicial. Lamentablemente, el nombre de Germi ha desaparecido de los títulos de crédito, aunque parte del filme tiene su impronta.
En oportunidad de asistir al Festival de Mar del Plata del año 2007 -sí, con sus increíbles y lúcidos 92 años-, el director Mario Monicelli explicaba que un film como éste, que ironizaba sobre la sociedad de ese tiempo, sería ahora impensable, que el humor pasaría por reírse de políticos o de los estamentos del poder.
Y pareciera que esto sería cierto...Pero entonces...¿Por qué este film nos sigue deleitando?
Entre otras cosas, y para no extenderme demasiado, porque un film no solo nos cuenta aquello que sucede en la puesta en escena, sino también ese momento sagrado que es el tiempo de la realización, y mucho más en un film que retrata su época.
Un grupo de amigos se junta periódicamente y sale de "caravana", un día entero, o dos, o una semana. Y se divierten del "otro", y por supuesto, de ellos mismos. Porque todos son respetables hombres de la sociedad: el dueño de un bar, uno que ostenta el dudoso título nobiliario de Conde, un periodista, y un arquitecto del municipio; y a posteriori se agregará un brillante cirujano.
Ellos son el grupo que retornará a la niñez, a esa época donde las líneas divisorias sobre el qué y cómo reírse están por demás de diluidas, y entre presentación de personajes para contrariar aún más sus excesos (y de todo tipo) y despliegue de humor, sí, irreverente, cambian risa por lágrimas a diestra y siniestra.
Si hasta en el funeral del final no pueden dejar de sonreir al sol, pero claro, siempre con la mayor seriedad.
Mención aparte se merecen el grupo de cinco talentos entre los actores, y siguiendo el orden en que los presenté anteriormente: Duilio del Prete, Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin y Adolfo Celi.
Y entre todas las escenas memorables, me quedo en el momento en que el Profesor Sassaroli le entrega su esposa al enamoradísimo Rambaldo: pero eso sí, su mujer incluye hijos, perro parecido a un hipopótamo, criada y demás accesorios. Y ya allí el gran Adolfo Celi como el Profesor Sassaroli se tornará en uno más del equipo.
Título que dió lugar a dos films posteriores, este Amici Miei (Amigos míos) encuentra a Mario Monicelli con uno de sus títulos más recordados. Y téngase en cuenta que al momento de su realización, el mundo se cobijaba de "ideas políticas" y de revoluciones tardías. Monicelli, en ese contexto, se dedicó a mirar y retratar a la gente, pero no desde lo alto, sino a la altura de sus ojos. Ese es su mayor mérito. (ficcionesnarrativas.blogspot.com
)

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There Was a Crooked Man... (Joseph L. Mankiewicz, 1970)



El día de los tramposos / El final de un canalla

Ficha Técnica:



Título original:

There Was a Crooked Man...

Año:

1970

País:

Estados Unidos

Género:

Western

Dirección:

Joseph L. Mankiewicz

Guión:

Robert Benton & David Newman

Duración:

123 min



Reparto:



Kirk Douglas, Henry Fonda, Hume Cronyn, Warren Oates, Burgess Meredith, John Randolph, Arthur O'Connell, Alan Hale



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (contenedor MKV y srt)

Calidad:

DVDRip (ripeo propio)

Resolución:

720 x 320

Formato:

MKV

Tamaño:

1,52 GB


Sinopsis:
Cita:
Año 1883. Varios condenados por diversos delitos ingresan en la prisión federal de Arizona para cumplir sus respectivas condenas. Entre los prisioneros recién llegados está Paris Pitman (Kirk Douglas) que tiene enterrado en el desierto -a recaudo de las serpientes de cascabel- un botín de un robo de nada menos que medio millón de dólares. Paris sólo espera poder fugarse de la cárcel para recuperar su fortuna. Por ello, intentará convencer a varios internos para fugarse, al tiempo que intentará ganarse la confianza del nuevo alcaide de la prisión (Henry Fonda). (FILMAFFINITY)


