miércoles, 11 de enero de 2012

A Girl in Every Port (Chester Erskine, 1952)





Una novia en cada puerto

Ficha Técnica:



Título original:

A Girl in Every Port

Año:

1952

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Chester Erskine

Guión:

Chester Erskine (Historia: Frederick Hazlitt Brennan)

Duración:

86 min



Reparto:



Groucho Marx, Marie Wilson, William Bendix, Don Defore, Gene Lockhart, Dee Hartford, Hanley Stafford, Teddy Hart, Percy Helton, George E. Stone



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

544 x 400

Formato:

AVI

Tamaño:

887 MB


Sinopsis:
Benny Linn y Tim Dunnevan son dos marineros que se embarcan constantemente en numerosos negocios para ganar dinero de forma fácil. Esta vez Benny y Tim utilizan una pequeña herencia para comprar dos caballos, uno para correr en el hipódromo y el otro para revenderlo a un precio más alto. Pero ambos caballos deben competir uno con el otro en una carrera crucial que puede significar o el triunfo o la ruina absoluta de los marineros. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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The Party (Blake Edwards, 1968)




El guateque / La fiesta inolvidable

Ficha Técnica:



Título original:

The Party

Año:

1968

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman

Duración:

99 min



Reparto:



Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley, Fay McKenzie



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

1280x544

Formato:

MP4

Tamaño:

753 MB


Sinopsis:
Hrundi V. Bakshi es un patoso actor de origen hindú que se encuentra rodadando una película en el desierto. Sus continuas meteduras de pata le llevan a ser despedido del rodaje. Curiosamente recibe la invitación a una fiesta organizada por el productor de su última película. En la fiesta todos parecen felices, pero Hrundi no conoce a nadie y ante tanta sofisticación social, empezarán a sucederse curiosas situaciones. (FILMAFFINITY).
"Gran comedia, planteada como un puro entretenimiento, en la que se suceden los gags; las revisiones incluso la benefician. (...) El extra y el camarero borrachín son personajes memorables" (Francisco Marinero: Diario El Mundo)





Sin duda la relación profesional entre Sellers, Edwards y Mancini constituyó uno de los aperitivos más interesantes de la década de los sesenta. Este magnífico trío; de alguna manera; reformuló los conceptos de la comedía norteamericana más tradicional, elevando nuevamente el género al Olimpo (restituyen la alternancia de sentimientos, el Slapstick o comedia payasa y un gusto desmedido por la extravagancia como pilares de identidad, considerados hoy en día, desde el punto de vista formal como heréticos, pero continuadores no cabe duda de los maestros de la comedia de los años treinta).

El guión original de "El guateque", coescrito por el propio Blake Edwards, su director, junto a Tom y Frank Waldman, constaba tan sólo de 63 páginas. Esto se explica, en parte, debido a los abundantes gags visuales y al humor físico, tipo slapstick, que colmaban la cinta, pero, sobre todo, a causa de su carácter improvisado, dado que la mayoría de números surgieron durante el mismo rodaje. Además de tratarse de un declarado tributo a la comedia muda, de la que Edwards era un gran admirador desde su infancia, en "El guateque" se pueden encontrar otros homenajes deliberados a varias películas, caso del largometraje de George Stevens "Gunga Din", que es parodiado en las escenas iniciales y por el que Edwards sentía un cariño especial, o del cine del francés Jacques Tati, especialmente de "Play time" y "Mi tío", del que recibe influencias tanto en la puesta en escena y en la concepción sonora como en algunos gags en concreto. Asimismo, el Morgan de tres ruedas que conduce Hrundi V. Bakshi, el indio protagonista interpretado por Peter Sellers, recuerda al vehículo usado por Monsieur Hulot en "Las vacaciones del Señor Hulot", también de Tati.

"El guateque" fue la única colaboración entre Blake Edwards y Sellers al margen de la saga de La Pantera Rosa, donde encarnaba al famoso Inspector Clouseau. El actor inglés creó el personaje patoso pero bienintencionado de Hrundi V. Bakshi expresamente para esta película, aunque mantenía cierto parecido con otro personaje de origen hindú que había interpretado en 1960 para "La millonaria" junto a Sophia Loren, el Dr. Ahmed el Kabir. Una de sus frases más populares, "Birdie nam nam" (Ñam ñam del lorito o del pajarito, según las versiones), fruto también de la improvisación, fue adoptada como nombre comercial por varios productos, como un grupo de música electrónica y una marca de helados, ambos franceses. Más recientemente, Johnny Depp decidió utilizarla de forma improvisada en "Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra" para su personaje de Jack Sparrow. Sparrow también pronunciaba otra de las frases más conocidas del film, "Howdy partiner". Por su parte, el actor Danny Miller, quien daba vida al atlético cowboy mediático ‘Wyoming Bill’ Kelson, había hecho anteriormente de Tarzán en "Tarzán de los monos", de Joseph M. Newman.

