miércoles, 11 de enero de 2012

A Girl in Every Port (Chester Erskine, 1952)





Una novia en cada puerto

Ficha Técnica:



Título original:

A Girl in Every Port

Año:

1952

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Chester Erskine

Guión:

Chester Erskine (Historia: Frederick Hazlitt Brennan)

Duración:

86 min



Reparto:



Groucho Marx, Marie Wilson, William Bendix, Don Defore, Gene Lockhart, Dee Hartford, Hanley Stafford, Teddy Hart, Percy Helton, George E. Stone



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

544 x 400

Formato:

AVI

Tamaño:

887 MB


Sinopsis:
Benny Linn y Tim Dunnevan son dos marineros que se embarcan constantemente en numerosos negocios para ganar dinero de forma fácil. Esta vez Benny y Tim utilizan una pequeña herencia para comprar dos caballos, uno para correr en el hipódromo y el otro para revenderlo a un precio más alto. Pero ambos caballos deben competir uno con el otro en una carrera crucial que puede significar o el triunfo o la ruina absoluta de los marineros. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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What Did You Do in the War, Daddy? (Blake Edwards, 1966)




¿Qué hiciste en la guerra, papi?

Ficha Técnica:



Título original:

What Did You Do in the War, Daddy?

Año:

1966

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia. Bélico

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

William Peter Blatty

Duración:

119 min



Reparto:



James Coburn, Aldo Ray, Dick Shawn, Sergio Fantoni, Giovanna Ralli, Harry Morgan, Carroll O'Connor, Kurt Kreuger, Leon Askin



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704 x 288

Formato:

AVI

Tamaño:

1604 MB


Sinopsis:
Durante la Segunda Guerra Mundial, un batallón de soldados norteamericanos llegan a un a un pequeño pueblo italiano, donde son muy bien recibidos. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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The Great Race (Blake Edwards, 1965)



La carrera del siglo

Ficha Técnica:



Título original:

The Great Race

Año:

1965

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

Arthur A. Ross (Historia: Blake Edwards)

Duración:

160 min



Reparto:



Tony Curtis, Jack Lemmon, Natalie Wood, Peter Falk, Vivian Vance, Keenan Wynn, Arthur O'Connell, Dorothy Provine, Larry Storch



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 336

Formato:

MKV

Tamaño:

1,82 GB


Sinopsis:
Aventuras y desventuras de los participantes en una carrera automovilística entre Nueva York y París, a principios del siglo XX. Jack Lemmon y Tony Curtis interpretan a dos excéntricos pilotos entre los que hay una feroz rivalidad. Todo tipo de incidentes y situaciones cómicas se irán sucediendo. (FILMAFFINITY)


1965: Oscar: Mejores efectos de sonido. 5 nominaciones


CAPTURAS:

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Experiment in Terror (Blake Edwards, 1962)




Chantaje contra una mujer / El mercader del terror

Ficha Técnica:



Título original:

Experiment in Terror

Año:

1962

País:

Estados Unidos

Género:

Cine negro. Thriller. Policíaco

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

Gordon Gordon, Mildred Gordon (Novela: Gordon Gordon, Mildred Gordon)

Duración:

123 min



Reparto:



Glenn Ford, Lee Remick, Stefanie Powers, Roy Poole, Ned Glass, Anita Loo, Patricia Huston, Gilbert Green, Clifton James, William Bryant



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576 x 336

Formato:

AVI

Tamaño:

696 MB


Sinopsis:
Cuando Kelly Sherwood, una joven empleada de banca, regresa a su domicilio en un barrio de San Francisco, es atacada por un desconocido que le exige que robe cien mil dólares del banco donde trabaja; si no cumple sus órdenes, asesinará a su hermana Toby. Aterrorizada, la joven se pone en contacto con el FBI, pero las pistas que aporta son muy escasas. (FILMAFFINITY)


Notable film policiaco de Blake Edwards (Oklahoma, 1922), poco conocido y en general infravalorado. El guión, de Gordon Gordon y Mildred Gordon, adapta su novela “Operation Terror” (1960), publicada en tres partes en “Ladies Home Journal” (septiembre, octubre y noviembre). Se rueda en escenarios reales de San Francisco (Candlestick Park, Saint Germanie Street, Golden Gate...) y en los Columbia Studios. Es nominado a un Globo de oro (actor secundario, Ross Martin). Producido por Blake Edwards para Columbia, se estrena el 13-IV-1962 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en San Francisco (CA), a lo largo de unos pocos días del invierno de 1962. Kelly Sherwood (Remick), de unos 22 años, empleada como cajera de una entidad bancaria, soltera, ordenada, pretendida por Dick (Mallory), un compañero del trabajo, vive sola con su hermana menor Toby (Powers), de 16 años, que estudia bachillerato y es novia de Dave (Evans), también estudiante. Kelly es seria, ordenada, juiciosa y responsable. Toby es alegre y extrovertida. Las dos hermanas se llevan muy bien y se profesan un gran afecto. El inspector del FBI que las ayuda, John “Rip” Ripley (Ford) es un profesional concienzudo, pero rutinario y de escaso talento.

