The Last Farm
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Sinopsis:
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2005: Oscar: Nominado a Mejor cortometraje de ficción
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PROGRESO DONACIONES OCTUBRE 2019
domingo, 30 de septiembre de 2012
Sidasti baerin (Rúnar Rúnarsson, 2004)
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The Conversation (Francis Ford Coppola, 1974)
La conversación
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Sinopsis:
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1974: 3 nominaciones al Oscar: Mejor película, sonido, guión original
1974: Festival de Cannes: Palma de Oro
1974: National Board of Review: Mejor película
1974: Festival de Cannes: Palma de Oro
1974: National Board of Review: Mejor película
Dice Walter Murch, montador del film, en el libro de conversaciones con Michael Ondaatje (que ya nombra el gran Servadac en la primera crítica de esta película) que no se rodó el material de por lo menos diez días de rodaje. No quedaba ni tiempo ni dinero. Así que no se podia estructurar la película de la forma que exigía el guión por lo que Mister Murch tuvo que reinventarse las escenas a medida que montaba. Desde la secuencia onírica en la que Harry sueña con la mujer que el cree amenazada de muerte, que un principio iba a ser real, hasta hacer que la explosiva Meredith fuera un agente de la corporación.
Y lo clavaron a base de un montaje rápido y repetitivo (algunas tomas de la conversación de la plaza son utilizadas más de diez veces) que ayuda a crear ese ambiente de obsesión en el que vive Harry Caul. A esto también colabora la ambientación creada por Coppola a base de zooms y planos imposibles que hace que el espectador sufra la tan buscada identificación con el protagonista, sintiéndose tan espiado como se siente él.
Nota aparte para el diseño de sonido, la verdadera especialidad de Murch, que es lo que lleva realmente el ritmo de la película. ¿O qué podía ser sino en una película que trata sobre escuchas?
Y todavía le dio tiempo al gordito a hacer “El padrino II” ese año. Y yo que no soy capaz ni de comprar el pan y el periódico el mismo día... (Favio Rossini, FilmAffinity)
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Per un pugno di dollari (Sergio Leone, 1964)
Por un puñado de dólares
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Sinopsis:
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Coproducción de Alemania,
España e Italia, escrita en 20 días y rodada en 48, con un presupuesto
ajustadísimo. Cosechó un gran éxito de público en Europa. Tres años más
tarde (1967) se estrenó en EEUU, con buena acogida. Es una remake de
"Yojimbo", de Kurosava. Fue ganadora (1965) del premio "Silver Ribbon" a
la mejor banda sonora del Sindicato Italiano de Periodistas de Cine.
La narración se sitúa en el pueblo mejicano de San Miguel, poco después de la muerte de Benito Juárez (1872). Relata los acontecimientos relacionados con la llegada al pueblo de un pistolero solitario, rudo, vagabundo, inteligente y misterioso, que se hace llamar Joe (Clint Easwood). Aprovecha la rivalidad entre las dos bandas que dominan la localidad para enfrentarlas a muerte con el fin de que se eliminen mútuamente.
La banda sonora, de Ennio Morricone, es de importancia capital en la obra, a la que trasmite un ritmo y un brillo inolvidables. Hace uso del silbido, la flauta, fragmentos clásicos, coros, ritmos agresivos, sonidos de objetos, cascabeles y una potente trompeta. Mezcla jazz, rock, música clásica y electrónica. Consigue una soberbia coordinación con la acción y las imágenes, mientras el fabricante de ataúdes canta en la trastienda del bar "La cucaracha". La fotografía se recrea en primeros planos, espectaculares travellings de costado y de frente de jinetes a galope, efectos especiales vistosos, escenas nocturnas que acentúan el misterio y la intriga, realizadas mayoritariamente con la técnica de "la noche americana", popularizada por Truffaut. En la escena de la muerte de Ramón se hace uso brevemente de la "cámara subjetiva", popularizada por "La senda tenebrosa". La actuación de Eastwood, elegido para substituir a James Coburn, que rechazó el papel, es extraordinaria. Interpreta con aplomo y convicción el papel de un hombre duro, silencioso, con cara de lobo e implacable. La caracterización de Joe inspiró "El jinete pálido", "Harry el sucio" y otras. Todo el cine de Eastwood es deudor de Leone. Es destacable la interpretación de Gian Maria Volonté en el papel de Ramón. La dirección de Leone es sobresaliente: da a la obra un cálido aire socarrón, irónico y burlesco, que transporta a la sonrisa o a la carcajada. Dilata los tiempos narrativos hasta hacerlos inspiradores de solemnidad y grandeza. Convierte la exageración (matanzas inverosímiles, palizas larguísimas, sangre en cantidad nunca vista) en medio expresivo de un clima de irrealidad superior a lo real. Cuando Joe saluda a Silvanito (José Calvo), le dice: "¿Qué hay?". Éste le responde: "abundacia de cadáveres".