Para "El guateque", cuyo rodaje duró doce semanas, Blake Edwards volvió a su repetir con su habitual equipo de colaboradores en la saga protagonizada por el inspector Clouseau. Inicialmente, habían pensado en filmar toda la película en una casa real sin recurrir a decorados. Sin embargo, la necesidad de contar con un sistema de piscinas con agua para desarrollar algunos de sus gags, lo hacía bastante inviable. Así que, finalmente, se decantaron por construir un plató dentro del estudio de la Metro Goldwyn Mayer. Hablando de la piscina, para producir la creciente masa de espuma que acaba invadiendo la lujosa mansión en las secuencias finales de la cinta, solicitaron la ayuda del departamento de rescate del Aeropuerto de LAX. Los actores sufrieron serias dificultades debido a la ausencia de visibilidad pero, especialmente, a la escasez de oxígeno que ésta les ocasionaba.

La causante indirecta de dicha fiesta de espuma improvisada en la ficción es una cría de elefante que aparece con el cuerpo pintado hacia el final de la cinta. A pesar de su pequeño tamaño, el animal generaba una importante cantidad de excrementos a lo largo del día. Por ello, tenía a un solo hombre a su entera disposición que se ocupaba de manera exclusiva de recogerlos. Cada vez que los limpiaba, la banda de música presente durante todo el rodaje tocaba el tema “There’s no business like show business” a modo de broma. Siguiendo con la música, las canciones “The party” y “Nothing to lose”, esta última interpretada por la francesa Claudine Longet, fueron compuestas por Henry Mancini, estrecho colaborador de Edwards, y Don Black, quien les puso letra. Además, durante una de las escenas protagonizadas por Peter Sellers se escucha de fondo la pieza “It had better be tonight”, escrita originalmente por Mancini cinco años antes para “La Pantera Rosa”.
(www.jazztelia.com/off-hollywood
)

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What Did You Do in the War, Daddy? (Blake Edwards, 1966)




¿Qué hiciste en la guerra, papi?

Ficha Técnica:



Título original:

What Did You Do in the War, Daddy?

Año:

1966

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia. Bélico

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

William Peter Blatty

Duración:

119 min



Reparto:



James Coburn, Aldo Ray, Dick Shawn, Sergio Fantoni, Giovanna Ralli, Harry Morgan, Carroll O'Connor, Kurt Kreuger, Leon Askin



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

704 x 288

Formato:

AVI

Tamaño:

1604 MB


Sinopsis:
Durante la Segunda Guerra Mundial, un batallón de soldados norteamericanos llegan a un a un pequeño pueblo italiano, donde son muy bien recibidos. (FILMAFFINITY)



CAPTURAS:

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The Great Race (Blake Edwards, 1965)



La carrera del siglo

Ficha Técnica:



Título original:

The Great Race

Año:

1965

País:

Estados Unidos

Género:

Comedia

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

Arthur A. Ross (Historia: Blake Edwards)

Duración:

160 min



Reparto:



Tony Curtis, Jack Lemmon, Natalie Wood, Peter Falk, Vivian Vance, Keenan Wynn, Arthur O'Connell, Dorothy Provine, Larry Storch



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (contenedor MKV)

Calidad:

DVDRip (Ripeo propio)

Resolución:

720 x 336

Formato:

MKV

Tamaño:

1,82 GB


Sinopsis:
Aventuras y desventuras de los participantes en una carrera automovilística entre Nueva York y París, a principios del siglo XX. Jack Lemmon y Tony Curtis interpretan a dos excéntricos pilotos entre los que hay una feroz rivalidad. Todo tipo de incidentes y situaciones cómicas se irán sucediendo. (FILMAFFINITY)


1965: Oscar: Mejores efectos de sonido. 5 nominaciones


CAPTURAS:

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Experiment in Terror (Blake Edwards, 1962)




Chantaje contra una mujer / El mercader del terror

Ficha Técnica:



Título original:

Experiment in Terror

Año:

1962

País:

Estados Unidos

Género:

Cine negro. Thriller. Policíaco

Dirección:

Blake Edwards

Guión:

Gordon Gordon, Mildred Gordon (Novela: Gordon Gordon, Mildred Gordon)

Duración:

123 min



Reparto:



Glenn Ford, Lee Remick, Stefanie Powers, Roy Poole, Ned Glass, Anita Loo, Patricia Huston, Gilbert Green, Clifton James, William Bryant



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

576 x 336

Formato:

AVI

Tamaño:

696 MB


Sinopsis:
Cuando Kelly Sherwood, una joven empleada de banca, regresa a su domicilio en un barrio de San Francisco, es atacada por un desconocido que le exige que robe cien mil dólares del banco donde trabaja; si no cumple sus órdenes, asesinará a su hermana Toby. Aterrorizada, la joven se pone en contacto con el FBI, pero las pistas que aporta son muy escasas. (FILMAFFINITY)


Notable film policiaco de Blake Edwards (Oklahoma, 1922), poco conocido y en general infravalorado. El guión, de Gordon Gordon y Mildred Gordon, adapta su novela “Operation Terror” (1960), publicada en tres partes en “Ladies Home Journal” (septiembre, octubre y noviembre). Se rueda en escenarios reales de San Francisco (Candlestick Park, Saint Germanie Street, Golden Gate...) y en los Columbia Studios. Es nominado a un Globo de oro (actor secundario, Ross Martin). Producido por Blake Edwards para Columbia, se estrena el 13-IV-1962 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en San Francisco (CA), a lo largo de unos pocos días del invierno de 1962. Kelly Sherwood (Remick), de unos 22 años, empleada como cajera de una entidad bancaria, soltera, ordenada, pretendida por Dick (Mallory), un compañero del trabajo, vive sola con su hermana menor Toby (Powers), de 16 años, que estudia bachillerato y es novia de Dave (Evans), también estudiante. Kelly es seria, ordenada, juiciosa y responsable. Toby es alegre y extrovertida. Las dos hermanas se llevan muy bien y se profesan un gran afecto. El inspector del FBI que las ayuda, John “Rip” Ripley (Ford) es un profesional concienzudo, pero rutinario y de escaso talento.

El film suma policiaco, crimen, cine negro, misterio y thriller. El detonante y el móvil de la acción viene dado por el chantaje de que es víctima Kelly por parte de un desconocido fuerte físicamente y con problemas de asma. Se mueve con astucia, un alto nivel de información sobre sus víctimas y allegados y con antecedentes, según sus manifestaciones, de dos asesinatos previos. No deja pistas, no se encuentran indicios de su compleja personalidad y no se conocen sus móviles. Se cubre el rostro con gafas de sol oscuras, oculta la cabeza en la capucha de la trenca y, cuando conviene, se viste de mujer. El nudo dramático se asienta en la capacidad de ocultación del asesino chantajista, la ausencia de pistas, el trabajo rutinario del inspector del FBI, el desarrollo burocrático de su trabajo, la insuficiencia de sus métodos ante las iniciativas y la versatilidad que demuestra el criminal, el escaso talento del inspector Ripley como sabueso perspicaz y con capacidad de anticipación. Se asienta, además, en la gravedad de las amenazas y en la constatación de que las cumple con frialdad y ensañamiento.

El tono del relato es contenido, serio y amargo. Black Edwards, especialista en comedias y dado a edulcorar la situaciones comprometidas, mantiene en este caso una gran coherencia estilística. Crea situaciones de gran tensión, de intenso misterio y de terror franco, sin entretenerse en concesiones. Las imágenes que presenta del criminal y del almacén de pieles abandonado que tiene arrendado, son perturbadoras. Consigue situar el suspense de las secuencias culminantes en niveles escalofriantes: secuestro de una muchacha, retención de Kelly en el garaje de la casa, almacén de maniquís, perspectivas del estadio y otras.

La obra contiene todos los elementos básicos del género policiaco, pero los presenta desnaturalizados o incluso invertidos. El policía es un profesional sin olfato, sin intuición, carece de carisma, es aburrido y no enamora a la chica; un policía dice que no ha usado nunca la pistola; el soplón es duro e inflexible aunque, cuando se le hace reflexionar, se enternece; el asesino es un psicópata, como corresponde al caso, pero no es un malvado del todo coherente y de una sola pieza.

El film construye algunas escenas que han sido imitadas o utilizadas como base de inspiración por obras posteriores. Nos referimos, entre otras, al taller de maniquís, la escena sobre el césped del estadio vacío, el travestismo del asesino, etc. A la vez, se inspira en películas anteriores, como la serie muda “Keystone Cops” (1912-17), “El tercer hombre” (Reed, 1949), “Psicosis” (Hitchcock, 1960), etc. Anticipa el peluche del tigre que aparece en “La pantera rosa” (1963) y en “La carrera del siglo” (1965). Antes de realizar el film, Blake Edwards se había familiarizado con el género como creador de la serie de TV “Peter Gunn” (1958-61). Es el primer largo que estrena en 1962: en diciembre estrena el segundo, “Días de vino y rosas”.