El film suma policiaco, crimen, cine negro, misterio y thriller. El detonante y el móvil de la acción viene dado por el chantaje de que es víctima Kelly por parte de un desconocido fuerte físicamente y con problemas de asma. Se mueve con astucia, un alto nivel de información sobre sus víctimas y allegados y con antecedentes, según sus manifestaciones, de dos asesinatos previos. No deja pistas, no se encuentran indicios de su compleja personalidad y no se conocen sus móviles. Se cubre el rostro con gafas de sol oscuras, oculta la cabeza en la capucha de la trenca y, cuando conviene, se viste de mujer. El nudo dramático se asienta en la capacidad de ocultación del asesino chantajista, la ausencia de pistas, el trabajo rutinario del inspector del FBI, el desarrollo burocrático de su trabajo, la insuficiencia de sus métodos ante las iniciativas y la versatilidad que demuestra el criminal, el escaso talento del inspector Ripley como sabueso perspicaz y con capacidad de anticipación. Se asienta, además, en la gravedad de las amenazas y en la constatación de que las cumple con frialdad y ensañamiento.

El tono del relato es contenido, serio y amargo. Black Edwards, especialista en comedias y dado a edulcorar la situaciones comprometidas, mantiene en este caso una gran coherencia estilística. Crea situaciones de gran tensión, de intenso misterio y de terror franco, sin entretenerse en concesiones. Las imágenes que presenta del criminal y del almacén de pieles abandonado que tiene arrendado, son perturbadoras. Consigue situar el suspense de las secuencias culminantes en niveles escalofriantes: secuestro de una muchacha, retención de Kelly en el garaje de la casa, almacén de maniquís, perspectivas del estadio y otras.

La obra contiene todos los elementos básicos del género policiaco, pero los presenta desnaturalizados o incluso invertidos. El policía es un profesional sin olfato, sin intuición, carece de carisma, es aburrido y no enamora a la chica; un policía dice que no ha usado nunca la pistola; el soplón es duro e inflexible aunque, cuando se le hace reflexionar, se enternece; el asesino es un psicópata, como corresponde al caso, pero no es un malvado del todo coherente y de una sola pieza.

El film construye algunas escenas que han sido imitadas o utilizadas como base de inspiración por obras posteriores. Nos referimos, entre otras, al taller de maniquís, la escena sobre el césped del estadio vacío, el travestismo del asesino, etc. A la vez, se inspira en películas anteriores, como la serie muda “Keystone Cops” (1912-17), “El tercer hombre” (Reed, 1949), “Psicosis” (Hitchcock, 1960), etc. Anticipa el peluche del tigre que aparece en “La pantera rosa” (1963) y en “La carrera del siglo” (1965). Antes de realizar el film, Blake Edwards se había familiarizado con el género como creador de la serie de TV “Peter Gunn” (1958-61). Es el primer largo que estrena en 1962: en diciembre estrena el segundo, “Días de vino y rosas”.

La interpretación de Lee Remick es notable y convincente. Le da adecuada réplica Glenn Ford. Sobresale la intervención de Ross Martin en el papel del asesino Garland Humphrey “Red” Lynch, por el que se hace acreedor a una nominación al Globo de oro al mejor actor secundario.

La banda sonora, de Henry Mancini (“Sed de mal”, Welles, 1958), ofrece una magnífica partitura de 12 cortes, esmeradamente ajustados a las necesidades de la acción. Pone el virtuosismo sonoro que le caracteriza al servicio de la narración visual: sonido e imagen forman una combinación homogénea y coherente de gran fuerza expresiva. Predominan los temas jazzísticos, pero no faltan los líricos a cargo de solos de piano, como el breve y magnífico “Nancy”. La partitura es una de las mejores de Mancini, aunque no la más conocida. La fotografía, de Philip H. Lathrop (“Días de vino y rosas”, 1962), en B/N, compone imágenes en las que abundan las sombras, los negros sólidos, los contrastes de luz, planos profundos y algunos planos generales. Muestra con delectación el paisaje urbano, diurno y nocturno, de San Francisco. Es una de las películas del realizador mejor valoradas actualmente por la crítica especializada.


Bibliografía

Patricio RUIZ BROTONS, “El ‘otro’ Edwards” (sobre “Chantaje contra una mujer”), ‘Encadenados’, www.encadenados.org/23, sin fecha. (Miquel, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Voici le temps des assassins... (Julien Duvivier, 1956)




Almas perversas / Mentes perversas

Ficha Técnica:



Título original:

Voici le temps des assassins...