No es el primer spaghetti-western, pero fue el primero que mereció ser recordado. Lanzó a la fama a Eastwood, Leone y Morricone. Junto con "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo" forma una trilogía temática y estilística, llamada "la trilogia de oro", por la elevada recaudación que obtuvo. Se rodó en Almería y Colmenar Viejo. (Miquel, FilmAffinity)
La narración se sitúa en el pueblo mejicano de San Miguel, poco después de la muerte de Benito Juárez (1872). Relata los acontecimientos relacionados con la llegada al pueblo de un pistolero solitario, rudo, vagabundo, inteligente y misterioso, que se hace llamar Joe (Clint Easwood). Aprovecha la rivalidad entre las dos bandas que dominan la localidad para enfrentarlas a muerte con el fin de que se eliminen mútuamente.
La banda sonora, de Ennio Morricone, es de importancia capital en la obra, a la que trasmite un ritmo y un brillo inolvidables. Hace uso del silbido, la flauta, fragmentos clásicos, coros, ritmos agresivos, sonidos de objetos, cascabeles y una potente trompeta. Mezcla jazz, rock, música clásica y electrónica. Consigue una soberbia coordinación con la acción y las imágenes, mientras el fabricante de ataúdes canta en la trastienda del bar "La cucaracha". La fotografía se recrea en primeros planos, espectaculares travellings de costado y de frente de jinetes a galope, efectos especiales vistosos, escenas nocturnas que acentúan el misterio y la intriga, realizadas mayoritariamente con la técnica de "la noche americana", popularizada por Truffaut. En la escena de la muerte de Ramón se hace uso brevemente de la "cámara subjetiva", popularizada por "La senda tenebrosa". La actuación de Eastwood, elegido para substituir a James Coburn, que rechazó el papel, es extraordinaria. Interpreta con aplomo y convicción el papel de un hombre duro, silencioso, con cara de lobo e implacable. La caracterización de Joe inspiró "El jinete pálido", "Harry el sucio" y otras. Todo el cine de Eastwood es deudor de Leone. Es destacable la interpretación de Gian Maria Volonté en el papel de Ramón. La dirección de Leone es sobresaliente: da a la obra un cálido aire socarrón, irónico y burlesco, que transporta a la sonrisa o a la carcajada. Dilata los tiempos narrativos hasta hacerlos inspiradores de solemnidad y grandeza. Convierte la exageración (matanzas inverosímiles, palizas larguísimas, sangre en cantidad nunca vista) en medio expresivo de un clima de irrealidad superior a lo real. Cuando Joe saluda a Silvanito (José Calvo), le dice: "¿Qué hay?". Éste le responde: "abundacia de cadáveres".
No es el primer spaghetti-western, pero fue el primero que mereció ser recordado. Lanzó a la fama a Eastwood, Leone y Morricone. Junto con "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo" forma una trilogía temática y estilística, llamada "la trilogia de oro", por la elevada recaudación que obtuvo. Se rodó en Almería y Colmenar Viejo. (Miquel, FilmAffinity)
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Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004)
¡Olvídate de mí! / Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
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Sinopsis:
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2004: Oscar: Mejor guión original. 2 nominaciones
2004: Globo de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película comedia o musical
2004: 2 Premios BAFTA: Mejor montaje y guión original. 6 nominaciones
2004: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
2004: National Board of Review: Mejor guión original (Charlie Kaufman)
2004: Asociación de Críticos de Los Angeles: Finalista a mejor guión
2004: Toronto: Mejor director (Michel Gondry), guión original
2004: Globo de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película comedia o musical
2004: 2 Premios BAFTA: Mejor montaje y guión original. 6 nominaciones
2004: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
2004: National Board of Review: Mejor guión original (Charlie Kaufman)
2004: Asociación de Críticos de Los Angeles: Finalista a mejor guión
2004: Toronto: Mejor director (Michel Gondry), guión original
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Carlito's Way (Brian De Palma, 1993)
Atrapado por su pasado
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Sinopsis:
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Por lo general solemos ser
bastante condescendientes con las películas de gangsters o de mafiosos.