La interpretación de Lee Remick es notable y convincente. Le da adecuada réplica Glenn Ford. Sobresale la intervención de Ross Martin en el papel del asesino Garland Humphrey “Red” Lynch, por el que se hace acreedor a una nominación al Globo de oro al mejor actor secundario.

La banda sonora, de Henry Mancini (“Sed de mal”, Welles, 1958), ofrece una magnífica partitura de 12 cortes, esmeradamente ajustados a las necesidades de la acción. Pone el virtuosismo sonoro que le caracteriza al servicio de la narración visual: sonido e imagen forman una combinación homogénea y coherente de gran fuerza expresiva. Predominan los temas jazzísticos, pero no faltan los líricos a cargo de solos de piano, como el breve y magnífico “Nancy”. La partitura es una de las mejores de Mancini, aunque no la más conocida. La fotografía, de Philip H. Lathrop (“Días de vino y rosas”, 1962), en B/N, compone imágenes en las que abundan las sombras, los negros sólidos, los contrastes de luz, planos profundos y algunos planos generales. Muestra con delectación el paisaje urbano, diurno y nocturno, de San Francisco. Es una de las películas del realizador mejor valoradas actualmente por la crítica especializada.


Bibliografía

Patricio RUIZ BROTONS, “El ‘otro’ Edwards” (sobre “Chantaje contra una mujer”), ‘Encadenados’, www.encadenados.org/23, sin fecha. (Miquel, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Silver Lode (Allan Dwan, 1954)



Filón de plata

Ficha Técnica:



Título original:

Silver Lode

Año:

1954

País:

Estados Unidos

Género:

Western

Dirección:

Allan Dwan

Guión:

Karen DeWolf

Duración:

81 min



Reparto:



John Payne, Lizabeth Scott, Dan Duryea, Dolores Moran, Emile Meyer, Robert Warwick, John Hudson, Harry Carey Jr.



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés / Español con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

640 x 480

Formato:

AVI

Tamaño:

956 MB


Sinopsis:
Western rodado por Allan Dwan, situado en la pequeña ciudad de Silver Lode. Todo comienza cuando el sheriff McCart interrumpe bruscamente la boda entre Dan y Rose para detener al marido... (FILMAFFINITY)


Pionero e innovador, Allan Dwan es uno de los maestros del cine menos recordado, a pesar de haber dirigido más de 400 películas. Asociado con el productor Benedict Bogeaus dirige durante los años cincuenta una serie de películas de bajo presupuesto con resultados deslumbrantes. Filón de plata (Silver Lode, 1954), es una de ellas: un feroz alegato, camuflado de western, contra la política del senador McCarthy y su infausta “Caza de Brujas”..

CAPTURAS:
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Voici le temps des assassins... (Julien Duvivier, 1956)




Almas perversas / Mentes perversas

Ficha Técnica:



Título original:

Voici le temps des assassins...

Año:

1956

País:

Francia

Género:

Thriller. Drama

Dirección:

Julien Duvivier

Guión:

Julien Duvivier, Charles Dorat, Pierre-Aristide Bréal (Historia: Julien Duvivier, Charles Dorat, Maurice Bessy)

Duración:

113 min



Reparto:



Jean Gabin, Danièle Delorme, Robert Arnoux, Liliane Bert, Gérard Blain, Lucienne Bogaert



Datos del archivo:



Idioma:

Francés con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

624 x 464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,19 GB


Sinopsis:
Catherine –una ingenua carita de ángel de veinte años– llega a París con una sola maleta y un dato: el nombre de André Chatelin, renombrado chef, dueño de un restaurante en Les Halles, y ex marido de su madre más de dos décadas atrás. La joven acaba de quedar huérfana y Chatelin, para disgusto de su propia madre –otro personaje siniestro del film–, la acoge en su casa. Paulatinamente, las primeras y cándidas apariencias dejan paso a certezas bastante más macabras. En el contexto del cine francés industrial de la época, Duvivier desconcertó con este puñado de personajes femeninos tremendamente amorales, sórdidos y derrumbados. (FILMAFFINITY)


Julien Duvivier, el maestro del cine noir francés se supera a sí mismo y realiza esta obra maestra, que deja atrás todos los trabajos anteriores alcanzando la cumbre de su carrera. Ayudado por su espléndido reparto, Duvivier nos atrapa desde el principio hasta el final de este film pleno de intriga, maldad, suspenso y un ritmo sin cuartel. Esta gema es la prueba definitiva de que el cine francés no estaba para nada moribundo a finales de los cincuenta. Por lo contrario, casi nos atreveríamos a decir que la llamada "Nouvelle Vague" ha sido un paso atrás.