Año:

1956

País:

Francia

Género:

Thriller. Drama

Dirección:

Julien Duvivier

Guión:

Julien Duvivier, Charles Dorat, Pierre-Aristide Bréal (Historia: Julien Duvivier, Charles Dorat, Maurice Bessy)

Duración:

113 min



Reparto:



Jean Gabin, Danièle Delorme, Robert Arnoux, Liliane Bert, Gérard Blain, Lucienne Bogaert



Datos del archivo:



Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

624 x 464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,19 GB


Sinopsis:
Catherine –una ingenua carita de ángel de veinte años– llega a París con una sola maleta y un dato: el nombre de André Chatelin, renombrado chef, dueño de un restaurante en Les Halles, y ex marido de su madre más de dos décadas atrás. La joven acaba de quedar huérfana y Chatelin, para disgusto de su propia madre –otro personaje siniestro del film–, la acoge en su casa. Paulatinamente, las primeras y cándidas apariencias dejan paso a certezas bastante más macabras. En el contexto del cine francés industrial de la época, Duvivier desconcertó con este puñado de personajes femeninos tremendamente amorales, sórdidos y derrumbados. (FILMAFFINITY)


Julien Duvivier, el maestro del cine noir francés se supera a sí mismo y realiza esta obra maestra, que deja atrás todos los trabajos anteriores alcanzando la cumbre de su carrera. Ayudado por su espléndido reparto, Duvivier nos atrapa desde el principio hasta el final de este film pleno de intriga, maldad, suspenso y un ritmo sin cuartel. Esta gema es la prueba definitiva de que el cine francés no estaba para nada moribundo a finales de los cincuenta. Por lo contrario, casi nos atreveríamos a decir que la llamada "Nouvelle Vague" ha sido un paso atrás.

Y nuevamente tenemos al gran Jean Gabin, el gigante del cine francés, encarnando maravilosamente a André Chatelin, un prestigioso chef propietario de un distinguido restaurante en Les Halles de París, lugar donde ahora se encuentra el Forum Des Halls.

"- ¿Tiene Coca-Cola en su Carta?
- No, señora. Esto es un restaurante, no una farmacia."

El papel de Chatelin fue escrito expresamente para Jean Gabin. Un personaje fuerte y desbordante de realismo que le queda como un guante, en el cual los guionistas no dejaron pasar la oportunidad de divertirse un poco a costa de unos turistas americanos -que están bastante lejos de ser gourmets- en el restaurante de Chatelin.

"Es el tiempo de los asesinos.
La hora de la soga y la traición.
La hora sin piedad ni compasión
por las vidas de los hombres..."

(De la banda de sonido, "La Complainte des Assassins";
con letra de Julien Duvivier y música de Jean Wiener;
interpretada por Germaine Montero)

El título original del filme, que podría traducirse como "Es el tiempo de los asesinos", hace referencia y es la última frase de un poema de Rimbaud, "Matinée d'ivresse" (la mañana de la intoxicación) ("Les Illuminations", 1873-1875).

Y es que, a excepción de Chatelin, su cuasi hijo adoptivo Gérard Delacroix (interpretado por Gérard Blain, a quien Duvivier encontró en la barra de un bar parisino y pensó que físicamente podría encajar perfectamente en este personaje) y algunos empleados y clientes, casi todos los demás personajes de esta película -especialmente los femeninos- son mala semilla, o, en el mejor de los casos, no son ningún dechado de virtudes.

Catherine, el personaje de Danielle Delorme, es una de las arpías más perversas y retorcidas que se han visto en la pantalla grande; es la perversidad personificada. Delorme está soberbia como paradigma de una femme fatale manipuladora con cara de mosquita muerta e instinto criminal. Una psicópata despiadada capaz de hilar una sarta interminable de mentiras sin pestañear.

El personaje de Germaine Kerjean, la madre de André Chatelin, si bien no es ninguna criminal, es una mujer de carácter bastante fuerte. No sólo se había puesto en contra del anterior matrimonio de su hijo, sino que aún continúa manejando su vida como si fuera un niño, siempre con la intención de protegerlo. Además sabe manejar el látigo con maestría (en una escena se la ve matando pollos a latigazos en su guinguette) y no está dispuesta a tolerar a Catherine, en quien no confía ni un milisegundo ¡y para colmo es la hija de la ex-mujer de su hijo! -cuando André le presenta a Catherine y le pregunta qué le parece, ella le contesta que le da escalofríos.

Por último, Gabrielle, el personaje de Lucienne Bogaert, es el más sórdido, desagradable y siniestro que se haya visto en el cine hasta entonces. Totalmente arruinada y deformada en un rictus de desesperación por el alcohol y las drogas; desquiciada, avara y demandante, es la decadencia personificada, en el peor de los sentidos. Asquerosamente manipuladora, es pavorosa la manera en que se regodea planificando un asesinato.

Para no desentonar, el personaje de Gabrielle Fontan (el ama de llaves de Chatelin) es una solterona fisgona que no soporta a Catherine, y merodea por la casa llevando y trayendo chismes sobre la advenediza.

El resto del elenco es igualmente fabuloso. En un papel secundario corto pero clave, vemos a Robert Manuel (quien un año antes habría sido uno de los coprotagonistas de "Rififí" de Jules Dassin interpretando al italiano Mario Ferrati), dando vida aquí a Mario Bonnacorsi, un alegre putañero de buenas intenciones y rasgos gardelianos que una noche por casualidad recala en el restaurant.

La excelente fotografía en blanco y negro y las locaciones o platós representan perfectamente la cultura popular parisina; desde el viejo mercado de Les Halles (una sitio hoy desaparecido del centro de París y trasladado a las afueras, pero que en su momento supo ser el corazón de la ciudad), o la típica guinguette (ya hemos hablado de las guinguettes en "La Belle Équipe"; aquí la madre de Chatelin vive en una que está situada en Lagny-sur-Marne), hasta lo más sórdido, como el Hôtel du Charolais, donde vivía Gabrielle.