Único western de Joseph L. Makiewicz (1909-1993). El guión es original de David Newman y Robert Benton (“Bonnie y Clyde”, Penn, 1967). Se rueda en escenarios reales de Joshua Trees (CA) y La Joya (NM), en escenarios construidos para el rodaje (la prisión de Yuma costó 300.000 USD) y luego eliminados y en platós de los Warner Studios (Burbank, CA). Producido por Joseph L. Mankiewicz para Warner y Seven Arts, se proyecta por primera vez en público el 19-IX-1970 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en el territorio de Arizona y en el Penal Federal de Yuma (Arizona) (situado en pleno desierto), en 1883. El estado de Arizona no se constituyó hasta el 14-II-1912. Paris Pitman Jr. (Douglas) al frente de un grupo de asaltantes toma la casa del rico hacendado Sr. Lomax y se apodera de los billetes que guarda en la caja fuerte (500.000 USD). Tras eliminar a sus compañeros de asalto, guarda el botín en un nido entre rocas de serpientes de cascabel (1). Descubierto en un burdel, es juzgado y condenado a pena de prisión. Junto con otros condenados (Cyrus, Dudley, Coy, Floyd y Ah-Ping) es conducido al penal de Yuma, en el que rigen unas duras condiciones de vida bajo las órdenes de un alcaide muy partidario de los castigos físicos, los trabajos forzados, las celdas de aislamiento y el trato inhumano. El alcaide es asesinado poco después y sustituido por Woodward Lopeman (Fonda), que encarna la reforma penitenciaria y rechaza el trato inhumano. Encarna la rectitud, el trato justo, el respeto a la ley y el rechazo de la arbitrariedad. Es astuto e inteligente.

El film suma western, comedia y farsa. Como western es una obra singular, atípica, sarcástica, de la época en la que el género había entrado en su etapa crepuscular. Desarrolla un humor ácido, crítico y corrosivo, con toques de humor negro, de intensidad y fuerza demoledoras. Se ha dicho que es una de las películas más anómalas y críticas del género (western) y del propio Mankiewicz. Los planos de presentación del film, precisos y vigorosos, ponen de manifiesto desde distintos puntos de vista el arraigo y la extensión de la falsedad y la mentira, la arbitrariedad y el despropósito en el comportamiento humano. Cyril (Randolph), falso predicador, conmueve a los fieles con mentiras que impresionan para sacarles dinero del bolsillo. El sheriff más justo amenaza caprichosamente a una prostituta, mientras en la misma calle un ladrón asalta a varias personas. Paris Pitman es descubierto en un burdel por el Sr. Lomax, el bondadoso padre de familia víctima del atraco, que es un “voyeur”. De modo similar presenta el ambiente de delincuencia que rige en el interior del penal y el imperio de la codicia que en él mueve las relaciones personales. La vida en la prisión está dominada por la hipocresía, la falsedad de los sentimientos y la mentira. La codicia, el egoísmo y la corrupción son los únicos valores que inspiran la conducta de los penados y de sus guardianes (2).

Por lo demás, tras el telón de lo que se ve abiertamente, se mueve el duelo de altos vuelos entre Paris y el alcalde Lopeman. La guerra entre ellos es disimulada, se presenta cubierta de telas de seda, pero es dura e inmisericorde. Los dos aspiran a lo mismo: recuperar/conseguir el botín escondido entre rocas. Es una lucha de inteligencia a inteligencia, de intuición contra intuición, de anticipación contra persecución, de certeza contra certeza. El juego que se establece guarda semejanzas con el que juegan en “La huella” (1972), último film de Mankiewicz, los dos protagonistas: Andrew Wyke (Olivier) y Milo Tindle (Caine) (3).

El desarrollo de la acción glosa temas que forman parte de las concepciones que caracterizan el ideario del realizador. Explora con acidez y pesimismo la condición del género humano. Glosa el poder superior del dinero y su fuerza de seducción. Establece la preeminencia de la inteligencia sobre la fuerza bruta y la importancia del ingenio, la habilidad, la comprensión abstracta, la deducción, etc. Afirma la inmoralidad esencial del ser humano y su visión nihilista y desesperanzada del mundo y de la Humanidad. Expone los trazos básicos de sus concepciones de siempre, que en esta ocasión explica con la fuerza de un sarcasmo más desolador que nunca.

La productora impone algunos cortes. Varios de ellos corresponden a la eliminación de las secuencias finales del “striptease” en marcha de la maestra, Srta. Jessie Brundidge (Rhoades). Los planos eliminados añadían al erotismo del caso indicaciones peyorativas sobre la inmoralidad de los iconos éticos de la sociedad.

La banda sonora, de Charles Strouse (“Bonnie y Clyde”), criticada por algunos, reúne un conjunto de cortes que acompañan y subrayan, con acierto y eficacia, la causticidad y la ironía iconoclasta de la acción. Las melodías son lúdicas, irónicas y críticas. Añade una bonita balada, “There Was a Crooked Man”, interpretada por Trini López. La fotografía, de Harry Stradling Jr. (“Pequeño gran hombre”, Penn, 1970), en scope y color (technicolor), ofrece imágenes realistas y veristas, que conmueven e impresionan, pese a la carga sonora e irónica que las acompaña. Hace un uso sutil y hábil del humor visual (toma de la casa de Lomax durante la bendición de la mesa). Sugiere mediante imágenes la corrupción de las autoridades de la presidencia del banquete (Gobernador federal). Se beneficia de una magnífica escenografía (4).