Y nuevamente tenemos al gran Jean Gabin, el gigante del cine francés, encarnando maravilosamente a André Chatelin, un prestigioso chef propietario de un distinguido restaurante en Les Halles de París, lugar donde ahora se encuentra el Forum Des Halls.

"- ¿Tiene Coca-Cola en su Carta?
- No, señora. Esto es un restaurante, no una farmacia."

El papel de Chatelin fue escrito expresamente para Jean Gabin. Un personaje fuerte y desbordante de realismo que le queda como un guante, en el cual los guionistas no dejaron pasar la oportunidad de divertirse un poco a costa de unos turistas americanos -que están bastante lejos de ser gourmets- en el restaurante de Chatelin.

"Es el tiempo de los asesinos.
La hora de la soga y la traición.
La hora sin piedad ni compasión
por las vidas de los hombres..."

(De la banda de sonido, "La Complainte des Assassins";
con letra de Julien Duvivier y música de Jean Wiener;
interpretada por Germaine Montero)

El título original del filme, que podría traducirse como "Es el tiempo de los asesinos", hace referencia y es la última frase de un poema de Rimbaud, "Matinée d'ivresse" (la mañana de la intoxicación) ("Les Illuminations", 1873-1875).

Y es que, a excepción de Chatelin, su cuasi hijo adoptivo Gérard Delacroix (interpretado por Gérard Blain, a quien Duvivier encontró en la barra de un bar parisino y pensó que físicamente podría encajar perfectamente en este personaje) y algunos empleados y clientes, casi todos los demás personajes de esta película -especialmente los femeninos- son mala semilla, o, en el mejor de los casos, no son ningún dechado de virtudes.

Catherine, el personaje de Danielle Delorme, es una de las arpías más perversas y retorcidas que se han visto en la pantalla grande; es la perversidad personificada. Delorme está soberbia como paradigma de una femme fatale manipuladora con cara de mosquita muerta e instinto criminal. Una psicópata despiadada capaz de hilar una sarta interminable de mentiras sin pestañear.

El personaje de Germaine Kerjean, la madre de André Chatelin, si bien no es ninguna criminal, es una mujer de carácter bastante fuerte. No sólo se había puesto en contra del anterior matrimonio de su hijo, sino que aún continúa manejando su vida como si fuera un niño, siempre con la intención de protegerlo. Además sabe manejar el látigo con maestría (en una escena se la ve matando pollos a latigazos en su guinguette) y no está dispuesta a tolerar a Catherine, en quien no confía ni un milisegundo ¡y para colmo es la hija de la ex-mujer de su hijo! -cuando André le presenta a Catherine y le pregunta qué le parece, ella le contesta que le da escalofríos.

Por último, Gabrielle, el personaje de Lucienne Bogaert, es el más sórdido, desagradable y siniestro que se haya visto en el cine hasta entonces. Totalmente arruinada y deformada en un rictus de desesperación por el alcohol y las drogas; desquiciada, avara y demandante, es la decadencia personificada, en el peor de los sentidos. Asquerosamente manipuladora, es pavorosa la manera en que se regodea planificando un asesinato.

Para no desentonar, el personaje de Gabrielle Fontan (el ama de llaves de Chatelin) es una solterona fisgona que no soporta a Catherine, y merodea por la casa llevando y trayendo chismes sobre la advenediza.

El resto del elenco es igualmente fabuloso. En un papel secundario corto pero clave, vemos a Robert Manuel (quien un año antes habría sido uno de los coprotagonistas de "Rififí" de Jules Dassin interpretando al italiano Mario Ferrati), dando vida aquí a Mario Bonnacorsi, un alegre putañero de buenas intenciones y rasgos gardelianos que una noche por casualidad recala en el restaurant.

La excelente fotografía en blanco y negro y las locaciones o platós representan perfectamente la cultura popular parisina; desde el viejo mercado de Les Halles (una sitio hoy desaparecido del centro de París y trasladado a las afueras, pero que en su momento supo ser el corazón de la ciudad), o la típica guinguette (ya hemos hablado de las guinguettes en "La Belle Équipe"; aquí la madre de Chatelin vive en una que está situada en Lagny-sur-Marne), hasta lo más sórdido, como el Hôtel du Charolais, donde vivía Gabrielle.