Una auténtica exquisitez para gourmets del buen cine, altamente recomendable. (http://funcion-especial.blogspot.com/)




CAPTURAS:

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Ordet (Carl Theodor Dreyer, 1955)




La palabra

Ficha Técnica:



Título original:

Ordet (The Criterion Collection)

Año:

1955

País:

Dinamarca

Género:

Drama

Dirección:

Carl Theodor Dreyer

Guión:

Carl Theodor Dreyer (Obra: Kaj Munk)

Duración:

125 min



Reparto:



Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Preben Lerdorff Rye, Cay Kristiansen, Brigitte Federspiel, Ann Elizabeth, Ejner Federspiel, Sylvia Eckhausen, Gerda Nielsen



Datos del archivo



Idioma:

Danes con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

608 x 464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Hacia 1930, en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental, el viejo Morten Borgen dirige la granja de Borgensgaard. Tiene tres hijos: Mikkel, Johannes y Anders. El primero está casado con Inger y tiene dos hijas pequeñas, aunque en estos momentos Inger está embarazada y esperan el tercero. Johannnes es un antiguo estudiante de Teología que, por haberse imbuido de las ideas de Kierkegaard e identificarse con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio. (FILMAFFINITY)



1955: Venecia: León de oro - mejor película

Realizada por Cart Theodor Dreyer (1889-1968), la película se basa en la obra teatral "Ordet" (1932), del pastor Kaj Munk, asesinado por los nazis. Fue adaptada por el propio Dreyer, autor del guión. Se rodó a finales de 1954. Ganó el León de oro de Venecia, extensivo a toda la obra del autor. Producida por Dreyer, Erik y Tage Nielsen, se estrenó el 10-I-1955 (Dinamarca).

La acción tiene lugar en Jutlandia Occidental (Dinamarca), en torno a 1930. En el seno de una pequeña comunidad rural, el granjero Morten Borgen (Henrik Malberg) está enfrentado al sastre, Peter Petersen (Ejner Federspiel) por cuestiones religiosas. El granjero encarna el espíritu de la reformada Iglesia Danesa Luterana, mientras el sastre representa a la Iglesia de la Misión Interior, de moral severa y creencias rígidas.

La película desarrolla el drama de una familia rural. Hace uso de pocos personajes y pocas localizaciones, que sitúa en un ambiente dotado de cierta irrealidad. Está considerada como una de las principales obras sobre religión de la historia del cine. El realizador vuelca en ella sus angustias religiosas, incentidumbres filosóficas y dudas morales, que explica con respeto y sinceridad. Plantea preguntas sobre el sentido de la fe del teólogo, la de los niños inocentes, la que nace de la bondad de Inger (Brigitte Federspiel), la del loco Johannes (Preben Lerdoff), antiguo estudiante de Kierkegaard, la que se oculta en el buen corazón del agnóstico Mikkel (Emil Haas Christiansen). Siembra interrogantes sobre la intransigencia religiosa, las peleas de religión, las disputas sobre cuestiones como el perdón, el valor moral de la alegría, el amor humano como expresión del amor divino. Hace referencia a las relaciones entre religión y religión (la luterana reformada y la de la Misión interior), religión y ciencia, religión y fe, religión y vida, que invitan a su libre consideración. La muerte inesperada de Inge conmueve a todos e introduce un tema nuevo: la existencia o no de milagros. En los momentos culminantes de la vida, nadie cree en los milagros, dice Dreyer, salvo el loco Johannnes (la fe más allá de la razón) y la niña Maren (la inocencia en la que anida la fe). En la pieza de teatro no hay milagro, en el film posiblemente si o tal vez no. Pero lo más importante no es el milagro, lo que más vale es el amor, el de la pareja fundida en un abrazo físico prolongado, que exalta la vida. Posiblemente los milagros más importantes son los que llevan a la reconciliación, la concordia y la paz. Posiblemente la fe auténtica es las que más cree en la vida como expresión de trascendencia.

La música aporta cánticos religiosos populares y melodías (cuerda y viento) de gran belleza. La fotografía ofrece movimientos panorámicos de grúa, planos generales, tomas largas y composiciones inspiradas en la estética del pintor danés Hammershoi. Evita los efectos especiales y toda artificiosidad. La ambientación es de una sobriedad cautivadora. (Miquel, FilmAffinity)



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Robin and the 7 Hoods (Gordon Douglas, 1964)




Cuatro gángsters de Chicago

Ficha Técnica:



Título original:

Robin and the 7 Hoods

Año:

1964

País:

Estados Unidos

Género:

Musical. Gran Depresión

Dirección:

Gordon Douglas

Guión:

David R. Schwartz

Duración:

123 min



Reparto:



Frank Sinatra, Dean Martin, Bing Crosby, Sammy Davis Jr., Edward G. Robinson, Peter Falk, Victor Buono, Barbara Rush, Hank Henry, Sig Ruman



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

544 x 224

Formato:

AVI

Tamaño:

700 MB


Sinopsis:
Durante la Gran Depresión, el gángster Robbo (Sinatra), que domina la zona Norte de Chicago, espera triunfar en su lucha por el poder contra su rival Guy Gisborne (Peter Falk). Robbo se considera a sí mismo el último Robin Hood: estafa a los ricos, usando como tapadera negocios filantrópicos y, después de quedarse con una parte de los beneficios, reparte el resto entre los pobres. (FILMAFFINITY)



1964: 2 nominaciones al Oscar: Mejor banda sonora (Adaptada), canción

Protagonizada por 3 componentes del "clan Sinatra", también llamado "rat pack", fue dirigida por Gordon Douglas. Rodada en los estudios de la Warner, se estrenó en Chicago el 24-VI-1964. Obuvo 2 nominaciones a los Oscar (canción y sonido), 2 a los Golden Laurel (película musical y sonido) y 1 al WGA (guión). El productor fue Frank Sinatra.