Supongo que la especie humana se siente ancestralmente atraída por el
magnetismo fatídico de esas historias que nos cuentan las aventuras y
desventuras de seres desarraigados que viven “al otro lado”. Al margen
de la ley.
Tal vez por esta sencilla razón muchos de nosotros mostramos especial predilección por películas como “El Padrino”, “Uno de los nuestros” o “Reservoir dogs”. "Atrapado por su pasado" no tiene el caché de esas otras, pero puede codearse con cualquiera de ellas. Palabra.
“Carlito’s way” no trata de descubrir ni de ahondar en los entresijos del hampa puertorriqueña. Melancólico e intimista, De Palma construye un inmenso thriller con inequívoco aire clásico desde los cimientos de un hombre que desea escapar de la calle que le ha visto crecer. A toda costa. Carlito Brigante es ahora un cerebral y curtido extraficante que desea huir de ella. Hacia su paraíso particular. Con Gail, claro. Es consciente que la fortuna le ofrece una segunda oportunidad y no debe desperdiciarla. Pero, coño, una nueva vida con un buen puñado de dólares ofrece mayores alicientes.
Un último trabajito. Uno más y lo dejo.
Me quito el sombrero porque el denostado De Palma siempre me asombra, porque el ¿monocromático? Pacino demuestra porque es uno de los cinco mejores actores vivos y porque aún me emocionan las buenas historias con un triste final.
Sobre aspectos puramente técnicos no me apetece demasiado pisotear lo que otros ya habrán subrayado previamente. Tan sólo os puedo asegurar que todo lo que hayais leído sobre el guión, la puesta en escena, la fotografía y la famosa secuencia final de la estación es rigurosamente cierto. Ah, un pequeño detalle, sobretodo para los que ya tenemos una cierta edad. La música disco setentera que suena como fondo en todas las escenas que acontecen en el local de Carlito es brutal. Simple y llanamente brutal.
Tal vez De Palma no sea un genio, pero algo debió aprender del viejo Hitch. (Taylor, FilmAffinity)
Tal vez por esta sencilla razón muchos de nosotros mostramos especial predilección por películas como “El Padrino”, “Uno de los nuestros” o “Reservoir dogs”. "Atrapado por su pasado" no tiene el caché de esas otras, pero puede codearse con cualquiera de ellas. Palabra.
“Carlito’s way” no trata de descubrir ni de ahondar en los entresijos del hampa puertorriqueña. Melancólico e intimista, De Palma construye un inmenso thriller con inequívoco aire clásico desde los cimientos de un hombre que desea escapar de la calle que le ha visto crecer. A toda costa. Carlito Brigante es ahora un cerebral y curtido extraficante que desea huir de ella. Hacia su paraíso particular. Con Gail, claro. Es consciente que la fortuna le ofrece una segunda oportunidad y no debe desperdiciarla. Pero, coño, una nueva vida con un buen puñado de dólares ofrece mayores alicientes.
Un último trabajito. Uno más y lo dejo.
Me quito el sombrero porque el denostado De Palma siempre me asombra, porque el ¿monocromático? Pacino demuestra porque es uno de los cinco mejores actores vivos y porque aún me emocionan las buenas historias con un triste final.
Sobre aspectos puramente técnicos no me apetece demasiado pisotear lo que otros ya habrán subrayado previamente. Tan sólo os puedo asegurar que todo lo que hayais leído sobre el guión, la puesta en escena, la fotografía y la famosa secuencia final de la estación es rigurosamente cierto. Ah, un pequeño detalle, sobretodo para los que ya tenemos una cierta edad. La música disco setentera que suena como fondo en todas las escenas que acontecen en el local de Carlito es brutal. Simple y llanamente brutal.