Una auténtica exquisitez para gourmets del buen cine, altamente recomendable. (http://funcion-especial.blogspot.com/)




CAPTURAS:

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The Neanderthal Man (Ewald André Dupont, 1953)




El hombre de Neanderthal

Ficha Técnica:



Título original:

The Neanderthal Man

Año:

1953

País:

Estados Unidos

Género:

Ciencia ficción. Terror

Dirección:

Ewald André Dupont

Guión:

Aubrey Wisberg, Jack Pollexfen

Duración:

78 min



Reparto:



Robert Shayne, Joyce Terry, Richard Crane, Doris Merrick, Beverly Garland, Robert Long, Tandra Quinn, Lee Morgan, Eric Colmar, Dick Rich, Robert Easton, Frank Gerstle, Anthony Jochim, Marshall Bradford, William Fawcett



Datos del archivo:



Idioma:

Inglés con subs en español (srt)

Calidad:

BRRip

Resolución:

960x720

Formato:

MP4

Tamaño:

689 MB


Sinopsis:
Un científico efectúa pruebas en una cabaña de la montaña, transformando a un gato en un dientes de sable, y a su criada en una prehomínida. Finalmente, lo probará sobre sí mismo, deviniendo en un hombre de Neanderthal que vagará por los bosques. (Pasadizo.com)


Ewald André Dupont (1891-1956) es uno de los nombres importantes de la historia del cine. Nacido en Alemania, se inicia como guionista en su país natal, pero al poco salta al campo de la dirección, aportando al cine un título esencial como es Varieté (Varieté, 1925). En 1929 dirige una versión trilingüe de la tragedia del Titanic, una alemana, Atlantik, otra en inglés, Atlantic (estrenada en España como Titanic), y otra en francés, Atlantis, esta ya fechada en 1930. Sigue dirigiendo dobles versiones con el advenimiento del sonoro, y en 1933, con Mujeres de postín (Ladies Must Love), debuta en Estados Unidos, donde se ha trasladado, como tantos otros compatriotas, ante la ascensión del nazismo.

En el país del dólar, su carrera pronto se precipita desde unos inicios en la serie B hasta una agonía en la serie Z, cabiendo advertir que durante la década de los 40 no realiza un solo film, y que dentro de su carrera norteamericana tiene algún apreciable ejemplar de cine negro como es The Scarf [tv: El pañuelo, 1951]. Tras The Neanderthal Man (1953) dirigirá dos filmes más, de aventuras, y luego abandonará el cine, muriendo dos años después.

The Neanderthal Man es una clásica muestra de cine de bajo presupuesto. Gran parte de su metraje inicial se centra en diálogos que van explicando al espectador lo que acontece, como el ataque al ganado por parte del tigre dientes de sable, no viéndose esas actividades, obvio es, por cuestiones económicas. El animal, por su parte, son imágenes de un tigre normal, si bien tenemos un plano alucinante, cuando ataque un automóvil, de un primer plano de una chapucera cabeza tallada de un dientes de sable. Ocasionalmente, los planos del muñeco se insertarán a lo largo del metraje, alternándolos con el animal auténtico.

Por su parte, a nivel científico el film muestra la habitual ingenuidad del cine de la época. Es muy carcajeante la escena en la cual el científico que ha osado desafiar la evolución da una charla a sus colegas, charla basada únicamente en conjeturas de parvulario, y cómo apoya sus razonamientos en insultar a sus colegas. El científico, por cierto, ha acudido tan tranquilo a Los Ángeles a dar su conferencia, dejando escapado por los bosques a un tigre dientes de sable con total despreocupación. El científico de Los Ángeles, por su parte, partirá en busca del felino provisto de un rifle, en lugar de plantearse atrapar y estudiar semejante prodigio zoológico. Todo lo que precede son torpezas muy características de los guiones del cine de bajo presupuesto de la época, y muestra de la escasa formación intelectual de los guionistas, que muy a menudo solían ser los productores (en este caso, Aubrey Wisberg, Jack Pollexfen), esto es, meros hombres de negocios. Destaquemos también cuando el detalle del neandertal que viola a la muchacha, la cual volverá a ser secuestrada por el prehomínido y llevada a una cueva..., tras lo cual la chica intentará defenderlo. O cómo la policía justifica el disparar directamente a un sospechoso.

Justo a mitad del metraje del film se comienza a desarrollar la idea que queda implícita en el título, esto es, la aparición de ese hombre de Neandertal, cuando el científico decide probar su fórmula sobre sí mismo, en lugar sobre inocentes gatitos a los que convertía en enormes tigres. A partir de ahí, la cinta se convierte en una especie de variación del mito de Jekyll y Hyde, suponiendo un precedente de una película como Viaje alucinante al fondo de la mente (Altered States, 1980), de Ken Russell, con la cual la presente ofrece no pocas concordancias.