La acción tiene lugar en Chicago en 1928. Narra la historia de un grupo de gángsters gobernado por Big Jim, que muere asesinado el día de su compleaños. Tras el entierro, se desencadena una lucha sin cuartel entre Guy y Robbo por el liderazgo. Las cosas se complican aún más cuando la hija de Big Jim se presenta para reclamar sus derechos.

La película hace una parodia amable del cine de gángsters de los años 20, con algunas escenas tan destacadas como la muerte de Big Jim, acribillado por sus esbirros a los postres del banquete de cumpleaños, y la del entierro posterior con homenaje de discursos y disparos al aire. El papel de Big Jim, lo interpreta Edward G. Robinson, protagonista de "Little Cesar"/"Hampa dirada" (1930), una de las películas pioneras del cine negro de gángsters. Por lo demás, la película traslada a Chicago la figura de Robin Hood, héroe medieval, que robaba a los ricos para dar a los pobres. Los compañeros de Robbo/Robin llevan los nombres de la leyenda: Will Scarlett (Sammy Davis Jr.), Guy Gisbourne (Peter Falk), Marian (Barbara Rusch), Little John (Dean Martin). Robbo descubre casualmente que destinando una parte de los ingresos a beneficencia, puede camuflar sus negocios ilegales, incrementar las ganancias, extender el negocio e invadir sin problemas el territorio de su enemigo Guy. El título original resulta de la combinación del de 2 películas para adolescentes: "Robin Hood" y "Blancanieves y los 7 enanitos". El "clan Sinatra" incluía, además de los tres que intervienen en el film, a Peter Lawford y Joseph Bishop.

La música incidental es de jazz y ragtime. A ella se añade una partitura de 7 canciones originales, de Sammy Cahn y James Van Hensen, de las que sobresalen "Style" y "My Kind of Town", popularizada por Frank Sinatra. La fotografía, del gran William H. Daniels, que encumbró a Greta Garbo, elabora una narración visual brillante y colorista, con acertados ribetes de buen humor. El guión desarrolla en clave de comedia irónica y comica una trama destinada a dar cabida a números musicales, incidencias hilarantes (transformación automática de un garito en iglesia) y escenas optimistas. La interpretación de Sinatra, Martin y Davis desborda naturalidad, en el último y posiblemente el más logrado de los cinco films que protagonizaron. Bing Crosby, en una de sus últimas apariciones en cine, cumple con discreción y buen oficio. La dirección construye una obra de evasión, con eficiencia y habilidad. Le imprime un ritmo intenso, muy apropiado.

Comedia musical bien interpretada, de buena música y excelente fotografía, destinada a proporcionar diversión y entretenimiento. (Miquel, FilmAffinity)



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Kiss Tomorrow Goodbye (Gordon Douglas, 1950)




Corazón de hielo

Ficha Técnica:



Título original:

Kiss Tomorrow Goodbye

Año:

1950

País:

Estados Unidos

Género:

Cine negro. Drama

Dirección:

Gordon Douglas

Guión:

Harry Brown (Novela: Horace McCoy)

Duración:

102 min



Reparto:



James Cagney, Barbara Payton, Helena Carter, Ward Bond, Luther Adler, Barton MacLane, Steve Brodie, Rhys Williams, Herbert Heyes



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

906 MB


Sinopsis:
Un psicópata, que se ha fugado de la cárcel donde cumplía cadena perpetua, trata de subsistir reanudando sus actividades delictivas. Para ello corromperá a personajes de las altas esferas... (FILMAFFINITY)


Cagney en 1950 anda ya por los 50 tacos y son muchos para seguir erre que erre con sus papeles de gángster "aniñado". Es verdad que con la creación, en los 40, de su propia productora Cagney Productions, junto a su hermano William, tratan de dar un giro a su carrera, pero sus éxitos son escasos (Sangre sobre el sol) y las deudas muchas. Vuelven con la Warner y Raoul Walsh encumbra de nuevo a Cagney a "la cima del mundo" en White Heat (Al rojo vivo). Esta Corazón de hielo, producida un tanto a medias entre la Cagney Productions y la WB, se plantea como un intento de repetir éxito pero, a pesar de sus muchas virtudes, algo falla y los beneficios se resienten.