(1) Augusto M. TORRES, “El día de los tramposos”, ‘Diccionario Mundial’, pág. 259, Espasa Ed., Madrid 2006.
(2) Ramón FREIXAS, “El día de los tramposos”, ‘Dirigido por’, noviembre, 2001.
(3) Quim CASAS, “El día de los tramposos”, ‘Películas clave del western’, pág. 193-195, Robinbook Ed., Barcelona, 2007.
(4) Gabriele LUCCI, “El día de los tramposos”, ‘Western” (traducción al español), págs. 298-299, Random Mondadori Ed., Barcelona, 2005.

(Miquel, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Dog Day Afternoon (Sidney Lumet, 1975)



Tarde de perros

Ficha Técnica:



Título original:

Dog Day Afternoon

Año:

1975

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Thriller

Dirección:

Sidney Lumet

Guión:

Frank Pierson (Artículo: P.F. Kluge, Thomas Moore. Libro: Leslie Waller)

Duración:

125 min



Reparto:



Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar, Penelope Allen, Beulah Garrick, James Broderick, Beulah Garrick, Sandra Kazan, Marcia Jean Kurtz



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt) e inglés (contenedor MKV)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x478

Formato:

MKV

Tamaño:

592 MB


Sinopsis:
Una pequeña banda de delincuentes de poca monta decide atracar la sucursal de un banco de Brooklyn, pero su falta de dedicación y de experiencia hará que un robo que fue planeado para que durara apenas 10 minutos se convierta en una trampa para los atracadores y en un circo para la televisión en directo. (FILMAFFINITY)



1975: Oscar: Mejor guión original. 6 nominaciones

La cinta se basa en unos hechos reales ocurridos en Brooklyn en el año 1972, concretamente en un poco ortodoxo atraco a una sucursal bancaria que pronto se convirtió en un fenomeno mediatico.

Mediante la recopilación de artículos de prensa sobre los hechos, armaron esta película, su director, Sidney Lumet y el guionista Frank Pierson, que hoy es ese anciano señor que da todos los años las nominaciones a los Oscars y más tarde da un discursito en la ceremonia (vamos, el Presidente de la Academia).

Y que mejor para ponerse en la piel de estos dos atracadores, que Al Pacino y John Cazale. Dos de los grandes de los 70, que venian de saborear las mieles del exito con las dos primeras partes de "El Padrino".
El bueno de Al, ya había trabajado anteriormente con Sidney Lumet, en "Serpico", en otra de esas interpretaciones de pura raza. Aqui está sencillamente inconmensurable. Nervioso, eléctrico, con grandes dosis de violencia contenida en uno de esos papeles que ya no se hacen.

Lo de John Cazale es una verdadera lástima. No había actor más perfecto para componer personajes frágiles e inseguros. De esos que de tan inconstantes estaban al borde de la locura. Una pena que falleciese tan prematuramente. Dejó un curriculum que muchos los quisieran; "El Padrino", "El Padrino II", "La Conversación", "El Cazador" y "Tarde de perros". Solo cinco películas. Y las cinco nominadas al Oscar a Mejor Película. Las cinco grandisimas obras.
"Tarde de Perros" tenía como excusa argumental un atraco. Comienza poniendo el listón muy alto y no lo abandona. Comienza con una entrada a la sucursal tan frenética como torpe. Un plan tramado con tal desatino que todo sale mal. Y a partir de aquí, Lumet,sin salir del banco, aprovecha para contarnos la vida en los barrios bajos de Brooklyn, para mostrarnos el sensacionalismo de la prensa, el auge de lo mediático, el rechazo popular a la policia, la visión de la época hacía algo de tan rotunda actualidad como los matrimonios entre homosexuales.

Como dirian en mi ciudad, "mucha chicha". Y todo condensado, bien contado, apoyandose en unos personajes poco o nada profesionales en el arte del robo y con el añadido de la tensión de todo lo que ocurre en lo relativo al secuestro de los trabajadores del banco y la posterior negociación con la policia. Entretenimiento y denuncia de la mano. Brillantemente unidos.