Dupont, anciano y alcoholizado, dirige como puede tan desastroso guión, y el resultado es pobretón, si bien no aburre en absoluto, al menos. Los actores se muestran en su conjunto sosos y envarados, y la música es ramplona y muy poco adecuada en muchos momentos (algunos planos del tigre, que se pretende peligroso, se ofrecen con una música bucólica), si bien la fotografía del gran Stanley Cortez otorga fuerza y contraste a las imágenes. Todo ello, unido a torpezas de guión tan acusadas que provocan la carcajada, convierten el resultado en el clásico serie Z que divertirá al aficionado cómplice y con sentido del humor.
Carlos Díaz Maroto (Madrid. España) (http://www.pasadizo.com/index.php?option=com_peliculas&view=peliculas&id=1636&type=critica&Itemid=2)



CAPTURAS:
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Gertrud (Carl Theodor Dreyer, 1964)





Gertrud

Ficha Técnica:



Título original:

Gertrud

Año:

1964

País:

Dinamarca

Género:

Drama

Dirección:

Carl Theodor Dreyer

Guión:

Carl Theodor Dreyer

Duración:

116 min



Reparto:



Nina Pens Rode, Bendt Rothe, Ebbe Rode, Baard Owe, Anna Malberg, Axel Strobye



Datos del archivo:



Idioma:

Danes con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

720 x 448

Formato:

AVI

Tamaño:

1139 MB


Sinopsis:
Gertrud, una mujer madura, se enfrenta a la separación de su marido, un eminente politico, ya que está enamorada de un joven músico que empieza a cosechar sus primeros éxitos, y para el cual ella solo significa una aventura pasajera. Además, un antiguo novio de Gertrud reaparece en su vida, queriendo él que reanuden su relación. (FILMAFFINITY)


Último de los 14 largos de Dreyer. Escrito y dirigido por él, se inspira en la obra teatral (1906) del sueco Hjalmar Söderberg. Ganó el FIPRESCI de Venecia y el Bodil de la danesa Filmworkers Association.

La acción tiene lugar a lo largo de 2 días de principios del XX, con un epílogo posterior. Narra la historia de Gertrud Kanning (Nina Pens Rode), que vivió un idilio de 3 años con su compañero de estudios Gabriel Lidman (Ebbe Rode), que se casó con un eminente abogado, Gustav Kanning (Bendt Rothe), y que, finalmente, se enamora apasionadamente de un joven músico, Erland Jansson (Baard Owe). Aspira a un amor compartido en plenitud, a un amor completo y absoluto. Las tres experiencias le dicen que su aspiración no es viable: el hombre tiende a situar el amor por debajo o al servicio del trabajo, a usar a la mujer como objeto de deseo, a establecer compromisos para disimular el desamor (como le propone Gustav) y a confundir el amor con aventuras pasajeras. Gertrud, de unos 40 años, quiere amar sin reservas, sin límites, sin componendas, y quiere ser amada de igual manera. Ante la imposibilidad de conseguirlo, y movida por su aversión a las componendas (como el propio Dreyer, del que ella es imagen fiel), toma unas decisiones alejadas de los códigos románticos (el suicidio, el asesinato, etc.). El amor absoluto (Romeo y Julieta) no es imposible, es un ideal. Como dice Gertrud, está hecho de renuncias, sacrificios y dolor. En el fondo, Gertrud se rebela contra una situación social en la que la mujer lo ha de dar todo en el matrimonio a cambio de menos que todo, en un rol de dependencia e inferioridad.

La música suena tenuamente con melodías de una partitura excelente de aires postrománticos. La fotografía ofrece presentaciones frontales, composiciones simétricas y en parejas. La cámara, muy activa, se mueve con delicadeza. Construye planos/secuencia de gran duración. Las imágenes se presentan estilizadas, depuradas y casi espiritualizadas. Los personajes son iconos de movimientos parsimoniosos y de acusado estatismo, que dejan fluir su conciencia, como los personajes de Joyce. Las luces y el vestuario dan a Gertrud la apariencia de escultura de una divinidad pagana (la Venus del parque). Los cuadros de la casa son el contrapunto de la estética visual de la obra. El guión se basa en diálogos de gran belleza verbal. La interpretación, difícil y compleja, se ajusta con precisión a las concepciones del autor. La dirección construye una obra de gran belleza de formas y de fondo, depurada y esencialmente clasicista, que topa con los prejuicios románticos que han poblado y pueblan las mentes del gran público.