El título original del film es "Kiss Tomorrow Goodbye" y eso marca. La biografía de Bárbara Payton, actriz y ninfómana, se titula precisamente así "Kiss Tomorrow Goodbye: The Bárbara Payton story", lo cual da una idea de la importancia de esta película en la vida de la actriz. Es cierto que previamente había interpretado un papel bastante decentito en "Trapped" junto a LLoyd Bridges, pero seguía siendo una desconocida en Hollywood, aunque acababa de presentarse ante la MGM para un papelito en La Jungla de Asfalto de John Huston, papel que sería para una tal Marilyn Monroe. Con un estado anímico un tanto bajo recibe la oferta de James Cagney, uno de sus ídolos cinematográficos y aquí tenemos a Bárbara con 23 años junto al mito Cagney. Se dice que entre sus "trofeos de caza" estuvo el gángster por excelencia del cine mundial.

Este es un aliciente para repasar este film pero hay otros. Por ejemplo la presencia de Ward Bond, incombustible actor, buen secundario donde los haya, fijo de John Ford, en un papel ciertamente atípico de policía corrupto. También Luther Adler como abogado excéntrico e igualmente corrupto, Helena Carter como crédula niña rica o incluso el planteamiento de la acción mediante flasbacks pluripersonales en un estilo que desarrollarían también directores de la talla de Welles o Manckiewicz.

Y por encima de todos la figura de James Cagney en un papel, despiadado y violento, hecho a su medida y a su lucimiento, al que le saca partido a base de ironías y humores mordaces, aunque sobre algún que otro puñetazo increíblemente fulminante o hubiese sido deseable una menor aparatosidad en algunos lances. Recordemos algunos de sus desplomes evocadores de las sobreactuaciones del cine silente. Sin embargo Cagney es una institución y casi todo se le perdona, aunque su atractivo irresistible para dos féminas como las que le rodean no acabemos de verlo por parte alguna. Carácter tenía y buen actor lo demostró sobradamente, incluso cuando dio un giro a sus trabajos encauzándolos a territorios menos violentos y más distendidos. La violencia de los 30 con sus "enemigos públicos" era difícilmente exportable a los 50. White Heat fue la excepción que confirma una regla tan inflexible que incluso algunos Estados como Ohio prohibieron la exhibición de Kiss Tomorrow Goodbye. (FATHER CAPRIO, FilmAffinity)




CAPTURAS:

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Indiscreet (Stanley Donen, 1958)



Indiscreta

Ficha Técnica:



Título original:

Indiscreet

Año:

1958

País:

Reino Unido

Género:

Comedia. Romance

Dirección:

Stanley Donen

Guión:

Norman Krasna

Duración:

100 min



Reparto:



Cary Grant, Ingrid Bergman, Phyllis Calvert, Cecil Parker, David Kossoff, Megs Jenkins



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

848x478

Formato:

MKV

Tamaño:

477 MB


Sinopsis:
Una famosa actriz conoce a un elegante y rico hombre de negocios y ambos se sienten inmediatemente atraídos. Él le dice que está casado y que su esposa se niega a concederle el divorcio, pero a pesar de todo comienzan una feliz y romántica relación... (FILMAFFINITY)


Producida y dirigida por Stanley Donen ("Cantando bajo la lluvia, 1952), se basa en la obra teatral "Kind Sir" (1953), de Norman Krasna, adaptada por éste al cine. Se rodó en interiores y exteriores de Londres y en los Elstree Studios. Fue nominada a 3 Globos de oro, 2 BAFTA y un WGA (guión). Producida por Grandon Productions, se estrenó el 20-V-1958 (EEUU).

La acción tiene lugar en Londres, en 1957, a lo largo de varios meses. Narra la historia de amor de Anna Kalman (Ingrid Bergman) y Philip Adam (Cary Grant). Ella es famosa actriz de teatro, de unos 33 años, elegante y sofisticada, ha tenido varios desengaños amorosos y se siente desilusionada. Él, diplomático americano, nacido en San Francisco hace unos 35 años, destinado a la sede de la OTAN en Paris, es experto en finanzas internacionales y, según confiesa, ha tenido una experiencia matrimonial fracasada. Es aficionado a la música y al ballet y siente aversión al compromiso. El encuentro entre ambos hace renacer en Anna las ilusiones perdidas.

La película desarrolla una comedia romántica entre dos personas con experiencias amorosas pasadas y de edades superiores a los 30 años, que se enamoran como colegiales, lo que aporta elementos de humor y de reflexión sobre ls relaciones entre la edad y el amor verdadero. El film se desenvuelve en un ambiente de lujo y opulencia, que visto con ojos de hoy resulta empalagoso. Es destacable el vestuario de Christian Dior para Anna, con el que buscó aunar elegancia e innovación sobre la moda del momento. La historia contiene elementos de transgresión, que elevan el tono del relato y suscitan el interés del público. El amor extramatrimonial de Philip se explica con sutilezas y rodeos para evitar la censura. Ésta no permitió la inclusión de una escena de cama de los enamorados, que el director sustituyó por una doble imagen en la que éstos aparecen separados por una tenue línea de sutura vertical. Los orígenes del realizador como bailarín explican las referencias al ballet, la alegre escena del baile de la rueda y los vibrantes pasos de baile en solitario de Cary Grant. El enredo de verdades y mentiras enardece el interés del relato.