Una película modelo, que yo incluiria entre lo mejorcito de los años 70 y de la carrera del propio Lumet, un director con alguna que otra gran película en su haber, que con los años perdio fuerza, como la perdio el cine con el inescrutable paso del tiempo. (ROBGORDON, http://e7cielo.blogspot.com/2005/08/tarde-de-perros.html)


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Serpico (Sidney Lumet, 1973)




Serpico

Ficha Técnica:



Título original:

Serpico

Año:

1973

País:

Estados Unidos

Género:

Drama. Policíaco

Dirección:

Sidney Lumet

Guión:

Waldo Salt & Norman Wexler (Novela: Peter Maas)

Duración:

130 min



Reparto:



Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Tony Roberts, Biff McGuire, Cornelia Sharpe, Barbara Eda-Young, John Medici, Allan Rich, Ed Grover



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x462

Formato:

MKV

Tamaño:

618 MB


Sinopsis:
Frank Serpico fue un policía de principios de los años setenta que no gustaba a sus compañeros y que rechazaba constantemente dinero corrupto de criminales locales que otros compañeros se llevaban a casa a diario. (FILMAFFINITY)



1973: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Al Pacino), guión adaptado


Serpico no es otro de esos tantos policías cuyos valores podrían servir para barrer el suelo, mismamente. Serpico es un hombre cuyo código ético, cuya moral, queda por encima de cualquier otra cosa. Es, como ya han dicho por ahí, un madero honrado.

Y no hay nada que le venga mejor a Lumet que un personaje tan bien estructurado como ese sirviente de la ley, pues ya demostró en "El prestamista" y "The hill" que sabe como retratar personajes de lo más complejos y fieles a si mismos, que sólo actuarían en consideración según su conciencia les dictase. Y Pacino agarra ese personaje con fuerza y le otorga un sosiego natural impecable, así como un marcado carácter cuando debe aparecer ese carácter.

Muchos tildan la propuesta de monótona y hastiante, en cambio, a mi me parece una gran propuesta, donde cada punto está donde debe estar y todo es tratado con una meticulosidad increible. Desde la relación del protagonista con la muchacha que le acompaña, hasta la que también tiene con sus compañeros, a los cuales demuestra desde un principio que sus valores están ahí. Y son inamovibles.

Y si en las dos propuestas anteriormente mencionadas se respiraba un aire de aspereza y tensión, aquí Lumet logra que esa ambientación poco pulcra encaje a la perfección con todos los recovecos que conforman "Serpico", otorgando un buen espacio en el qué moverse a sus personajes y en el cual hacer confluir la historia de modo más que correcto.

Mención aparte para ese excelente final que, lejos de intentar aleccionar y anteponer la moralina al personaje, logra todo lo contrario dejando el film en una propuesta tan digna como meritoria.
Otro gran trabajo para un gran Lumet que parece haber perdido aplomo actualmente. Una pena.

Grandine (FilmAffinity)



CAPTURAS:
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The Midnight Man (Roland Kibbee & Burt Lancaster, 1974)




El hombre de la medianoche

Ficha Técnica:



Título original:

The Midnight Man

Año:

1974

País:

Estados Unidos

Género:

Thriller. Intriga

Dirección:

Roland Kibbee & Burt Lancaster

Guión:

Roland Kibbee, Burt Lancaster (Novela: David Anthony)

Duración:

117 min



Reparto:



Burt Lancaster, Susan Clark, Cameron Mitchell, Morgan Woodward, Harris Yulin, Robert Quarry, Joan Lorring, Lawrence Dobkin, Ed Lauter, Mills Watson, Charles Tyner, Catherine Bach, Bill Lancaster, Quinn K. Redeker, Richard Winterstein



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español, inglés y portugues (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 592

Formato:

MKV

Tamaño:

1,91 GB


Sinopsis:
Jim Slade (Burt Lancaster) es un ex policía que acaba de cumplir una condena por asesinato. Gracias a un viejo amigo, Jim consigue un tranquilo trabajo de vigilante nocturno en una universidad. Al investigar un robo, aparentemente inocente, descubrirá que tras éste hay mucho más de lo que se ve a simple vista... (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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Dersu Uzala (Akira Kurosawa, 1975)



Dersu Uzala: El cazador

Ficha Técnica:



Título original:

Derzu Uzala

Año:

1975

País:

Japón, U.R.S.S.

Género:

Drama

Dirección:

Akira Kurosawa

Guión:

Akira Kurosawa & Yuri Nagibin

Duración:




Reparto:



Maksim Munzuk, Yuri Solomin, Svetlana Danilchenko, Dima Kortishev, Schemiki Chokomorov



Datos del archivo:



Idioma:

Ruso / Español con subs en español, inglés y portugues (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 464

Formato:

MKV

Tamaño:

2,63 GB (Extras: 512 MB)


Sinopsis:
El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que el capitán se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida. (FILMAFFINITY)


1975: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1975: Gran premio en el festival internacional de Moscú
1975: David de Donatello: Mejor película del año

EXTRAS (VOSE):

Cómo se hizo Dersu Uzala (03:02)
Entrevista a Yuri Solomin (19:52)
Expedición de Arseniev a Kamchatka (00:59)
Festival de Moscú (01:47)
CAPTURAS:

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