Resumen de casi 50 años de trabajo de un cineasta genial. Magnífica e imprescindible. (Miquel, FilmAffinity)


CAPTURAS:
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Ordet (Carl Theodor Dreyer, 1955)




La palabra

Ficha Técnica:



Título original:

Ordet (The Criterion Collection)

Año:

1955

País:

Dinamarca

Género:

Drama

Dirección:

Carl Theodor Dreyer

Guión:

Carl Theodor Dreyer (Obra: Kaj Munk)

Duración:

125 min



Reparto:



Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Preben Lerdorff Rye, Cay Kristiansen, Brigitte Federspiel, Ann Elizabeth, Ejner Federspiel, Sylvia Eckhausen, Gerda Nielsen



Datos del archivo



Idioma:

Danes con subs en español (srt)

Calidad:

DVDRip

Resolución:

608 x 464

Formato:

AVI

Tamaño:

1,36 GB


Sinopsis:
Hacia 1930, en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental, el viejo Morten Borgen dirige la granja de Borgensgaard. Tiene tres hijos: Mikkel, Johannes y Anders. El primero está casado con Inger y tiene dos hijas pequeñas, aunque en estos momentos Inger está embarazada y esperan el tercero. Johannnes es un antiguo estudiante de Teología que, por haberse imbuido de las ideas de Kierkegaard e identificarse con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio. (FILMAFFINITY)



1955: Venecia: León de oro - mejor película

Realizada por Cart Theodor Dreyer (1889-1968), la película se basa en la obra teatral "Ordet" (1932), del pastor Kaj Munk, asesinado por los nazis. Fue adaptada por el propio Dreyer, autor del guión. Se rodó a finales de 1954. Ganó el León de oro de Venecia, extensivo a toda la obra del autor. Producida por Dreyer, Erik y Tage Nielsen, se estrenó el 10-I-1955 (Dinamarca).

La acción tiene lugar en Jutlandia Occidental (Dinamarca), en torno a 1930. En el seno de una pequeña comunidad rural, el granjero Morten Borgen (Henrik Malberg) está enfrentado al sastre, Peter Petersen (Ejner Federspiel) por cuestiones religiosas. El granjero encarna el espíritu de la reformada Iglesia Danesa Luterana, mientras el sastre representa a la Iglesia de la Misión Interior, de moral severa y creencias rígidas.

La película desarrolla el drama de una familia rural. Hace uso de pocos personajes y pocas localizaciones, que sitúa en un ambiente dotado de cierta irrealidad. Está considerada como una de las principales obras sobre religión de la historia del cine. El realizador vuelca en ella sus angustias religiosas, incentidumbres filosóficas y dudas morales, que explica con respeto y sinceridad. Plantea preguntas sobre el sentido de la fe del teólogo, la de los niños inocentes, la que nace de la bondad de Inger (Brigitte Federspiel), la del loco Johannes (Preben Lerdoff), antiguo estudiante de Kierkegaard, la que se oculta en el buen corazón del agnóstico Mikkel (Emil Haas Christiansen). Siembra interrogantes sobre la intransigencia religiosa, las peleas de religión, las disputas sobre cuestiones como el perdón, el valor moral de la alegría, el amor humano como expresión del amor divino. Hace referencia a las relaciones entre religión y religión (la luterana reformada y la de la Misión interior), religión y ciencia, religión y fe, religión y vida, que invitan a su libre consideración. La muerte inesperada de Inge conmueve a todos e introduce un tema nuevo: la existencia o no de milagros. En los momentos culminantes de la vida, nadie cree en los milagros, dice Dreyer, salvo el loco Johannnes (la fe más allá de la razón) y la niña Maren (la inocencia en la que anida la fe). En la pieza de teatro no hay milagro, en el film posiblemente si o tal vez no. Pero lo más importante no es el milagro, lo que más vale es el amor, el de la pareja fundida en un abrazo físico prolongado, que exalta la vida. Posiblemente los milagros más importantes son los que llevan a la reconciliación, la concordia y la paz. Posiblemente la fe auténtica es las que más cree en la vida como expresión de trascendencia.

La música aporta cánticos religiosos populares y melodías (cuerda y viento) de gran belleza. La fotografía ofrece movimientos panorámicos de grúa, planos generales, tomas largas y composiciones inspiradas en la estética del pintor danés Hammershoi. Evita los efectos especiales y toda artificiosidad. La ambientación es de una sobriedad cautivadora. (Miquel, FilmAffinity)



CAPTURAS:

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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):

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