La música aporta una canción original, "Indiscreet", de Cahn y Hensen. El score ofrece una variada selección de solos de piano, violín y saxo y composiciones de cuerdas, de aires románticos y clasicistas. La fotografía, cuidada y bien contrastada, se recrea en grandes espacios interiores, en el vestuario de Anna y en una decoración recargada y suntuosa. Los paspartús de colores diversos de los cuadros del salón de Anna crean un curioso y novedoso colorismo. Se agradece la reiterada visión de una aguatinta de Picasso. El guión está escrito con habilidad y contiene unos diálogos espléndidos. La interpretación de los protagonistas, reunidos tras 12 años desde "Encadenados" (1946), es excelente. La dirección crea una más que interesante comedia de amor, intriga, celos, enredos, mentiras, engaños y revanchas.

El film acentúa el tono romántico con citas de "Romeo y Julieta" (Shakespeare), "La dama de las camelias" (Dumas) y "Margarita Gautier" (G. Cukor, 1937). El título hace referencia a una indiscreción que revela Margaret a su hermana Ana. Tras varios giros, el final pone en evidencia las mentiras y ridiculiza a los mentirosos y a las mentirosas. (Miquel, FilmAffinity)



Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

Singin' in the Rain (Stanley Donen & Gene Kelly, 1952)




Cantando bajo la lluvia

Ficha Técnica:



Título original:

Singin' in the Rain

Año:

1952

País:

Estados Unidos

Género:

Musical

Dirección:

Stanley Donen, Gene Kelly

Guión:

Betty Comden, Adolph Green

Duración:

102 min



Reparto:



Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

658x480

Formato:

MKV

Tamaño:

489 MB


Sinopsis:
Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen). (FILMAFFINITY)


Pensar que hay personas, algunas sensibles, que tienen fobia al cine musical. No son exactamente las mismas a quienes les fastidia la ópera, si bien ambos grupos coinciden en el rechazo de la inverosimilitud de oír a una soprano obesa largar un aria muriéndose de tisis en el suelo, o ver a una pareja de enamorados prometerse fidelidad con un zapateado. En los operatófobos suele estar implícita la lucha de clases (esa monserga de que se trata de un arte elitista, pagado y concebido para halago de reyes, aristócratas y altos burgueses), mientras que los enemigos del cine musical lo desdeñan por su tradición demótica, burlesca y cabaretera. Allá ellos, que se pierden el arte del mayor matemático demente que han dado las artes visuales (Busby Berkeley), o ignoran la sutileza ingenua y sentimental con la que Jacques Démy puso música a la guerra de Argelia (Los paraguas de Cherburgo) y a las huelgas de los obreros metalúrgicos franceses (Una habitación en la ciudad). Ahora bien, me atrevo a decir que no hay nadie -ni buscando entre los más recalcitrantes antimusicalistas- inmune a Cantando bajo la lluvia, una película sobre la que ha caído el chaparrón de consenso más baboso de la historia del cine, quizá solo superado por el que aún sufre Casablanca.

La felicidad que irradia Cantando bajo la lluvia no es sin embargo ñoña ni estúpida, dos concesiones que los amantes del género estamos dispuestos, a cambio del chaqué de Fred Astaire, a otorgarle a algunos títulos clásicos del Hollywood musical de los años treinta. Y su muy happy end, con la apoteosis del cartelón de película poniendo en abismo a la propia pareja central (Gene Kelly / Debbie Reynolds) que lo contempla delante, llega después de una de las escenas más crueles del afable reino de la comedia: el descubrimiento ante el público de la treta con la que Lina Lamont (extraordinaria Jean Hagen), que no sabe hablar ni cantar, trata de proseguir su carrera estelar pese a la llegada del cine hablado (la escena se convierte, por otra parte, en un demoledor alegato contra el doblaje). Carteles y telones, focos en la fachada de los teatros y en los platós, cámaras de manivela y discos de cera, decorados pomposos o esquemáticos: Cantando bajo la lluvia es la epopeya cómica de un momento definitivo del séptimo arte, el paso del mudo al sonoro, y dentro de ese registro una de las grandes obras maestras del cine dentro del cine.

Concebida originalmente para la pantalla y no como adaptación de un musical de Broadway, Cantando bajo la lluvia cuenta con un soporte dramático de una ligereza muy similar a la habitual en el género, pero el productor (y artífice de los mejores musicales de la Metro) Arthur Freed y sus guionistas Adolph Green y Betty Comden tuvieron un sostenido brote de genio para trascender el pretexto de partida de la película, que era utilizar y, como se dice ahora, versionear famosas canciones ya oídas en filmes de los años treinta, la mayoría escritas por otra pareja legendaria, el compositor Nacio Herb Brown y su letrista, no otro que el propio Arthur Freed. Y puesto que la base musical era anacrónica, los co-guionistas decidieron recolocarla -con una intención satírica que no excluía la nostalgia- en el pequeño mundo aterciopelado de los primeros musicales de Hollywood.