Tal vez De Palma no sea un genio, pero algo debió aprender del viejo Hitch. (Taylor, FilmAffinity)
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Oldboy (Park Chan-wook, 2003)
Oldboy
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Sinopsis:
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2004: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2004: Festival de Sitges: Mejor Película
2004: Festival de Sitges: Mejor Película
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Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu (Takashi Miike, 2003)
Gozu
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Sinopsis:
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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):
Rotation (Wolfgang Staudte, 1949)
Rotación
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Sinopsis:
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EXTRAS (Alemán con subs en inglés srt y contenedor MKV):
Observation by film expert Christiane Muckenberger on Rotation (23:58 min)
1945-1965 The Cold War - the film in it's historical contextm (05:31 min) |
CAPTURAS:
Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):
Spy Sorge (Masahiro Shinoda, 2003)
Spy Sorge
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Sinopsis:
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Enlaces de descarga (Contraseña: HmB79):
Rue cases-nègres (Euzhan Palcy, 1983)
Calle de las casas negras
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Sinopsis:
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1983: Festival de Venecia: Mejor actriz (Darling Légitimus)
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Jûsan-nin no shikaku (Takashi Miike, 2010)
13 Assassins
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Sinopsis:
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2010: Festival de Sitges: Mejor diseño de producción, Premio del público
2010: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película)
2010: Academia de cine japonés: 4 premios técnicos. 10 nom., incluyendo mejor película
2010: Asian Film Awards: Mejor diseñador de producción. 5 nom., incluyendo mejor director
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2010: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película)
2010: Academia de cine japonés: 4 premios técnicos. 10 nom., incluyendo mejor película
2010: Asian Film Awards: Mejor diseñador de producción. 5 nom., incluyendo mejor director
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
No es que esa batalla de espadas final, que se extiende a casi tres cuartos de hora, sea una extensión de “Kill Bill: Volumen 1” aunque ambos cineastas comparten una visión reivisionista que divaga entre el clasicismo y los géneros que fueron subgéneros para formar parte del colectivo y cultura popular. Si Beatrix Kiddo se enfrentaba ella sola (y misma) a esos terribles ’88 maníacos’ en el filme del japonés Takashi Miike son 13 samuráis frente a 200 guerreros, que puede resurgir el espíritu de “Los siete samuráis” de Kurosawa.
El autor no desaparece sino que esclarece su autoría en secuencias. “13 asesinos” sigue siendo auténtica y genuinamente cien por cien Takashi Miike y parece una hija bastarda nacida de anteriores revisiones del cineasta. “Cementerio Yakuza” (2001) fue un excelente remake de “Yakuza Graveyard” (1976) de Kinji Fukasaku y su reciente “Sukiyaki Western Django” (2007) se apropiaba del “Django” (1966) de Sergio Corbucci. Ahora, y después del su revisión del cine de yakuzas y el spaghetti western, es el Japón feudal el punto de mira para un cineasta que se había acercado al Jidaigeki en una película dividida en capítulos, “Kumamoto Monogatari” (2001), o como vía de adaptación de un manga en “Waru: Final” (2006). Poco bagaje para un director que posee más 80 títulos a sus espaldas en una dilatadísima trayectoria desde el v-cinema en los 90.
Ahora es “The Thirteen Assassins” (1963) de Eiichi Kudo pero la grandilocuencia realista del cineasta pretende agotarnos con un tercer acto demoledor como si fuésemos uno de sus protagonistas. Llega el verdadero Japón feudal, la verdadera cinta de samuráis y remake esclarecedor. Llega “13 Asesinos” para mostrarnos que el autor mutante y enfant terrible es capaz de madurar desde el formalismo como extensión de la lúbrica. Dicen que su “Hara-Kiri”, revisión por remake de la excelente cinta de Masaki Kobayashi de título homónimo, no salió tan redonda como su ampliación del universo de Kudo, pero el filme muestra la capacidad de un cineasta que es capaz de mayores logros con mayores presupuestos.
Una mutilada por ese terrible, depravado, sádico y vil villano que podría llevar a la auto-destrucción a Japón mira a cámara y al vengador justiciero: sin brazos, sin piernas, sin lengua… Pero es precisamente en esos breves momentos donde el incomodo cineasta y autor de cintas violentamente transgresoras como “Visitor Q” o “Ichi the Killer” nos recuerda su autoría. Miike nos habla en muchas imágenes intentando sobrevivir al clasicismo que quiere auto-imponerse como forma de subsistir a su registro. Su perdurable empeño en cuánto el dolor de la muerte como mensaje final de unos personajes condenados a yacer entre lodo y sangre y erigirse como discurso del gran villano: la felicidad, al fin y al cabo, está dónde un busca o quiere buscar. En los lugares más oscuros del alma humana. Así es, en definitiva, el sinsentido y locura de la guerra. (Maldito Bastardo, FilmAffinity)
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