Después de Green / Comden y Brown / Freed, la tercera pareja que sella la maestría de Cantando bajo la lluvia es la de sus codirectores, Gene Kelly, excelente solista y coreógrafo ya muy fogueado en el cine musical de los años cuarenta, y Stanley Donen, entonces en el comienzo de su carrera de director y con un útil "pasado", pronto abandonado, de bailarín de conjunto. Al tándem Kelly / Donen se debe algo cinematográficamente portentoso convertido por ellos en natural: la cámara de esta película es siempre lírica, anticipando con sus majestuosos movimientos de grúa el salto de la danza, bajando al suelo cuando allí hay un claqué o la pierna inacabable de Cyd Charisse, y poniéndose simplemente a la altura del rostro humano para captar esos pequeños números de musicalidad intimista (Haz reír, Buenos días o Moses Supposes, la divertidísima parodia de los dos amigos mareando al profesor de dicción).

Pero como Cantando bajo la lluvia trata del cine y se retrata en él, conviene sobre todo fijarse en sus tres grandes set pieces de carácter especular. El primero, para mí el más hermoso y revelador, es Naciste para mí (You were meant for me), en el que el impetuoso Don Lockwood (Gene Kelly) arrastra a la chica que quiere seducir, Kathy Selden (Debbie Reynolds), hasta un plató inactivo de los estudios, donde él mismo "monta" el escenario de su declaración: una escalera abandonada será el balcón de la novia, y el vacío lo llena con unos cuantos focos, unas nubes de humo artificial y un ventilador para agitar como brisa de anochecer el vestido de la muchacha. La ficción escénica al servicio de la verdad elemental.

El segundo es el celebérrimo número titular, ese soliloquio cantado y bailado en el que Don, al saberse correspondido por Kathy, expresa con la elocuencia de su voz y sus prodigiosas piernas otra premisa del cine: la falsificación o trastoque de la realidad para hacer verosímil lo imposible y subrayar estados de ánimo. Al despedirse, Kathy le dice a su novio que tenga cuidado con el chaparrón, pero Don lo niega: "Yo veo lucir el sol", y así se aleja del portal de la chica, cerrando el paraguas y diciendo "Me río de las nubes". Los minutos siguientes han hecho historia del cine, y sólo me atrevo a la mínima glosa de un detalle, dentro de una película suprema en el arte de los detalles: el asombroso partido dramático que Gene Kelly le saca a su paraguas, sucesivamente convertido en pareja de baile, guitarra, bastón de Charlot y espada al hombro. Cuando al final de la secuencia se lo entrega a un viandante calado hasta los huesos, el espectador ya está convencido: en esas calles encharcadas por el persistente aguacero no llueve.

Broadway Melody, el gran número de exhibición y cierre, representa en Cantando bajo la lluvia el apogeo del "estilo Arthur Freed", pero detrás del exquisito diseño y la música adorable hay ideas; Donen y Kelly compendian en unos minutos las películas que más aman, de Scarface a los Hermanos Marx, el gran Ziegfeld y el gran Astaire, Minnelli y Michael Powell, el art déco de Busby Berkeley y el Dalí dibujante para Walt Disney. De ahí que el itinerario del protagonista sea, más que un viaje por Broadway, la historia abreviada de un cine soñado.

Curiosidades:

* El rodaje de la canción "Good Morning" fue catastrófico. Llegando a ser rodada ocho veces en una misma sesión. Como tal, en la película se notan al menos dos cortes. Gene Kelly, obsesionado en buscar la perfección de la toma obligó a Debbie a bailar hasta que esta literalmente sangró de ambos pies en la toma final. Donald O'Connor y Debbie Reynolds debían aparecer en el gran Ballet de Broadway final, pero se negaron a trabajar en esas condiciones. El papel de Donald en esta fantasía -el de agente de Kelly- se redujo considerablemente, y Debbie fue sustituída por Cyd Charise, inmejorablente.

* La canción "Make'hem laugh", aunque se dijo que era original para la película, es un plagio descarado del "Be a clown" de Cole Porter. Éste último, elegantemente, decidió no interponer demanda alguna en beneficio de la película, que siempre fue una de sus favoritas. Urcelas
Gene Kelly adoptó durante el rodaje un tono déspota tanto con Debbie como con Donald O,Connor, al que consideraba un actor muy discreto. Tras el espactacular rodaje de la canción bailada y cantada por Donald, "Make'hem laugh", que le costó al bailarín una semana de reposo, la actitud de Gene para con él cambió considerablemente.

* Gene Kelly rechazó en un principio a Debbie Reynolds, dada su pobre experiencia para el baile, sobre todo el claqué. Fred Astaire, gran amigo de Gene, le propuso que él enseñaría a Debbie los pasos fundamentales. El resultado es evidente.

* La lluvia artificial que se aprecia en la famosa escena del baile, no es agua, es una solución salina ligeramente mezclada con leche para que pudiera ser captada perfectamente por la cámara.

* El día de grabación de la escena del baile bajo la lluvia, Gene Kelly llegó al estudio con un tremendo resfriado y 40 grados de fiebre; Stanley Donnen le propuso a Kelly realizar otro baile y eliminar el de la lluvia para que no se mojara el enfermo actor. Kelly se negó a cambiar la escena y la rodó en tan lamentables condiciones.

* La escena del baile bajo la lluvia fue ensayada por Genne Kelly y el director Stanley Donnen durante semanas. Su grabación se realizó en una sola toma.
(Vicente Molina Foix, elpais.com, tepesmas.com)


CAPTURAS:
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